Cinescopio

Discreto resumen de estrenos nacionales en 2011 y Nota Crítica de: Patas Arriba de Alejandro García Wiedemann.

2011-12-26T23:31:00.001-04:30

Por: Daniel Dannery.

Se estrenaron 16 películas Venezolanas en 2011 en salas comerciales.

Para algunos suelen ser sólo 15, yo cuento los 3 días de proyección que tuvo el Documental “Don Armando” en los cines del C.C. Centro Plaza, y unos días en Cine La Previsora.

He dejado de lado algunos estrenos de la Villa, documentales en su mayoría, estrenados en premiere privadas; como es el caso de "Los Sueños de José Castillo", o televisión, y unos cuantos cortometrajes tales como “I Wanna Shine” de Prákriti Maduro; proyectado antes de “Patas Arriba” (Sólo en salas seleccionadas), y "Hoy no se come pastel de Chucho" de Braulio Rodriguez; proyectado antes del filme "X-Men: First Class".

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Cenizas Eternas. Margarita Cadenas. 2011.

2011-12-22T23:07:00.004-04:30

Por Daniel Dannery.

Margarita Cadenas arma su propia merienda de negros, derivando en un discurso neobarroco cargado de elementos claves para la comprensión de la historia presente, pero abordando el tema desde enfoques en apariencia cercanos, pero realmente equidistantes.
“Cenizas Eternas” se diluye en las visiones Filosóficas de Rousseau, Antropológicas de Oscar Lewis, y Sociológicas de Émile Durkheim; por nombrar algunos máximos representantes en cada materia. La mezcla de estos elementos, si bien pueden parecer a priori interesantes, se deshacen en un argumento débilmente impreso en un guión carente de inteligencia que subraya la simplicidad de lo obvio, convirtiendo el resultado final en un cuento angustioso para el espectador, que espera eternamente los minutos finales de la proyección.
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Raúl Perrone: "No se necesitan grandes cosas para hacer una película".

2011-12-19T21:05:00.001-04:30

Hay hombres que uno admira y punto. Hombres que logran donde otros sólo piensan, sueñan o intentan. En lo personal, en lo que concierne al cine, pienso que uno de ellos es Raúl “El perro” Perrone, un inclasificable del filme, un cineasta y listo, un filmador al que ya ni siquiera, como lo hice alguna vez, me atrevo a llamar exponente del cine independiente, del cine guerrilla, del cine de bajo presupuesto. Ya me lo había dicho él mismo en una ocasión con palabras más o menos como estas: Vicente, son puras etiquetas, no se debe pensar en eso del cine independiente, de bajo presupuesto, sólo se debe pensar en hacer cine. Y tenía razón. Por eso es que a El Perro no puedo encasillarlo, por eso es que en esa libertad suya, en ese hago el cine que me da la gana con lo que tengo, muchos le admiramos y consideramos entre los importantes del cine latinoamericano.

Yo a El Perro lo descubrí tarde, en el 2008. Su historia es larga y yo siempre me quedaría corto si intentara narrarla. Para saber de él y su trabajo pueden visitar su web, leer los cientos de artículos que hay en el internet sobre su trabajo y echarle un ojo a tres escritos que he publicado en este blog, todos sobre él y su cine: El Decálogo de El Perro, Hoy en día es más fácil hacer una película que mostrarla. ENTREVISTA A RAÚL PERRONE y, BONUS TRACK. El regreso de Perrone. En todo caso, más que leer sobre Perrone, recomiendo ver sus películas.

En esta entrada transcribo textualmente el corazón de una conversación que tuve con él hace unos días por Skype. Al final también les dejo SEM, su último corto.Más información »

COMISIÓN DE ESTUDIO DE PROYECTOS DE CINE DOCUMENTAL 2011 –Reflexiones de una experiencia personal-

2011-12-07T12:48:00.007-04:30

Por Sergio Marcano.

Luego de perder consecutivamente -por más años de los que quiero recordar- en las convocatorias del CNAC me digo a mí mismo: basta de tanto masoquismo, mis proyectos no le interesan a esa institución y no tiene ningún tipo de sentido seguir insistiendo.

Así, llegado el momento de la convocatoria no corro –como la mitad de mis conocidos- para armar presupuestos que se ajusten a la inflación del día que corre, ni por conseguir acuerdos de coproducción en las compañías de mis allegados, ni tampoco para conseguir cartas de posibles equipos técnicos/artísticos. Simplemente estoy en otro mood, en otra onda. Sonrío y la vida me sonríe cada mañana.

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Tropa de Elite 2: Una guerra sin fin

2011-11-19T11:04:00.001-04:30

Por Pablo Gamba

Tropa de Elite 2: O Inimigo Agora É Outro de José Padilha (Brasil, 2010) ha sidovista como una rectificación de la película anterior, Tropa de Elite (2007), cuyo Oso de Oro en el Festival de Berlín nola salvó de que los críticos de Sight andSound, por ejemplo, la calificaran de militarista, brutal y terriblementecomercial. “El nuevo filme parece un esfuerzo consciente de refutar lasacusaciones de que su antecesor era fascista en su idea de que hay que imponerla ley y el orden con puño de hierro para lidiar con las favelas de Río deJaneiro, infestadas de narcotraficantes”, escribió Stephen Holden en el New York Times. De allí el otro enemigodel título: la crítica parece dirigida principalmente contra la policía.

Quienes opinan deesa manera quizás no hayan percibido la ironía de la primera película en sucalco de Buenos muchachos de MartinScorsese (Goodfellas, 1990). “Lapolicía es una mafia”, concluye el oportunista defensor de los derechos humanosDiogo Fraga (Irandhir Santos) en la secuela, pero eso estaba implícito en elnarrador de Tropa de Elite, elcapitán Roberto Nascimento (Wagner Moura), un hombre que debe ir al psiquiatracomo consecuencia de la locura que es su trabajo en la Brigada de OperacionesEspeciales (BOPE). Y si el centro de las críticas era allí la representación dela lucha entre la policía y los delincuentes como una guerra, una secuencia quese desarrolla en un aula universitaria precisa que se trata de la concepcióndel poder que hay en la obra de Michel Foucault. Desde esa perspectiva depensamiento la defensa de los derechos humanos está necesariamente inscrita en ladinámica de las relaciones de fuerza; es imposible considerarla como ajena alconflicto.

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Historias de la Urbe (Hermanos Forte, 2011)

2011-09-25T22:36:00.001-04:30

Por: Andrea López

Hace unos meses ví una entrevista a los Hermanos Carla y Vicente Forte donde hablaban de su más reciente película Historias de la Urbe . La existencia de esta película me llamó la atención por varias razones. En primer lugar porque, a juzgar por el tráiler, es una película hecha por migrantes sobre migrantes. Como también poseo dicha condición, quise indagar acerca del proceso de producción de esta película con la finalidad de saber cómo se están desenvolviendo los cineastas venezolanos fuera del país.

En segundo lugar, me dió mucha curiosidad saber cómo es que Historias de la Urbe fue culminada más temprano que Bloodbath Test (filme del que he sido inversionista), cuando la segunda fue grabada mucho antes (2009) que la primera.

De manera que advierto a los lectores que las siguientes líneas obedecen a una entrevista hecha con la finalidad de acercarnos al proceso de producción de Historias de la Urbe, más que a su proceso guionístico y de creación.

Sin más que añadir, los dejo con Carla Forte, co-guionista, co-directora y también co-productora de esta película.

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Er Conde Jones. O El poder de las Bolas Criollas.

2011-08-31T08:59:00.002-04:30

Por: Daniel Dannery.

Finalmente una película para el pueblo, para las masas, para aquellos que van en un vagón de metro a las 10:30 de la noche con una vianda vacía en las manos y cabeceando del cansancio, y que poco les importa quien fue “Reverón” y aún más, ver una banda de motorizados secuestrando un hospital, porque el motorizado secuestrador de hospitales es su vecino, o peor aún es él mismo, aunque en este caso la transmisión del mensaje sufre un efecto reflector del ego. Hace poco le escuché decir a alguien, que la violencia es una profesión, y como buena profesión amerita de un curriculum.

El producto viene de la mano de un hombre que conoce sus gustos, que los ha hecho reír a lo largo de más de 20 años, de un hombre que está adornando las mesas televisivas o los equipos reproductores, con sus carátulas de videos o Cd´s quemaos.

Benjamin Rausseo conoce su ganado, o al menos hace el intento de conocerlo y se esfuerza por darle en papilla lo que a su público le gusta.

Aquí ya no estamos hablando de cine propiamente dicho, o mejor dicho del cine que conocemos los que hemos estudiado sus funciones artísticas, autorales, formales y técnicas. Estamos hablando de un cine de categoría Z, un cine trash, cutre, televisivo y sin ningún valor artístico a priori. Más allá por supuesto del valor que un producto de entretenimiento puede tener implícito.

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ÉL (Luis Buñuel, 1953)

2011-08-22T16:37:00.004-04:30

Por: Andrea López

Siempre y por diversas circunstancias he vuelto a ver la obra de Luis Buñuel . Sin proponérmelo, he seguido sus pasos y, si bien es cierto que no simpatizo con toda su obra, la cual es bastante prolífica, cada vez admiro más su filmografía mexicana pues en mi opinión, ésta capitaliza su convicción surrealista.

Amado por unos y odiado por quienes guiados por un nacionalismo pendenciero, han acusado al español de ser un artista mediocre que terminó en estas tierras latinoamericanas; Buñuel realzó la cinematografía mexicana (junto al afamado director El Indio Fernández) durante el oscuro período del churro. Y esto lo logró no sólo porque, tal como diría en sus memorias, el contexto aúnaba más disparate a su ya poco racional precepto surrealista; sino también porque a diferencia de sus filmes franceses, los personajes parecen ser mucho más ricos en dimensión y complejidad. Quizá algo tenga que ver en esto el también español y exilado en México Luis Alcoriza , colaborador del calandés y autor de más de ochenta y cinco títulos. Lo cierto es que películas como Él , Los Olvidados , El Ángel Exterminador , Susana, la perversa –la cual espero comentar alguna vez pues ha sido todo un descubrimiento- y Subida al cielo , también retratan muy bien el México profundo a través de la psicología de una amplia gama de personajes.

De manera que las líneas siguientes las dedicaré a Él, película que aborda el arquetipo del macho celópata y violento, magistralmente interpretado por Arturo de Córdova , basada en la novela de Mercedes Pinto y cuya adaptación corrió por cuenta de Buñuel y Luis Alcoriza; este último también co-autor del guión de El Ángel Exterminador y Los Olvidados.

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LOS VALORES DE OSCAR SAMBRANO URDANETA

2011-08-07T18:01:00.001-04:30

Por José Roversi

Primero pedir a los lectores de El Cinescopio, igual que a los compañeros de ayer y de hoy de este esfuerzo colectivo, disculpas por una larga pausa en mis colaboraciones y luego por escribir hoy sobre un tema diferente al cine, aunque todavía ligado al mundo de la imagen y la cultura venezolana.

Hace pocas semanas falleció en Caracas el Dr. Oscar Sambrano Urdaneta, escritor, académico y también productor y presentador de TV durante los últimos años de su vida.

En mayo de 2006 recibí el encargo honroso de asistir a Sambrano en la tarea de plasmar en lenguaje televisivo los conocimientos que había acumulado durante décadas de estudio metódico y trabajo arduo. Vale TV, Canal 5 de Venezuela, fue la cadena que asumió, junto a Sambrano, el compromiso de difundir la vida y obra de los venezolanos mas brillantes de los últimos tres siglos.

Una tarde caraqueña, caótica y caliente, cogimos el distribuidor de Las Mercedes y fuimos haciendo el camino lleno de vericuetos que lleva a la residencia de Sambrano en una zona del este de la ciudad. Llegamos a una casa sencilla pero bella, venezolana en forma y fondo. Nos recibieron Don Oscar y su compañera de tantos esfuerzos, Doña Yolanda. Sencillez, calidez y generosidad fue lo que encontramos en ellos desde ese primer encuentro.

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ESCENARIOS 2011: Los límites de la justicia, el territorio del equilibrio (2° entrega).

2011-07-30T15:17:00.001-04:30

Por: Andrea López

De la mano del jurista Jaime Cárdenas y los documentalistas Everardo González , Lucía Gajá y Patricio Henríquez; llegamos a la médula de los cuestionamientos existenciales de los documentalistas: La justicia, ¿Debe el documental tener como prioridad atender nuestras desiguales realidades? ¿Hasta dónde debo acompañar a la persona que se ha convertido en mi personaje? ¿Qué obligaciones tengo para con él ó ella? ¿Es legítimo ó no poner dinero de por medio? Todos estas inquietudes son abordadas a continuación.

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ESCENARIOS 2011: Ante el realpolitik, el show business y el reino de los medios, ¿dónde está el documental? (1ª entrega):

2011-07-30T01:35:00.001-04:30

Por: Andrea López

El verano cinematográfico mexicano pica y se extiende. A escasos días de la culminación del Encuentro de Escritores Cinematográficos promovido por la Asociación Civil El Garfio, la luz del proyector y del conocimiento es rápidamente encendida por el Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC), en el marco de Escenarios, un espacio destinado a la proyección, encuentro y discusión acerca del documental nacional e internacional.

Desde El Cinescopio traemos a ustedes en esta primera entrega, apuntes de la primera mesa redonda: Ante el realpolitik, el show business y el reino de los medios, ¿dónde está el documental? La discusión estuvo a cargo del co-autor del desgarrador trabajo " You don´t like the truth, four days inside Guantanamo", Patricio Henríquez (Chile); Juan Carlos Rulfo (En el Hoyo 2006,); Jacaranda Correa (Morir de pie , 2011) y el historiador y académico Lorenzo Meyer . La mesa fue moderada por uno de los organizadores de Escenarios: el maestro Juan “Paco” Urrusti .

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Cámaras que ven monstruos

2011-07-26T13:54:00.005-04:30

Por: Pablo Gamba

El protagonismo de la cámara en Rec de Jaume Balagueró y Paco Plaza (2007) se profundiza y se expande en la secuela de 2009. La grafía del título en el afiche es ilustrativa: Rec², al cuadrado. Es porque se multiplican las cámaras: son tres, y la primera tiene la capacidad de captar las imágenes que toman otras, instaladas en los cascos de los miembros de un grupo comando de la policía. El elenco de aparatos es representativo, además. Podría decirse que las cámaras de los agentes cumplen una función análoga a las de vigilancia; hay otra que los acompaña y que tiene la tarea de hacer un registro científico de lo que hallan, y está por último la cámara de reality TV de Rec, que regresa como han de hacerlo todos los personajes que mueren en un filme de terror que se respete. Falta, irónicamente, la cámara de cine.

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Encuentro Iberoamericano de Escritores Cinematográficos El Garfio: Balance y conclusiones (7ª entrega)

2011-07-22T02:13:00.003-04:30

Escritores de El Garfio A.C.

Por: Andrea López

En esta última entrega expondré qué aspectos del evento se me hicieron positivos y negativos, así como una enumeración de las conclusiones más relevantes respecto al guión y al oficio del guionista (ó en palabras de Arriaga, de el libro y el escritor cinematográfico).

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Encuentro Iberoamericano de Escritores Cinematográficos El Garfio: Tengo un guión, ahora ¿qué hago? (6ª entrega)

2011-07-14T13:45:00.001-04:30

Por: Andrea López

Finalmente hemos llegado a la última sesión del Encuentro, la cual versa acerca de Estrategias para la promoción y venta de guiones. Fondos, becas y apoyos para guionistas. Organizaciones y colectivos de guionistas. Los ponentes son: Mineko Mori, especialista en adquisiciones para cine, colaboradora del Grupo Televisa, Paramount Pictures y presidenta de The Mori Company; Carlos Henao , co-guionista de “La vendedora de rosas ” y presidente de “Los guionistas cuentan, Asociación de Guionistas Colombianos ”; Juanjo Moscardó (de quien ya hablamos en la 4ª entrega); Arturo Tekayehuatzin, fundador asociado de Escritores Cinematográficos El Garfio y Angélica Ramírez, directora de contenidos de IMCINE.

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Encuentro Iberoamericano de Escritores Cinematográficos: De escritor a escritor (5ª entrega)

2011-07-13T16:19:00.002-04:30

Por: Andrea López

Imagen tomada de el blog de El garfio A.C.

Finalmente llegamos a la guinda de la torta. El encuentro entre el Maestro y el alumno. Se trata nada más y nada menos que de Vicente Leñero , narrador, guionista de importantes películas como “La ley de Herodes”, “El Crimen del Padre Amaro ” y “El callejón de los milagros ”; además de periodista, dramaturgo y miembro de la Academia Mexicana de la Lengua; y de Guillermo Arriaga , novelista, productor, director de “The burning plain” y guionista de “Amores perros”, “21 gramos ” y “Babel ”; entre otras. La moderación queda a cargo de otro profesional del oficio: José Gordon , quien además de conductor del Noticiario cultural 9:30 del canal 22; es también novelista, escritor de ensayos y traductor.

Debo aclarar que, con la finalidad de dar a ustedes un registro completo de la discusión, he aunado a mis apuntes la información publicada por el blog de El garfio y de El Inquilino Guionista . Así que, sin más rodeos, traigo a ustedes las reflexiones transcritas de dos profesionales que asumen el oficio y la actitud frente al papel de manera completamente distinta y que, en cada intervención, dejan ver el profundo respeto que se tienen mutuamente.

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Encuentro Iberoamericano de Escritores Cinematográficos: Políticas públicas, mercados y formación del guionista (4ª entrega).

2011-07-12T21:27:00.001-04:30

Por: Andrea López

Abre el tercer día del Encuentro y por urgencias de índole laboral no llego al primer panel Obras por encargo: autoría, derechos, convenios. Implicaciones legales de adaptación de “hechos reales” y de obras literarias. Aspectos legales y creativos de la relación del guionista con el director y con el productor. Por fortuna, nuestro incansable amigo El Inquilino Guionista pudo cubrirlo en este post.

Así que sin más preámbulos, traigo a ustedes lo discutido en el panel: Política pública y mercados cinematográficos en Iberoamérica. La importancia del guionista en la economía e industria cinematográfica. La formación del escritor en cine. Los ponentes son: Jorge Goldenberg (“La estrategia del caracol ”), Juanjó Moscardó Rius, escritor de televisión, series y miembro activo de diversas asociaciones gremiales; Marina Stavenhagen , guionista de radio, cine y televisión; además de directora general de IMCINE; Armando Casas , guionista, realizador y sonidista, también director del CUEC; y Carlos Cuarón (“Sólo con tu pareja ”). La moderación queda a cargo de Alan Coton (“Nesio ”).

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Encuentro Iberoamericano de Escritores Cinematográficos El garfio: Teoría y adaptación (3ª entrega)

2011-07-12T11:06:00.003-04:30

Por: Andrea López

Aunque el primer tema del segundo día era pertinente dentro del guión del encuentro, ya que tocaba discutir acerca de Teoría y enfoques de la escritura para cine: Estructuras dramáticas, ritmo y tono. Género y conflicto. Construcción de personajes y diálogos; y el panel lucía también acertado: Matías Bize (“En la cama ”), Fernando Pérez Valdés (“Suite Habana ”), Paz Alicia Garcíadiego (“Profundo Carmesí ”) y Enrique Rentería (“Ciudades oscuras ”); la discusión careció de preparación por parte de los ponentes lo que conllevó a que reiteradamente se perdiera en divagaciones. Debo reconocer también que llegué tarde y por tanto, citaré del popular blog El Inquilino guionista , lo expresado por el joven y exitoso Matías Bize.

Tras describir brevemente lo dicho en el primer panel, me ocuparé del segundo, el cual logró encender nuevamente nuestro ánimo: Adaptación de obras literarias al guión cinematográfico. Novela, teatro, cuento, poesía, ensayo, remake. Tan importante discusión estuvo conformada por los profesionales Eduardo Sacheri (“El secreto de sus ojos ”), Sandra Kogut (“Mutum ”), Roberto Sneider (“Arráncame la vida ”) y Elio Palencia (“Cheila, una casa pa Maita ”).

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Encuentro de Escritores Cinematográficos El Garfio: El arte de escribir historias (2ª entrega)

2011-07-11T13:54:00.003-04:30

Por: Andrea López

Y llegamos a la tarde del primer día. El tema es El arte de escribir historias en el cine iberoamericano. Narrativa y dramaturgia. El panel lo componen Andrés Duprat (“El hombre de al lado ”), Silvio Caiozzi (“Julio comienza en julio ”) Senel Paz (“Más vampiros en La Habana ”) Pablo Remón (“Cinco metros cuadrados ”), Beatriz Novaro (“Danzón ”) y Diego Velasco (“La hora cero ”).

Lamentablemente y debido a fallas técnicas, Víctor Gaviria no pudo presentar sus aportes desde su natal Colombia. Éste será un punto a considerar en nuestra última entrega en el apartado de balance y conclusiones. Por ahora y sin más rodeos, abordaré la discusión.

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Encuentro Iberoamericano de Escritores Cinematográficos El Garfio: Las historias que contamos, las historias que urgen (1ª entrega)

2011-07-10T12:08:00.006-04:30

Por: Andrea López

Esta semana he tenido el privilegio de asistir a una de las experiencias más estimulantes que haya tenido en mi incipiente carrera profesional: El Encuentro Iberoamericano de Escritores Cinematográficos, que ha tenido lugar en la Ciudad de México entre el 6 y el 9 de julio, y que ha reunido a escritores de la talla de Eduardo Sacheri (“El secreto de sus ojos ”); Senel Paz (“Fresa y chocolate ”), Carlos Cuarón (“Y tu mamá también ”); Francisco Vargas (“El Violín ”); Andrés Duprat “El Hombre de al lado ”, Jorge Goldenberg (“La estrategia del Caracol ”) y Elio Palencia (“Cheila una casa pa Maita”), entre muchos otros de cuantiosa valía.

Antes de adentrarnos en los nutritivos contenidos discutidos durante el encuentro, debo aclarar que éstos se escriben bajo la profunda emoción que despertó en esta servidora y demás participantes (en su mayoría noveles guionistas) “la guinda” del evento: El intercambio con Vicente Leñero y su alumno Guillermo Arriaga.

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You Always Hurt the Ones You Love (Siempre se hiere a quien se ama). PRIMERA PARTE.

2011-07-05T12:45:00.005-04:30

La vida no es bella, Benigni. Para nada.

La mayoría de las veces, vivir, nos duele.

Pensar que el mundo es color de rosa, a estas alturas, es puro sentimentalismo. Del cursi.

Vivir es sufrir mientras se trata de gozar, y siempre lo gozado se siente menos de lo que teníamos previsto. Vivir es vivir. Punto. Y las ganas y las expectativas no tienen nada que ver con el resultado.

Por su parte, el amor es lo que hagamos del amor o lo que nos hagan de él. Pero ya sea en la presentación, el nudo o el desenlace, siempre herimos -en mayor o menor medida-, a quienes amamos. O nos hieren. O nos mantenemos al margen. Y duele, en cualquier caso, también.

“Triste San Valentín éste que es el amor”, parece ser el mensaje de Derek Cianfrance en su última película Blue Valentine (2010). Y los que conectamos con su obra, asentimos.

La línea argumental es sencilla. Pareja clase media baja. Uno de ellos no ama. Y el otro lo único que hace es justamente eso: amar. Después de haber visto esta cinta, todo lo resumo en una de las frases finales de uno de los protagonistas: “(…) dime cómo debería ser. Sólo dime. Lo haré (…)” (Tell me how I should be. Just tell me. I'll do it). Pantalla a negro.

Blue Valentine es una historia de desamor maravillosa. No es una fabulación romántica. No habla del amor. No hay érase una vez ni viviremos felices por siempre. Blue Valentine nos habla de seres y afectos rotos, de la rutina, de lo agónica que puede ser una relación, del sexto triste, del asco, la desilusión, de lo duro que es vivir en pareja cuando uno de los dos no ama. Es poderosa, cruda y contundente como un yunque en altamar. Casi cualquier persona puede inmiscuir alguna parte de su propia historia personal: en mayor o menor medida todos hemos vivido el argumento, o lo viviremos alguna vez en el futuro. Y ese carácter universal nos hace a todos cómplices y partícipes de la historia, querámoslo o no.

Otros de los elementos interesantes del guión, es la victimización y el sacrificio de la figura masculina. Al parecer, la psique colectiva ha decidido abrirse a la idea ya planteada revolucionariamente en su momento por la pionera Kramer Vs. Kramer, de que no es sólo la mujer, la madre, la única que no es amada, la única que se sacrifica, la única que sufre. El hombre, el esposo, ya no es monstruo a priori, se ha decidido que puede eximírsele también, dársele un corazón y que, en consecuencia, es posible destrozárselo en pedazos. Por otro lado, la mujer puede ser egoísta y autosuficiente, puede querer y no amar. Es también un ser humano multidimensional y no un cliché.

Ryan Gosling y Michelle Williams son los encargados de protagonizar esta historia, este colapso que fluctúa entre el pasado y el presente de la pareja, en un margen de seis años de diferencia. La edición funciona muy bien en ese ir y venir que siempre cambia, (como lo es vivir) y en líneas generales ambos parecen cumplir con el trabajo actoral, aunque a ella se le siente forzada a veces, sobre todo en lo que parecen ser improvisaciones. El resto del casting pasa sin pena ni gloria. Son prescindibles.

La cúspide dramática de la película se da cuando la pareja decide irse a un motel a pasar la noche. El cuarto disponible es el Future Room (Cuarto del futuro), lo cual no deja de ser curioso. El rechazo físico en esta escena es insoportable. Para la pareja de ese cuarto no hay futuro.

Hay un elemento que cobra vida e importancia casi a la categoría de personaje: la música. La elección de la banda sonora (Grizzly Bear) parece deliberada y se nota que el director ha sabido como darle el significado necesario para que vaya entrelazada con cada escena. En algún lugar leí que la película estaba basada en la canción Blue Valentines de Tom Waits. Y bien pudiera estarla. Sin embargo, no conseguí referencia alguna que confirmara lo anterior.

Lo demás es verla. Sufrirla. Porque Blue Valentine te parte el corazón, porque Blue Valentine es una historia de amor donde nunca hubo amor, al menos no correspondido. Y mientras la barca se hunde y la esperanza del espectador con ella, se reafirma el hecho de que al amado se le ama sin pensar en el amor. Después de todo, puede que no exista. Y si existe puede ser asesinado. La pregunta en este caso sería, por quién. (Cuaderno negro del tuiter #1, 2011).

La película está a la altura de In the Mood for Love y Once (de las que hablaremos en próximas entregas), siempre en su doloroso universo particular. El drama elevado al nivel de lo cotidiano, de la cortina al viento. Técnicamente luce bien, aunque necesitaría verla de nuevo para poder comentar con acierto, toda vez que la historia me capturó en tal medida, que no pude fijarme.

Elemental mi querido Coelho (Cuaderno negro del tuiter #1, 2011); siempre podemos evadir, negar, llenar los vasos medio vacíos. Ponernos el cristal de la vida toda maravillosa. Embarcarnos En la búsqueda de la felicidad o pensar que todo se puede si de verdad se quiere, como nos enseñan los personajes de Company Men. En ese caso es mejor prescindir de la cinta de Cianfrance. Despues de todo, desde que Nietzsche nos mató a Dios, andamos por nuestra cuenta y la elección es de nosotros.

Convocatorias 2011

2011-06-26T18:25:00.003-04:30

Algunas veces se escucha a cineastas latinoamericanos justificar su aridez creativa bajo la premisa de: “Como el Estado no me da plata, no puedo hacer, promocionar ni vender mi película”. Esta premisa, que deriva en muchas otras del tipo: “Todo es una rosca”, “hay que ser partidario del gobierno de turno para que te den plata” etc; está siendo cada vez más rechazada en nuestros países gracias a los resultados que algunas películas independientes han alcanzado en los festivales y mercados internacionales.

De modo que, en vista de que cada vez más cineastas realmente convencidos y emprendedores están dispuestos a tocar todas las puertas posibles (e imposibles) para alcanzar el sueño de hacer una película y dejar de gastar su energía en la queja estéril; el Cinescopio trae para ustedes algunas de las posibilidades de financiamiento, distribución y exhibición que desde YA se mantienen abiertas.

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Black Swan: la tortura como divertimento

2011-06-17T16:32:00.006-04:30

Por: Andreina Gutiérrez

Cualquiera que haya participado en una clase de Ballet alguna vez en su vida sabe lo que es torturarse por la belleza y el arte. El ballet fue inventado para deleitar a la nobleza con más belleza y perfección de la que ya tenían, por eso el ballet es una disciplina ruda y férrea, solo se trata de conseguir una perfecta belleza al precio que sea. En el ballet la mujer es la protagonista exclusiva, los bailarines masculinos solo existen para alzar al vuelo a las hermosas ballerinas. La cinta Black Swan, dirigida por Darren Aronofsky, polémica y atractiva, solo trata de eso, la tortura física y sicológica a la que es sometida una joven bailarina de ballet. En la vida de Nina Sayers, interpretada por Natalie Portman, no hay nada más que el ballet, su madre fue bailarina y su mundo todo gira en torno a él. Su meta es protagonizar El Lago de los Cisnes, pero debe ser capaz de interpretar los papeles del Cisne Blanco y el Cisne Negro, el problema está en dejar aflorar su propio lado oscuro para interpretar al Cisne Negro. Entonces comenzará la tortura y el proceso de desdoblamiento de Nina.

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La Villa del Cine Cumple Años y "Los Sueños de José Castillo"

2011-06-13T22:41:00.003-04:30

Por Daniel Dannery.

Facebook. 4PM. La Villa Del Cine publica en su página de Facebook; como mensajes desorbitados para los internautas aburridos, que se conmemoran los 5 años de creación de la fundación. Una constante seguidilla de mensajes dispersos deja comprender que ésta fiesta será celebrada e inaugurada en homenaje a José Castillo, con el estreno del documental "Los Sueños de José Castillo", dirigido por los hermanos Rodríguez, en el horario de 5PM en el CELARG.

Salgo de la oficina a las 4:45PM convencido de que llegaré tarde, pero no me importa, no dudo y continúo con el trayecto. Al montarme en el metro de la California descubro que el reloj de la computadora de la oficina tiene diez minutos de retraso por lo que al abordar el vagón son las 4:59PM, no me alarmo, ya estaba mentalizado que igual llegaría tarde. Pienso en el tiempo que me llevará llegar hasta el CELARG y calculo unos 20 minutos.

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"Cortos Interruptus" ó El espectador imaginarium.

2011-06-10T21:14:00.002-04:30

Por: Daniel Dannery.

"Cortos Interruptus" se posa sobre nuestras carteleras como una forma de disfrutar el cine de ficción a manera de capsula encajetada como si de una muestra medica habláramos, al espectador se le dará a probar una especie de "Soma" dosificado, aparentemente elegidos por sus renombres alcanzados en los festivales en los que estos han participado.

Su título como paquete vacacional intenta hacer alegoría sexual a la disfunción del acto humano como promesa humorística y para enganchar a nuestro publico ávido de experiencias sensoriales, como una manera de sugestionar al espectador desprevenido quien siempre esta en la búsqueda del doble sentido. Ese que le quitó veracidad "Al Conde del Guacharo" en su propuesta política, y que ahora, promete servir de viagra visual, pero comienza hablando de sus deficiencias como estimulante contra la rutina.

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La Doppia Ora (Capotondi, 2009)

2011-06-05T17:45:00.001-04:30

Por: Andrea López

Tras sortear las anodinas y bastante predecibles producciones Jolibudescas The Social Network y Black Swan, tuve el privilegio de asistir a la proyección de un película que trasciende por su innovadora propuesta narrativa. Se trata de la Ópera Prima del exitoso realizador de videoclips Giussepe Capotondi, titulada: La Doble Hora.

La trascendencia del film reside, fundamentalmente, en el guión que a tres manos escribieran Ludovica Rampoldi, Alessandro Fabbri y Stefano Sardo; y cuya historia se desplaza, fluidamente y sin perder su unidad, por al menos cuatro géneros: Misterio, Horror, Film Noir y Psicodrama.

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PROCRASTINACIÓN

2011-05-29T11:57:00.002-04:30

Por Sergio Marcano

Miro el reloj entrando a la productora.

Son las 8 am.

Esta vez “la sala de edición” es un antiguo lavadero de 2 X 1.50 mts cuadrados.

Un lugar húmedo, cubierto de pared a pared con porcelana blanca y poseedor de un olor bastante característico y particular –parecido vagamente al de una charcutería de supermercado-.

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"Último Cuerpo" ó Hay que botar la basura en su lugar.

2011-05-20T22:13:00.007-04:30

Por: Daniel Dannery.

En la sala, unas 50 personas. El aire, bastante frío. Una única publicidad del ya desgastado Spot Digital (Me impresiona, ¿Sólo una? Si ya estoy acostumbrado a ver media hora de comerciales mal hechos, como ese terrible de “La escuela de cine”, nefasto.). Debe ser porque estoy entrando a la función de las 5:30pm. Debe ser.

Luego, un trailer mal proyectado de “Beyond a reasonable doubt” (En español: Más allá de la duda) el remake del clásico de Fritz Lang, un bodrio que tuve la oportunidad de ver en la comodidad de mi casa, aunque la original tampoco es que me guste mucho. El sonido a todo volumen, como si nos prepararan para escuchar unos de los mejores diseños sonoros elaborados en Venezuela, luego oiremos que es una mentira.

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"Samuel" ó No me da la gana de hacer nada

2011-05-10T09:41:00.006-04:30

Por: Daniel Dannery

“Samuel” es el nuevo intento de Arvelo; esta vez como productor, tras la fallida “Habana Havana” de llevar a los circuitos un cine intimista con sabor Merideño, bajo los cánones de su manifiesto cinematográfico titulado “Cine Átomo”; cualquier coincidencia con el método de trabajo que proponen el “Dogma 95” de los Daneses, o por ir un poco más lejos, con el “Cine Urgente” del 68, son pura coincidencia.

De tal forma, “Samuel” se perfila y se vende, como una alternativa al cine de arraigo social, violencia, y malas palabras que tanto se ve en nuestras salas, para así, hacernos entrar en un mundo, donde el único problema existente es el de un hombre que no puede soportar el hecho de haber sido bendecido por la mano del señor.

En pocas palabras, tenemos ante nosotros un drama indie de proporciones bíblicas, donde la Fe se pone en juego, y se le acusa a Dios (en apariencia) de no intervenir en el proceso natural del hombre: La muerte (Contradictorio, lo sé). Al menos hasta que éste santo se de cuenta de que tiene un propósito en la vida, ayudar a los demás, a pesar de que nadie lo ayuda a el. Lo cual es una mentira, y más adelante explicaré el por qué.

Toda la película cobra un aura bíblica bebiendo un poco de la historia del profeta Samuel, aquel que era llamado en sueños por Dios, esto, junto al caso verdadero de Edgar Cayce, un norteamericano que bajo Hipnosis podía hallar la cura de los enfermos.

Con la excusa de un drama donde las emociones de los personajes son los que motivan a la historia, “Samuel” se siente vacía en contenido, intentando dejarle todo a una imagen en apariencia poética que debería hablar por si misma, pero no lo hace.

La sensación que deja la película es la de una historia que pudo haberse contado en menos tiempo, el ritmo juega en su contra, intentado adentrarnos en un mundo que no nos pertenece y que nos muestran lejanamente, como si aquí, todos tuviésemos una licenciatura en antropología. Este mismo problema, y me tomo el atrevimiento, lo tiene “Luz Silenciosa” de Carlos Reygadas.

La cámara en ningún momento abandona a Samuel, ésta construcción fija pareciera que tuviese como propósito hacernos vivir con el personaje sus dolencias, sus pensamientos, y su forma de ver las cosas. Lamentablemente no lo logra. La reiteración de una sucesión de Till Ups para remarcarnos cada cierto tiempo que el personaje ha cambiado milimétricamente su emocionalidad no funciona coherentemente, pues la historia nos oculta un trecho demasiado importante en la infancia del personaje, para lograr crear la conexión que se necesitaba. ¿Cómo logró Samuel afrontar la muerte de su padre? ¿Cómo afronto Samuel esa perdida de lo que el conocía como el amor, cuando le fue arrebatado? ¿Cómo llegó Samuel, ese hombre silencioso, mecánico de profesión a trabajar para el marido de su verdadero amor? ¿Cómo llegó a hacerse mecánico? ¿Está Samuel solo como los están esas montañas que lo rodean? La soledad de Samuel o al menos los indicios que nos permiten a nosotros apreciar de donde proviene esa sensación de vacuidad es remarcado en los flashbacks, pero absolutamente nada de esto convierten a Samuel en un personaje interesante. La soledad de Samuel se va llenando en la medida en que la suerte anda de su lado y es por eso que uno no entiende porque el personaje reacciona de esa manera. Y esto no quiere decir que sea un personaje complejo, creo que es un personaje al cual el estudio cuadrimensional le quedo corto.

El único momento donde vemos que el personaje toma la determinación de lograr algo, lo logra sin apenas desenfundar un machete. Todo pasa como una sucesión de eventos que están a su favor. No hay choque dramático, y en el momento donde puede hacer uso real, personal, y conciente de su don, simplemente al personaje no le da la gana, entonces puede que la vida haya exigido todo el, pero de ahí a decir que no podía dar nada, me resulta una absoluta falacia, Samuel lo podía dar todo, porque la vida le dio todo lo que el quiso a pesar de lo ocurrido, y el simplemente dijo: “No me da la gana de dar nada” y de paso le echa la culpa a Dios. Semejante caradura.

En lo concerniente a la interpretación, todos están correctos, dado lo que la historia permite de ellos. Sobresale el trabajo de la actriz Ananda Troconis con un registro emocional realmente convincente, sus silencios dicen más que la soledad del mismísimo “Samuel” y su mirada deja ver las angustias, sueños y necesidades de un personaje que en guión pudo haber dado más de si. Carlos Julio Molina (AKA Dj 13) sorpresivamente se contiene, a pesar de que su personaje está fuera de casting. Manuel Porto sobreactúa los primeros minutos pero luego uno se acostumbra a ello. Erich Wildpret desarrolla un personaje que le viene como anillo al dedo, ese hombre que con cara de compungido se pasea a lo largo de toda la historia. Y finalmente la aparición fantasmal de Marisa Román, da un poco de gracia.

Tengo una sensación de caja musical. La película se desarrolla en su mayoría en exteriores, pero la necesidad de su director de hacer su drama íntimo más intimo, le imprimen al filme una extraña construcción de encierro. Este hombre que camina a veces de ida, a veces de regreso, que se aísla en una mazmorra con fines curanderos, con la finalidad; quizás, de buscar el conocimiento que la ignorancia no le deja vislumbrar, como si de una alegoría al mito de las cavernas se tratará, que regaña a su hijo por jugar con una pequeña caja de música que no le brinda nada a la trama, más el hecho de que alguien cómo yo se pregunte: ¿Y eso por qué?, que abusa de una música que busca la sensibilización inmediata del espectador y que suena, como no, a caja musical, no le brindan nada a esta historia que pretende ir más allá de lo evidente.

En definitiva “Samuel” adolece de los mismos males de “Habana Havana”. Cesar Lucena, su director, comete los mismos errores que Arvelo cometió en su primer producto Átomo. El mundo construido para “Samuel” aparenta profundidad, pero es plano, no hay matices, ni en la historia, ni en su registro actoral, ni musical, se queda en lo que muestra, jugando al saber, e intentado producir un dolor de cabeza al espectador que se pregunta constantemente ¿Qué sentido tiene todo esto?, uno profetiza al igual que Samuel el bíblico que una tragedia se cernirá sobre nuestras retinas, y así es, pero el director le tiene fe a su personaje, le agrada, a pesar de que lo ve desde una distancia un tanto prudencial, y entonces lo redime, y de nuevo a “Samuel” la vida le comienza a dar regalos, y finalmente él como muchachito en época de navidad disfruta destapándolos.

La vida para “Samuel” es una carroza que él jala, donde él debe tener la decisión y no los demás. Eso es lo que plantea el autor.

Yo digo: A Samuel la vida le ha dado más de lo que se merece.

Al Más Allá (Portillo, 2008)

2011-05-01T18:36:00.008-04:30

"Al Más Allá"

Algunas semanas atrás, gracias a la invitación de una amiga, tuve la oportunidad de asistir a la proyección del último documental de Lourdes Portillo, titulado: “Al Más Allá” en Haverford, College, Philadelphia. El evento, que cada semana presenta a un nuevo documentalista, contó con la presencia de quien, a mi modo de ver, es una de las realizadoras más valientes del género, la mera Lourdes Portillo.

Lourdes Portillo

Autora de más de una docena de documentales de creación, Lourdes se consagró al retratar por primera vez la cruda y bestial realidad de los feminicidios en Ciudad Juárez. “Casi todas esas mujeres están hoy muertas” dice todavía con cierto dejo de tristeza y desolación al referirse a “Señorita Extraviada”, largometraje que por su profundidad y agudeza mereció el Premio Especial del Jurado en Sundance Film Festival, Mejor documental en el Festival Internacional de La Habana, el premio Néstor Almendros en el Human Right Watch Film Festival y el Ariel por la Academia Mexicana de Artes Cinematográficas.

Afiche "Señorita Extraviada"

En lo personal, encontrar nuevamente a esta valiente chicana, autora también del drama de Selena mostrando su más reciente film, significó una oportunidad única sobretodo si tomamos en cuenta que el género documental cuenta con una difusión prácticamente nula fuera del espacio televisivo. De modo que, tras veloces viajes en bus y tren, conseguí hacerme de una butaca en la que pude ver con gran emoción “Al Más Allá”, su más reciente filme.

Acostumbrada a la seriedad de los trabajos mencionados “Al Más Allá” me sorprendió al tratar de abordar el tema de una mujer que viaja a la Riviera Maya en busca de la historia de unos paquetes de cocaína que “supuestamente” aparecieron flotando, e intenta hacer de esta aparición una analogía entre el tráfico de drogas y el saqueo pre-colombino. La descripción es tan disparatada como suena.

Afiche del evento en Haverford, Phil.

Protagonizado por la famosa actriz mexicana de telenovelas Ofelia Medina, quien encarna a una documentalista ávida por encontrar esta historia; la peli se desarrolla con mucho sentido del humor y fina ironía que satiriza ciertas conductas “intensas” propias de muchos personajes que hacen vida en este medio. Lo explícito que resulta ver un documental en proceso de realización nos impide como espectadores involucrarnos demasiado, pero esa es la intención. La identificación con el personaje se da a través de la risa que provoca ver a esta mujer refinada, caminado por un pueblo costero junto a su camarógrafo, mientras sudan la gota gorda bajo 40 grados a la sombra. El sacrificio se asume en pro de abordar un tema tan delicado como el narcotráfico pero pronto la “documentalista” tropieza con lugareños que entienden perfectamente qué es lo que busca pero que no sueltan prenda. Y nadie suelta prenda porque en ese lugar no hay nada, al menos nada de lo que esta mujer, que se parte la cabeza frente a un guión y diserta frente a las pirámides mayas, quiere encontrar. El único punto de tensión ocurre en un momento en el que el “crew” se queda sin gasolina y aparece un chico en moto que se detiene agresivo detrás de un poste de luz, haciendo gesto de desenfundar una pistola y gritando que no lo filmen. De resto, el documental pasa rápida y agraciadamente mientras punza ligeras pero ácidas reflexiones acerca de las frivolidades que abundan en el mundo de la creación audiovisual.

Con Lourdes Portillo y Laura Deutch

En un soplo, las luces se apagan y Lourdes aparece para la sesión de preguntas y respuestas. ¿De dónde surge la idea de hacer un documental de la filmación de un documental? ¿Por qué usar a una protagonista de telenovelas como alter ego? ¿Qué hizo que Lourdes Portillo se arriesgase a emprender un documental cómico y experimental que mezcla ficción y veracidad?

La idea, según Lourdes, salió sin mucho pensar. Ella sólo sintió que era el momento de estar detrás de la cámara parodiándose a sí misma y grabando a los compañeros que durante años la han ayudado detrás de ellas, en una jornada menos dura y dramática. La actuación de Ofelia Medina respondió también a este propósito: Si uno se retrata a sí mismo, ¿debe hacerlo a través de un personaje idéntico a uno, ó más bien, a través de uno completamente opuesto? La intención de Lourdes fue reírse de sí misma, pero desde luego, esta parodia se hace desde el respeto y el cariño. La realizadora aclara que Ofelia Medina ha sido una luchadora por los DDHH en México, actividad que, como este documental, ha realizado de forma filantrópica, desinteresada.

Imagen de "Señorita Extraviada"

La respuesta a la última pregunta creo que es la que resulta más iluminadora para quienes de una forma u otra nos hemos involucrado en proyectos referidos a violencia y que en consecuencia, han significado para nuestras vidas no sólo enormes gastos materiales sino también (y sobretodo) altos costos emocionales. “Fue muy duro para mí hacer Señorita Extraviada. Después de hacerlo sentí que tenía que hacer algo que me reconciliara con mi profesión y con la vida, además de que tenía muy poco presupuesto”, dice Lourdes con su tono de voz dulce y pausado. Y la verdad es que “Señorita Extraviada” es una joya demoledora, pero es una joya al fin porque examina desde la razón y la emoción una escalofriante realidad que sigue ocurriendo, impune, ante los ojos del mundo y que se ha expandido a otros lugares de la República Mexicana.

En este sentido, podemos decir que Lourdes alcanzó el cénit al elevar al ámbito de las artes la voz de miles de mujeres salvajemente silenciadas. Ahora, tras años de culminación y procesamiento de esa ruda tarea, nos invita a compartir con ella “Al Más Allá”, esto es, un poco de alegría, de reconciliación con la vida, de fiesta.

Para ver "Señorita Extraviada" pincha AQUÍ

Para ver un avance sobre "Al Más Allá" pincha AQUÍ

Rango: Lagartos en crisis existencial

2011-04-21T23:27:00.009-04:30

Por: Andreina Gutiérrez

Es el desierto, la nada, la sequía, el tiempo detenido, la muerte. Una lagartija se enfrenta a lo nuevo que realmente es viejo y está por acabarse. Camaleón al fin deberá mutar en otro ser y adaptarse o morir. Lo espera un paisaje lleno de lo que no da vida: tierra seca, calor abrasador, escasez de agua y unos habitantes de un pueblo mugroso y en decadencia acostumbrados a una existencia de mera supervivencia. Tendrá que convertirse en el redentor, encontrar su camino y salvar de la devastación total a unos seres de dudoso merecimiento de tal hazaña.

No se esperan lecciones filosóficas de esta clase en una cinta animada. Evidentemente no es una película infantil, Rango no es una cinta perteneciente a las casas productoras de dibujos animados infantiles como Pixar o Dreamworks, se trata de una co-producción de la Paramount Picture con el canal infantil Nickelodeon, dirigida por Gore Verbinsky, que podría ser parte de una incipiente ola de animación digital exclusivamente para adultos (ojo! no confundir con el porno animado tipo Hentai). Se han visto casos de este estilo como Monster’s House y Toy Story 3. Se trata de un producto de alta factura estilístico, con muchas referencias a distintos géneros, como el western y con un aire un tanto lúgubre en algunos momentos, no precisamente perteneciente al género comedia, podría aburrir ya que no es para desternillarse de la risa.

El comienzo en sí mismo ya augura una historia con final triste pues desde el principio 4 búhos cual mariachis, y en plan narradores de la historia, anuncian la muerte del protagonista, la lagartija solitaria que sueña con actuar en un gran escenario y por un accidente va a parar al desierto de Mojave, un ambiente peligroso y hostil donde se encontrará con un pueblo marchito en el que sus habitantes son literalmente animales rastreros, alimañas de toda clase, ratas, cucarachas, arañas, y una variedad de avichuchos y lagartos, todos seres impresentables, de sucia apariencia, fealdad por doquier, nada que ver con los lindos y coloridos personajes de las típicas cintas infantiles. Personajes feos, más un ambiente desértico, más una trama de desesperación por escasez de agua, no es precisamente un dulce cuento para contar a los niños. No obstante no es del todo descartable para el público infantil.

Rango llega a este polvoriento y olvidado pueblo desértico por casualidad, sin embargo se verá impelido a convertirse en la salvación, el Mesías que esperaban, la esperanza ante la inminente destrucción de su forma de vida ya bastante precaria. Las circunstancias lo obligan a convertirse no solo en un héroe casual sino que por supuesto en el camino se encontrará a sí mismo, con escenas que evocan personajes idílicos de sabiduría ancestral, que le lanzan acertijos filosóficos para que abra su mente y le llegue la iluminación necesaria que le ayudará a salvar a una jauría de animalejos de cloaca. Por supuesto que hay una gran conspiración, todo un plan que sobrepasa el entendimiento de Rango, se trata del destino, el futuro, una fuerza arrasadora, aquello que deja morir lo viejo para que nazca lo nuevo. No se puede ser más claro en cuanto al momento histórico por el que pasa un país como Estados Unidos en medio de la crisis financiera más fuerte de las últimas décadas. Rango es la metáfora perfecta de la actualidad, su protagonista no es precisamente el más bonito ni se le tiene mucha fe en un principio pero todos deben confiar ciegamente en él porque no les queda más remedio, y aunque es un camaleón solo cambia de color una vez en el filme, así que se infiere ese desesperado intento por seguir creyendo en un Obama, sea del color que sea.

Jhonny Depp se encarga de hacer la voz principal y hay una referencia a la cinta Miedo y Asco en Las Vegas protagonizada por él que no es casual, ya que Depp se empeña en ser el antihéroe emblemático y siempre a contracorriente, no se esperaría menos que fuera el escogido para hacer el papel del escurridizo lagarto medio tonto que será el libertador de aquellas criaturas miserables caídas en desgracia por obra del destino falaz. “Yes, we can!” de principio a fin!

EL CHICO QUE MIENTE. O Una Verdad A Medias.

2011-02-10T11:09:00.004-04:30

Por Daniel Dannery.

La búsqueda de la verdad es siempre un camino tortuoso, y es por eso que necesitamos mentir para obtener, o más bien necesitamos que nos mientan para saber que vivimos de la apariencia de la fortaleza.

En ese camino nuestras emociones más extremas logran unirse y podemos pasar del odio al amor, y viceversa, porque la verdad, dice un refrán: “Duele”. Pero necesitamos de ella, estamos en esa constante búsqueda de descubrir lo que somos, o lo que nos hace ser.

En ese sentido, y através de ese dogma de vida, existen instituciones, empresas y demás “edificaciones” que intentan hallar una solución a estos problemas; algo llamado NASA, cuyo propósito es el de buscar respuesta a una de las más grandes incógnitas del ser humano ¿Somos los únicos?

O ese libro de titulo elitesco “Más Platón y Menos Prozac”, que busca darnos cuenta que nuestras depresiones, histerias, obsesiones, filias, o lo que sea, únicamente son un producto de nuestras mentes mal sanas.
Y es por eso que también existe “Los Hombres son de Marte y las Mujeres de Venus”, porque no les basta a los hombres con verse el pene en el reflejo del espejo para saber que somos distintos a las mujeres, o quizás las mujeres no han entendido que los hombres aun llevan en sus genes a nuestros padres Cromagnones y no somos fieles pues somos cazadores con hambre, y a pesar de saciarla por momentos, siempre necesitaremos cazar más, y más, es la ley de la vida.
O en el caso que nos compete… la existencia de la revista “Estampas” que resulta la dosificación actual de lo que un pasado fue y nos legó “Sábado Sensacional” con su espacio de reencuentros familiares cargados emotividad y pasión humana, donde la verdad salía a flote, y toda una vida de mentiras y engaños desaparecía al ver a aquel padre dado por muerto, que finalmente luego de 40 años se unía emocionalmente a una hija, deseosa de volver a tener a una familia.

Estamos constantemente reprochándonos la verdad para disfrazarla de mentira, y es esto una forma de vida, es esto un conflicto, es esto nuestro mayor drama en la escasa y limitada línea de tiempo que nos separa de la muerte.
Lamentablemente “El Chico que Miente”, no sabe mentir bien, pues su verdad, no nos interesa para nada.

Y qué nos va a interesar, cuando estamos acostumbrados a escuchar las mentiras del líder a través de un televisor y a debatirlas, con aquellos que creen son ciertas, o a refutar que algunas verdades también son mentiras, o que la capa de ozono se ha deteriorado, o que en todos los países del mundo hay control de cambio, o que Michael Jackson está muerto. Y es ahí cuando tomamos un respiro, y en nuestra paranoia nos vemos en medio de una conspiración.

Ya nos han mentido suficiente, y no es necesario que venga un pelado de 11 años a recordarnos que la historia de este país se basa en la capacidad que tenemos a diario para mentirnos constantemente, y al levantarnos bien tempranito por la mañana, sacar el envase frío de la nevera para armar la vianda, o vernos al espejo luego del baño, para repetirnos como mantra tibetano: “Que todo ira para mejor”.

El chico que miente, pretende en un discurso al parecer contemplativo, sugerente y conceptual, dosificarnos la esperanza de creer que efectivamente hay un lugar para el perdón y la reconciliación… si, en Rusia también tienen años en lo mismo.

“El Chico que Miente” se convierte en una película de ambigua concepción ideológica que resalta el romanticismo de sus realizadores. No puedo sino sonreír, y pensar en aquella frase divertida que dice: "No ser comunista a los 20 es no tener corazón. Y seguir siéndolo a los 40 es no tener cabeza.” De alguna forma este empeño por reivindicar una lucha armada que ya se exponía en “Postales de Leningrado”; la anterior película de esta dupla conformada por Ugas-Rondon, vuelve a aparecer en pinceladas muy mal dibujadas en esta Road-Movie costera. Imágenes pudorosamente fotografiadas como el pendón de la revolución, o los grafittis en la carretera.

Personajes con motivaciones fetichistas, como el fotógrafo hurtador de figuras religiosas, que pretende en su construcción dramática discurrir en las verdaderas motivaciones de un “Artista” ante su obra. O los saqueadores de tubos, que intentan retratar la derrota de la revolución ante su afán de darle el poder al pueblo, sin llegar a nada, a una metáfora que el espectador, en base a la teoría Jungiana debe complementar con lo que puede leer a diario en la prensa nacional, y esto tampoco es que te pueda llevar a la verdad.

Podría funcionar de no ser, porque ninguna de estas microhistorias se desarrollan de una manera coherente, y terminan por ser pequeñas ideas forzadas en el relato, que más que ayudarlo a avanzar, como debería ser, frena y saca de contexto el verdadero conflicto de la historia, y es que no estamos hablando de una película coral (Magnolia, Crash, entre otras), donde quizás los personajes secundarios podrían darle peso al argumento inicial, o lo que es lo mismo, a la propuesta ideológica de su autor.

“El Chico que Miente” adolece de una sola cosa, y es la poca dramática de sus discurso, si bien la motivación del personaje es clara, la necesidad de utilizar como recurso un viaje iniciático debe tener un algo conciso en su estructura, y esto es así cual receta de bizcocho casero, ha de existir un cambio, un vuelco, una salida a todo el problema, y la pretensión metafórica de un collar como leiv motive no es lo suficientemente fuerte para culminar con este problema. Vamos, que el collar no es la carta del fraile que nunca llega a manos de Romeo.
Sin hablar por supuesto del recurso melodramático del Flashback para hacernos comprender el camino, el cual le da un aire a la historia de unitario televisivo.

No bastan los paisajes bonitos. El retrato de postal de una Venezuela que al parecer continúa siendo “hermosa” pese a todas las catástrofes naturales, políticas y sociales, por las cuales agoniza.
A pesar de esto, el logro de la fotografía es remarcable, pues en mi caso, logro comerme el cuento de que algunas de nuestras playas (de acceso popular, dichoso el que puede pagarse un fin de semana en los Roques) siguen teniendo vida. La escena de los manglares resulta ser una de las mejores del filme, donde el espectador atento, sufre la incertidumbre del chico ante un verdadero peligro, que a lo largo de la película no se deja ver con suficiente fuerza, como por ejemplo, la insinuación pederasta.

Las actuaciones carecen de la fuerza necesaria para lograr el cometido, y hablo de los roles secundarios, que son aquellos que más sufren el despropósito de unas escenas carentes de conflicto verdadero. El joven talento Íker Fernández, intenta aguantar todo el peso dramático de la historia, y lo logra a medias, por lo general, su rostro de empatía neutral ante un mundo que el intenta comerse con su viveza, resulta pedante y sin lógica ante todo el peso emocional que un personaje como el interpretado, necesitaba. Pero no dudo que en futuros proyectos y con estudios pueda lograr la madurez interpretativa. Finalmente la actuación es una cuestión de técnica, y a pesar que nuestra realizadora intenta darles protagonismo a no-actores, esto también resulta un arma de doble filo para el resultado final, aunque debo sincerarme y es que algunos de estos no-actores tienen más futuro en el medio, que muchos que se llenan la boca hablando de su capacidad artística.

Donde mas redunda la historia es en ese afán de hacernos comprender que somos un país joven que ha crecido victima de abusos, y carente de un rostro verdadero que nos haga encausar, para no volver a salirnos del camino. Sabemos como venezolanos que nuestra memoria es limitada, y adolecemos de lo que Cabrujas llamaba “El estado del disimulo” ¿y entonces donde está la solución planteada? Uno no sabe si el niño al final sonríe porque ha caído presa de las arenas movedizas de los medanos, o porque finalmente ha descubierto la mayor mentira de todas, no se puede confiar en lo que la revista “Estampas” publique.

Machete o la venganza de los feos

2011-01-10T19:38:00.005-04:30

Por: Andreina Gutiérrez

“This is an interesting face” dice la angelical Jessica Alba cuando ve por primera vez a Danny Trejo en su personaje de Machete. No es una cara interesante, es una cara fea que intenta ser protagonista precisamente por su fealdad. Robert Rodríguez cree que esa cara lo es todo y que Danny Trejo no necesita nada más, le inventa una historia enrevesada a su alrededor y listo. Rodearlo de mujeres bellas que habrían de caer rendidas ante él porque sí, matones a sueldo que lo persiguen, peleas clandestinas, chantaje, corrupción, asesinatos, racismo, desempleo, pobreza, abandono, soledad, todo eso así no más porque sí, porque a la gente fea le pasan esas cosas. Si no tuviera esa cara a nadie le importaría. Danny Trejo dijo en una entrevista que en varias ocasiones le habían ofrecido operarle el rostro gratis para hacerlo atractivo, y que él siempre se ha negado rotundamente porque gracias a esa cara tiene trabajo. Parece ser que Machete es exactamente eso, un personaje que le dieron por su fea cara. Trejo carece del carisma necesario para esta clase de papel, a pesar de su musculatura no tiene agilidad física, se le nota intentando llenar el personaje por un físico hosco, no por talento. O Trejo se lo toma demasiado en serio o solo se lo cree porque Robert Rodríguez le dijo que con esa cara era suficiente.

Sin embargo Rodríguez se deja llevar por la corrección política y Machete a pesar de su loable intento no termina de cuajarse. Machete es tanto que al final no es nada. Las referencias, homenajes y autoreferencias son tantas que no hay por donde empezar. Cada fotograma, cada diálogo, cada personaje, cada vestuario, cada 5 segundos de película hay una cantidad impresionante de información difícil de desgranar para los no iniciados. Desde los créditos iniciales, hasta la banda sonora. Rodríguez probablemente acabó con su propio imaginario cinematográfico, ¿Habrá algo que se le haya escapado? En este momento solo se me ocurre la acertada ausencia de vampiros, recurso que ya utilizó en Del Crepúsculo al Amanecer. Afortunadamente antes de que se pusieran de moda los chupasangre, él ya había matado esa posibilidad.

En primer término Machete parece una versión exagerada de su ópera prima El Mariachi, si Desperado era la versión Hollywood, Machete es la versión seudo porno y seudo gore, porque no hay tanta teta y culo ni tanta sangre como cabría esperarse. Después hay demasiadas loas a su padrino Quentin Tarantino de quien trata de emular su Pulp Fiction, agregándole el toque latino. Machete es un pescado que por donde lo agarras se te escapa de las manos, pareciera una cinta inacabada, el montaje hace que uno sienta que siempre falta algo que no te explicaron, como que se perdieron escenas. En realidad la razón es la cantidad de personajes, el montón de actores estrellas a quienes había que darles su momento estelar, su historia, la complejidad de las relaciones, que sin embargo no alcanza a Pulp Fiction. Por otro lado tiene un aire a sátira, esos mismos actores cada uno parece o autohomenajearse o hacer un chiste de sí mismo: Don Jonson, el ex Miami Vice, persiguiendo inmigrantes ilegales, Lindsay Lohan como drogadicta, Cheech Marin como sacerdote de armas tomar, Michel Rodríguez en su enésimo papel de macha. Pero quien se lleva el honor es Steven Seagal, la película podría ser él solo en ese personaje (muy parecido por cierto al del gringo en El Mariachi) y bastaría. Entre el chiste y el homenaje Seagal es una maravilla burlándose de si mismo, más ahora que se metió a policía televisivo. Es una especie de Gurú de la violencia gratuita, absurda y sin sentido. Su final es honorable.

Luego hay que ver con ojo avizor esa especie de subtexto revolucionario de los latinos ilegales en Estados Unidos, esos tímidos llamados al levantamiento latino, con el personaje de She y su historia nunca contada como si perteneciera a otra película, algo que pasa en otro contexto pero que está ahí, insuflando las llamas de insurrección de los indocumentados, calladita, escondida.Vemos de pasada una foto de ella con su traje al estilo Che, se nombra la palabra Revolución una vez y ya, mientras tanto Robert De Niro mata inmigrantes en la frontera con su rifle de mira telescópica, pero She los salvará de los gringos blancos y racistas con su cuerpito enfundado en granadas, así como Jessica Alba con su flacuchenta humanidad y su pésima pronunciación en español, arengará a un grupo de hombres rudos y desempleados a unirse a la causa. Robert Rodríguez de verdad cree que le meterá miedo a la gobernadora de Arizona y su ley antiinmigrantes con Machete, especialmente por el final irónico que le da al personaje de De Niro. Alrededor de su estreno en Estados Unidos en agosto del año pasado, en plena discusión de la ley, hubo rumores y especulaciones acerca de las ideas que esta película le metería en la cabeza a los latinos. Danny Trejo ahora es un héroe revolucionario chicano porque le saca los intestinos a un gringo.Veremos que nuevas aventuras nos trae esta fea cara entre chicas lindas y gringos malvados, en Machete 2.

Presunto Culpable (Negrete y Hernández, 2010)

2010-12-10T02:48:00.004-04:30

Por Andrea López

“Cuando alguien te dice que metieron a un delincuente a la cárcel te alegras y hasta pides que lo dejen allí para que no le haga daño a más nadie en la calle”.

Estas son más o menos las palabras que pronuncia Antonio (Toño) Zúñiga, joven de 26 años, trabajador de Iztapalapa en México DF al inicio del documental del cual es protagonista y que obtuvo el galardón de Humanitas Award otorgado por la IDA: Presunto Culpable.

Pues bien, este chico inocente fue -en el argot mexica- “levantado” en el año 2005 por la policía en su lugar de trabajo. Tras golpizas y testimonio de un falso testigo, el sistema judicial de su país lo acusó de homicidio y sentenció a veinte años de presidio. Allí entendió que esta opinión generalizada obedece, en la mayoría de los casos, a la ignorancia que permea a intereses económicos y discriminatorios.

Dirigido por una pareja de abogados que para el momento emprendían estudios de postgrado en los Estados Unidos y que se hallaba sumamente preocupada por los vicios imperantes en el sistema jurídico de su país de origen; el documental no sólo se ocupó de revisar el expediente de Toño, encontrar que la licencia del fiscal acusador era falsa, conseguirle un abogado defensor que no cobrara, abrir un nuevo juicio y registrar en video todo el proceso, así como la vivencia de su mujer y familia; sino que además consiguió liberarlo de un sistema viciado que se mantiene a costa de los jugosos dividendos de la corrupción administrativa y judicial.

En resumidas cuentas, diremos que Presunto Culpable ha logrado en el siglo XXI lo que en 1988 consiguiera Errol Morris en The Thin Blue Line. Esto es, no sólo denunciar y develar un sistema discriminador y violador de derechos humanos, sino además concluir el trabajo audiovisual logrando justicia en la realidad. Sin duda, el sueño de cualquier documentalista y activista social.

Aunque en principio el propósito de este análisis desistió de la comparación entre el documental de Morris con el de la dupla Negrete-Hernández, es posible que tropecemos con aristas que convergen en ambos audiovisuales, así como en diferencias en cuanto a su tratamiento.

Como ya mencionamos, Presunto Culpable hace un retrato de Toño, un joven que es arrestado y sentenciado bajo el cargo de asesinato y que aún sabiéndose inocente llegó a resignarse ante su realidad asumiendo el presidio como una prueba de fortaleza divina: Fue así que se dedicó a entrenar, bailar y componer canciones en la cárcel. Vale decir que estas últimas impregnan de emoción al documental.

Layda Negrete y Roberto Hernández (los abogados realizadores) logran contactarlo y hacerle ver que lo que vivía no era una prueba de Dios, sino la consecuencia de un sistema que actúa de acuerdo a intereses económicos, infrahumanos, descompuestos.

Las pruebas de la abogada acusadora no estaban claras, datos relevantes respecto a su inocencia habían sido obviados en su expediente. La prueba más fuerte pesaba sobre un chavo que no estuvo presente en los hechos y que lo acusó después de haber sido coaccionado por los policías. El testimonio de este chico se midió contra el de tres testigos que vieron a Toño trabajando a la hora del suceso (bastante alejado por cierto) pero que sin embargo fue suficiente para un juez que impuso una condena de dos décadas.

Pronto, la esperanza de un nuevo juicio se vio opacada por el hecho de que el juez sería el mismo que dictó la condena inicial. Fue entonces cuando el expediente se subrayó y Toño fue cuidadosamente entrenado a participar personalmente en su defensa.

A diferencia de La Delgada Línea Azul, el renovado juicio de Toño carece de recreaciones ficticias de los hechos. En su lugar, las cámaras develan la cruda realidad de lo ocurrido a través de las patéticas audiencias realizadas en kafkianas, claustrofóbicas y hacinadas oficinas públicas mexicanas, en las que el acusado observa todo a través de los barrotes. Y es así cuando, a pesar de las negativas a responder, o contradictorias revelaciones de los policías (que incluso llegan a intimidar a las cámaras con amenazas y chantajes) hasta el coaccionado testigo acepta en el careo que jamás vio a Toño en la hora y lugar del crimen. Aún así, el juez reitera su sentencia.

Lo más fuerte de todo es la respuesta de la abogada acusadora cuando ante las pruebas de inocencia se le pregunta ¿por qué acusa a un inocente? Y ésta responde: “Porque es mi chamba”.

En esa frase se resume todo el negocio. La desesperanza de Toño se hace total pero la luz de la cámara que ha registrado la perversión que será difundida a lo largo y ancho del mundo a través de festivales y medios de comunicación, hacen posible su apelación, posterior esclarecimiento y absolución.

Hoy, Presunto Culpable no representa sólo un documental, una película a ser exhibida en salas y festivales; sino además la voluntad de apoyar una organización sin fines de lucro que busca la transformación del sistema judicial mexicano al proponer juicios orales y públicos pero sobre todo, la implementación de una noción de justicia que dista mucho de la concepción que de la balanza se tiene en América latina, región en donde en vez de creer que “Todos somos inocentes hasta que se demuestre lo contrario”, priva la concepción adversa de que “Se es culpable hasta que se demuestre lo opuesto”, es decir, no existe la presunción de inocencia, sino la de culpabilidad. Facismo puro y duro.

Finalmente, informarles que el documental se estrenará en México en febrero de 2011. Dejo a ustedes la página de este propósito progresista.

Y el trailer de este importante documental :

¡No se lo pierdan!

Muerte en Alto Contraste (Bolívar, 2010)

2010-12-04T02:29:00.005-04:30

(ó Agonía en Baja Resolución)

Por Daniel Dannery.

Leyendo la crítica de algunos dinosaurios del medio cinematográfico de Venezuela, uno no puede sino pensar en una renovación, no del cine, que ya ha dado sus pasos bien pisados en la actual cartelera nacional, sino del análisis cinematográfico, que clama incesantemente por una renovación, una voz que deje de ser tan complaciente y amiguera.

Me lo comentó una vez un estudioso del tema “En Venezuela no hay crítica”, en primer lugar creo que la crítica no se había dado del todo por la escasa producción, pero a una década ya por finalizar, es obvio que esto comienza a cambiar, ya sea por esos textos petulantes de algunos hombres de corbata, o por los comentarios críticos que cualquiera se puede encontrar al visitar un blog.

“Muerte en Alto Contraste” no es correcta, no es redonda, no se destacan ni la dirección de fotografía, ni la de arte, ni la música, ni las actuaciones, ni el sonido, ni el montaje; como alguien escribió por ahí. Como dijo el presidente Mexicano Luis Echeverría por allá en los 70: “Sino, Todo Contrario”.

Carece de gusto, de concepto, de lógica. Sí, “Las caras del diablo” se arropa en su mal justificada carencia de dinero, “Muerte en alto contraste” logra el mismo resultado sin la improvisación y con todos los recursos.

Bolívar retorna a un campo del que pareciese, ya no se siente del todo cómodo, lo que había logrado con “Homicidio Culposo” lo destroza con los pies, en este Thriller Policial con subtexto político.

Más de una década ha pasado desde que este realizador pudo ver estrenada una película, con la cual no le fue del todo bien: “Rosa de Francia”. Y uno se pregunta qué fue de aquel hombre que logró planos tan hermosos en “El Pez Que Fuma” (DP) o de aquel que se tomó de un argumento tan patético (En buen sentido) en “Domingo de resurrección”.

Obviamente el cine de este realizador ha envejecido muy mal, pero en estas muestras, uno se encuentra aún con detalles que a pesar de todo te dejan un gusto, de no muy mal sabor.

Mirar al pasado a veces se convierte en una pedantería o en una muestra de resistencia al cambio, pero en el caso de Bolívar es casi obligatorio hacerlo, de la misma forma pasa con Chalbaud, De Pedro, entre otros. Pues son ellos los que nos han legado una cultura cinematográfica, aunque en el futuro, no les vaya del todo bien.

Es difícil encontrarse con material como este, en el sentido de que uno como comentarista, no sabe por dónde empezar, o qué hablar. Y es que todo merece su tiempo, su análisis o al menos una lupa cuidadosa, para cuidarse de no decir cualquier barbaridad y no quedar mal, pero vamos, que si fueron capaces de estrenar cosas como “Des-Autorizados” o “Amorcito Corazón” y hacer que gente, haya ido al cine a verlas, y pagar por ellas, creo que yo podría decir cualquier cosa aquí y estaría libre de todo pecado, y al menos se ahorran un dinero.

Hay que estar claros que aunque la RAE le haya quitado la tilde a la palabra “Solo”, puedo decir que SOLO uno puede ver una película como ésta y aguantarla con mucha fuerza de voluntad y fe. En ambos sentidos.

Un conflicto claro presenta el guión firmado por Los Varela y Bolívar, una venganza que se a venido alimentando por 20 años, tras una masacre causada por motivaciones políticas. El personaje de Wildpret, ha tenido el tiempo suficiente para armar un plan y así acabar con todos aquellos involucrados en la muerte de sus padres, y esto es lo que nos muestra la película, un hombre que debe terminar a como de lugar con una cúpula extrema que velaba ante sus propios intereses, mientras la lucha izquierdista de la época, intentaba lograr una batalla contra el gobierno de turno, entre las montañas y disfrazados de guerrilleros. Aquí tenemos el subtexto panfletario.

Más allá de esto, el argumento podría resultar interesante, pero no todo acaba aquí, el espectador debe ir descubriendo la fijación de nuestro personaje principal ante los encantos mal fotografiados de Norelys Rodríguez, el único personaje, con el que no se conecta el público, y si somos meticulosos, ni el mismo Wildpret se siente cómodo. Una historia colocada para vender, digo, un cuerpo y un rostro que aporta su nombre para lograr un éxito seguro en taquilla.

Al menos si uno sintiese que Rodríguez se la pasa bomba en cada escena, sentiríamos cierta simpatía por el personaje, y por la historia forzada de amor que empieza a nacer a medida que la trama avanza. Pero cada escena resulta tan risible y patética que da vergüenza quedarse sentando viendo como cada diálogo y emoción de cartón se va desbordando al visionarla.
Y la culpa no es de Rodríguez, sino de un personaje sin tridimensionalidad, mal dirigido, que no sabe como moverse dentro del espacio.

Su cuerpo se pierde entre el grano de la noche, ante una luz bucólica que emana de un baño, mientras uno se va deshaciendo en la butaca pensando ¿Cómo para qué? Si es que ni una teta. Y luego pasamos al contraluz, donde las figuras de ambos se besan, mientras en el fondo las camionetas de Sabana Grande captan más la atención, ante un diálogo mal digerido que dicta: Mejor empecemos aquí para evitar la incomodidad en la habitación. Si lo que querían era hacernos sentir incómodos, pues lo han logrado con creces.

Norelys Rodríguez se pierde en un mundo que no fue dibujado para ella, su personaje, carece de conexión, y me atrevo a decir, que las peores escenas de la película son protagonizadas por esta historia de amor. Para muestra, la escena del sushi, o esos planos de película erótica barata clase B, que se dejan ver ante las rendijas de un ventilador de techo ¿Dónde está la poesía del cuerpo ahí?

El personaje de Wildpret, va desbordando sufrimiento a medida que avanza la historia, y uno se pregunta si esa cara estática es una mezcla de “Elipsis” “Un lugar lejano” y “Des-autorizados”, y el personaje es un metatexto con piernas con lo cual el actor simplemente se está riendo de nosotros.

Es cierto que sus emociones varían mientras da vueltas por el piso a lo comando, o en la tradición de Seagal demuestra su flexibilidad pendiendo sobre los marcos de una puerta. Pero creo que el cambio gestual se debe, ante el esfuerzo físico que ameritan las escenas de acción.

Como te extraño Schwarzenegger.

Obviamente quien se roba los mejores minutos, en nuestro camino hacia la búsqueda del tiempo perdido es Juan Manuel La Guardia, el personaje más real, mejor actuado, aunque hierva por momentos en la sobreactuación. Un digno regreso para este actor, que estaba en vías de desaparecer de nuestro imaginario.

Un personaje que retrata la Venezolaneidad, y con el cual el público sufre la identificación correspondiente, y es que sino eres cómo el, al menos te le pareces o conoces de alguien similar.

Más allá que la venganza dentro de esta historia sea el conflicto real que mueve todos los hilos para que la trama vaya develándose, es en este Pepe Grillo moderno, donde recae toda la sustancia dramática de la cual debe estar conformado un personaje. Un pasado lejano y cercano bastante claro, un presente desolador y un futuro que no se vislumbra, y es ahí de dónde el personaje se engancha para intentar enmendar, lo que posiblemente no tenga solución.

El resto de los personajes son relleno puro, del mejor algodón y necesarios para el final. Algunos mejores que otros, otros particularmente estáticos.

“Muerte En Alto Contraste” define la primera película Ochentosa Venezolana grabada en pleno siglo XXI, su fotografía así lo define, noches azules al mejor estilo Monkey Island, escenas eróticas bañadas en el más tenue anaranjado rojizo, un grano en la imagen que nos hace recordar esas copias en VHS de la colección de la Cinemateca Nacional. Lo mismo podría hablarse de la dirección de arte, una apología al mal gusto, al peor, al barato. Al menos Malavé se sincera en sus escenas al mostrarnos las paredes sucias, y eso le da un tono realmente amateur. Pero aquí, un florero con cuatro flores artificiales rosadas, ante un fondo de persiana azul, en un Two Shoot de cafetín, nos habla acerca de que tan lejos está ésta película de ser realmente el magistral regreso de un cineasta.

Sin hablar claro, hasta de las fuentes usadas para tipografiar el título de la película. ¿Se acuerdan de esa serie tipo comando llamada “A-Team”? Cualquier coincidencia, es pura casualidad.

El montaje por momentos es correcto, en otros, simplemente ridiculiza más aun este nuevo formato de llevar “Crónica Policial” a la pantalla grande, abusando del efecto cromático y exponiéndolo ante un ojo que se pierde en una espiral, no como los créditos de “Vertigo”, sino como el agua que sigue su curso natural al bajar la palanca.

¿Quién fue el jurado del festival de cine de Mérida y Margarita? ¿En qué manos está el criterio estético, de lo fundamental del arte, en este país? ¿Todos los ácaros se han comido las famélicas hojas amarillas de las ediciones caseras de la “Critica del Juicio” de Kant? ¿O es que no había nada mejor que premiar, y en vez de declarar desierto tenían que resolver con lo hubiese?

Es una lastima que el regreso de Bolívar no fuese con bombos y platillos, aunque eso es lo que nos hagan creer, pero nosotros ya no nos dedicamos a chuparnos el dedo y bajar la cabeza cada vez que alguien dice que el Mesías del cine nacional va a llegar.

Igual el intento de “Muerte en Alto Contraste” de posicionarse ante los éxitos de este año, tiene su merito, aunque al diseñador del Poster, creo que no le pagaron lo suficiente.

“EN VENEZUELA NECESITAMOS MENOS CINEASTAS Y MAS ARTISTAS” ENTREVISTA A GABRIEL VARGAS ZAPATA

2010-11-28T20:33:00.001-04:30

Por José Roversi

Las críticas de cine de Gabriel Vargas Zapata se publican en El Universal, el más antiguo y prestigioso de los periódicos venezolanos y son leídas por miles de lectores a lo largo y ancho del país sudamericano. El joven escritor, que acaba de publicar en España su primer libro de cuentos, "Lo que te voy a contar cuando vuelvas", hace vida en la sureña ciudad de Málaga. Quisimos hablar con él y conocer sus opiniones acerca de varios temas de la actualidad cinematográfica venezolana.

¿De dónde eres originalmente?
Nací y me crié en Puerto La Cruz, estado Anzoátegui, Venezuela.

¿Cómo te vino el interés por el cine?
Desde la primera vez que fui al cine cuando tenía unos 3 ó 4 años. Fui a ver “Blancanieves y los siete enanitos” en el antiguo Teatro Canaima de Puerto La Cruz. Luego, mi tía Ana Isabel se encargó de inculcarme el interés por el cine clásico; así conocí títulos como “Lo que el viento se llevó”, “Doctor Zhivago”, etc. Más tarde, gracias a mi primo Emiliano, empecé a conocer el cine moderno, allí comenzó mi adicción.

¿Cuáles son tus primeros recuerdos del cine nacional?
Hay una película que vi muchas veces cuando era niño. Era una película infantil rodada en Puerto La Cruz y Lechería, trataba de un secuestro y me divertía muchísimo viéndola. He tratado de investigar sobre ella, pero nunca he conseguido nada… es como si no existiera; ni siquiera recuerdo su título. Más tarde, cuando tenía unos 12 años, llegó a mis manos “Desnudo con naranjas”, la que hasta hoy considero mi película venezolana favorita. A partir de allí comencé a investigar sobre el cine venezolano y a ver la mayor cantidad de títulos posibles, incluso he tenido el privilegio de ver las primeras dos películas venezolanas: “Célebre especialista sacando muelas en el Gran Hotel Europa” y “Muchachos bañándose en la laguna de Maracaibo”, estrenadas en 1897.

¿Cómo empezaste a hacer crítica cinematográfica?
Por recomendación de mi tío Raúl Zapata. Cuando empecé a escribir, no sabía sobre qué hacerlo. Él me recomendó que escribiera sobre temas que me apasionaran; el cine es uno de esos temas, así que comencé a hacer pequeñas críticas y a enviárselas por mail a familiares y amigos, luego ellos me respondían con comentarios o preguntas. Poco tiempo después estos mails aparecerían en diferentes periódicos regionales de Venezuela.

¿Escribes sobre cine o haces crítica cinematográfica?
Definitivamente hago crítica cinematográfica. En una crítica cuestionas a la película, la acorralas y sacas de ella lo bueno o lo malo, pero siempre desde un punto de vista muy subjetivo, es decir, implicando tus emociones en lo que escribes. Hablar sobre cine es otra cosa. Cuando hablas de cine puedes referirte a datos de producción, antecedentes de la película, datos de taquilla, etc., siempre desde un punto de vista muy objetivo.

Existe una especie de arquetipo según el cual la crítica de cine debe ser irónica, desagradable. ¿Esto sigue estando vigente o ha sido ya desplazado por un enfoque diferente?
Creo que no es una cuestión de vigencia, sino más bien de estilo; y los estilos, que son muchos, vienen a asociarse al tipo de línea editorial que siga el medio de comunicación en que se publique la crítica. Claro que se pueden decir las mismas cosas con elegancia, sinceridad y ecuanimidad que con un tono grotesco y sensacionalista. Leo muy pocas críticas cinematográficas, pero hay una realidad, y es que hoy en día, gracias a la masificación de los medios de comunicación, cualquier crítica que se escriba puede llegar a ver la luz. Eso puede ser bueno, o puede ser malo, según como se le mire.

¿La gente sigue recurriendo a la opinión de los críticos de cine para hacerse una idea de lo que quiere ver?
Mi percepción es que ahora la gente se fija más en los actores, en el director o en los efectos especiales, a la hora de escoger una película. Yo soy de los que piensa que las críticas deben leerse después de haber visto la película, como una especie de complemento que puede servir, por ejemplo, para formarnos nuestra propia opinión acerca de esa historia. Claro que aún hay quienes consultan las críticas antes de ver la película, lo sé por la interacción que mantengo con mis lectores.

Por la masiva circulación del diario El Universal tus escritos sobre cine son leídos a lo largo y ancho de nuestro país. Debes ser una de las personas más leídas en el apartado de opinión cinematográfica en Venezuela. ¿Qué importancia ha tenido para ti publicar en este medio?
El Universal fue el primer periódico nacional para el cual comencé a escribir. Es visto por la mayoría como uno de los medios de comunicación más importante del país, eso conlleva a pensar que quienes escriban para él, sean también articulistas de gran calidad. Escribir para El Universal es la forma como la gente ha empezado a conocer mi trabajo como escritor, y eso es muy importante para mí.

Cada vez más, usamos Internet para ver los últimos estrenos. ¿Seguirá la gente pagando por ir a las salas de cine?
Sí, pero no por mucho tiempo. Si las productoras y las salas de cine quieren sobrevivir, deberán adecuarse a los nuevos tiempos. Si el “consumo” se comporta de esa manera, hay que orientar el producto de la misma forma. Estoy en total desacuerdo con la piratería, pero es un fenómeno al que hay que prestar atención, por una razón muy simple: las productoras perciben cada vez menos dinero por sus películas, mientras que la piratería se hace cada vez más fuerte, y es una tendencia que se encuentra en crecimiento desde hace algunos años. Si se quiere evitar el colapso de las productoras, están deben luchar enérgicamente contra los corsarios de la red, pero también deben atender las nuevas reglas de la demanda, y deben hacerlo ahora… cuando todavía tienen ventaja sobre sus adversarios.

La tecnología ha propiciado una democratización del mundo del cine. Internet ha permitido una revolución en lo que se refiere a exhibición. Cada día más nuevos autores están produciendo cintas con una total desatención a escuelas y formalismos. ¿Qué opinas de este fenómeno?
José Antonio Abreu señaló alguna vez que en el pasado el arte era una creación de las minorías para las minorías, con el pasar de los años el arte adquirió una nueva dimensión: era creado por minorías, para mayorías. Hoy el arte lo crean las mayorías para las mayorías. Ese es el modelo que define a la red de orquestas juveniles de Venezuela. El mismo fenómeno está comenzando a ocurrir en el cine, y es muy positivo y muy importante que esto ocurra. No cualquier película cambia la historia del cine y se convierte en un clásico con el pasar de los años, pero creo que mientras más personas estén haciendo cine en este momento, independientemente de la calidad de sus producciones, mayor es la probabilidad de que aparezca un nuevo “Ciudadano Kane” o un nuevo “Lawrence de Arabia”. Este sistema de canteras, estimula la competencia y en sí, el sentido artístico: es la manera como el arte comienza a exigirse a sí misma una evolución, un paso hacia el futuro.

El cine venezolano tiene un número respetable de seguidores, sin embargo, sus detractores son mayoría. ¿Por qué?
Porque en Venezuela no se hace buen cine; hay excepciones, pero no hacemos buen cine… Me incluyo en ese número respetable de seguidores. Como venezolano apoyo y apoyaré siempre nuestro cine, pero también soy capaz de reconocer que nuestro cine es aún muy primitivo, carece de madurez, de sentido artístico y de historias más interesantes.

¿Cuáles crees que son las mayores fortaleces y debilidades del cine venezolano?
Como principal fortaleza te diría que contamos con un recurso humano muy valioso, sobre todo en el campo histriónico. En Venezuela tenemos actores y actrices a la altura de cualquier otro país. También es cierto que nos hace falta mejor tecnología, pero no es lo imprescindible, como tampoco lo son los grandes presupuestos (aunque claro que ayudarían muchísimo). Aquí lo importante es el sentido artístico, el arte por el arte, sin ningún pretexto más que el puro estilismo de las imágenes y los sonidos. No se hace cine por hacer cine, se hace cine por la misma razón que se escribe una canción o se pinta un cuadro. En Venezuela necesitamos menos “cineastas” y más artistas.

¿Qué te parecen los documentales que se vienen haciendo en Venezuela? ¿Crees que hay un movimiento documentalista importante en el país?
El último documental venezolano realmente bueno que vi, fue “Tocar y luchar” de Alberto Arvelo y, más recientemente, “Un solo de danza”, un cortometraje documental sobre la danza contemporánea en Caracas. Se acaba de hacer uno también sobre el Salto Ángel que tengo muchas ganas de ver. Aún así, creo que no existe todavía un movimiento documentalista importante en Venezuela, aún son minoría los buenos documentales, y mayoría las propagandas disfrazadas de documentales. Lo importante de todo esto, es que la tendencia va en sentido opuesto… el arte está ganado terreno, poco a poco.

¿Cómo decidiste marcharte a vivir en Europa? ¿Qué te ha aportado esta experiencia?
En primer lugar el deseo de vivir nuevas experiencias y conocer nuevas culturas. El estar aquí me ha aportado una visión del mundo y de la vida totalmente distinto al que tenía antes, aunque cada vez creo más en la idea de que esas nuevas visiones y esa madurez es más producto del hecho de “abandonar el hogar” que del nuevo lugar en el que te encuentres. Lo que más me ha gustado de vivir en Europa, es el haber podido conocer a personas de tan diferentes culturas y nacionalidades.

Muchas gracias Gabriel y mucho éxito con tus proyectos…
Gracias a ustedes…

Crónica del subdesarrollo cinematográfico: Cuando la subestimación va más allá del entorno geopolítico

2010-11-26T04:31:00.002-04:30

Por: Andrea López

“La siguiente crónica es producto de la ficción, cualquier parecido con la realidad es pura coincidencia”

Desde chica, Ariadna se interesó por el cine. Rebelde y aburrida cual “Ifigenia” de Teresa de La Parra, pasó por innúmeras escuelas hasta lograr terminar el bachillerato. El día final de la secundaria significó para ella dos cosas: En primer lugar, la salida -hasta entonces imposible- de centros reclusorios dizque escolares permeados por la copiazón, el caletre y no por la reflexión. Y en segundo, la apertura -¡Al fin!- al mundo anhelado de la formación cinematográfica en un lugar que Buñuel bien pudo haber llamado “Miranda”.

Entró así en un Instituto, entonces importante más por único que por destacado académicamente hablando, subsidiado por el Estado.

Dicho Instituto estaba caracterizado por el desorden, la falta de pénsum, una visión estrictamente autoral y la libertad: copias de grandes clásicos como Einsenstein, grabados con cámara Hi-8 directamente de las proyecciones de la Cinemateca Nacional. Pero la mala copia era lo de menos. Realmente no importaba que la biblioteca, repleta de títulos importantes como “El arte de la escritura dramática” de Lajos Egri ó “El Cine según Hitchcock” de Truffaut, se las comiera la humedad del lugar, ó que el dueño del sitio interrumpiera las pocas clases que daba gracias a los olores a perro muerto que emanaban del jardín cada vez que llovía.

Todos esos “detalles” eran nimiedades al lado de ver clases con personas que realmente amaban al cine (aunque ninguno trabajara en él) y la mística con la cual, junto a otros chicos, Ariadna podía hacer sus cortos.

Más de una vez, tras horas de viaje y esfuerzos de producciones incipientes, los equipos de dicho Instituto carecieron de visor o presentaron alguna falla técnica que conllevaron a la frustración del equipo de producción y actores. El fantasma de la “no culminación” acecharon a la joven que desde entonces debió percibir que esto del Cine en la “República de Miranda” era algo realmente complicado.

Pero cierto impulso sadomasoquista siguió dándole fuerzas para seguir. Pronto, al saber que no había luz al final del túnel, es decir, culminación de un pénsum de estudios en este Instituto que se decía anticapitalista y anti-hollywood pero que no daba su brazo a torcer ante cualquier atraso en sus eternas e infinitas matrículas, Ariadna buscó otras opciones.

Fue entonces cuando cayó en la “Universidad de Miranda”, signada mayoritariamente por la formación teórica un tanto anacrónica del análisis Econiano funcional-estructural. Sin embargo, y más allá de la tarea destinada a críticos, Ariadna percibió esperanzas en sus maestros de realización.

Ahora, en la Universidad de Miranda, tenía cerca a Cineastas reconocidos dentro de ésta República aislada e incipiente, cuyo destino más alentador era el fogueo en telenovelas de Venevisión, tipo “El País de la mujeres”; otros cuyo sustento de vida terminó en la conformación de videoclubes quebrados por la piratería y arrasados por la tragedia de Vargas; otros que hipotecaron sus casas y bienes en la realización de filmes largos, tediosos y pretenciosos mientras daban sus clases mirándose al espejo.

Pero dentro de este panorama, hubo uno, un sólo realizador-maestro que le abrió luces a Ariadna en la República de Miranda. Un cineasta formado en Europa, que había conocido a Fellini y se había forjado en la escuela de Polanski. Un cineasta que un día lluvioso la paró frente a la escuela y le mostró dos camionetas: La primera, bastante nueva y lujosa y la segunda, la de él, vieja y destartalada. Sus palabras frente a los dos automóviles fueron para la joven premonitorias y lapidarias. Señalando la lujosa, dijo: “Esto es trabajar para la TV”; acto seguido, señalando su cacharro destartalado, aseveró: “Esto es trabajar en el cine. Si quieres dedicarte a esto y expresar algo, tienes que salir pronto de aquí”.

Ariadna lo pensó un poco, después de todo esta decadencia e indolencia la había visto antes en aquel Instituto subsidiado sin fin y resultados, pero que mal que bien sobrevivía gracias a los petro-dólares del Estado.

En ese momento, Ariadna ya conocía y apreciaba el cine gracias al conocimiento impartido por sus maestros de historia, gentes bastante eruditas que desayunaban cigarrillos y Cheez wiz (sus sueldos no daban para más); y que más tarde, a la hora de defender su tesis, le recomendaron lo mismo: “Si quieres dedicarte a esto tienes que salir de aquí”.

Y así fue. Ariadna salió de allí a una nueva promesa: La República de Miranda se sublevaba, asomaba la posibilidad de una Revolución audiovisual, prometiendo Potemkim, lenguajes tarkovskianos y Vanguardia cinematográfica con Revolución de Octubre y Abriles incluídos… Gracias a esto pudo foguearse haciendo trabajos de presupuesto mínimo que supuestamente serían exhibidos en TV y, aunque se trataba de propaganda, lo importante fue la práctica que adquirió hasta que la censura tocó su puerta.

Para este momento Ariadna, además de conocer la historia de Einsenstein de cabo a rabo, había visto “Mephisto” de Itsván Szabó y había leído el “Cine de Goebbels”. Tras haberse codeado con muchos Mephistos en la República de Miranda, decidió seguir el consejo y partir a tierras lejanas.

Logró entonces, en tierra Chinameca, vislumbrar un cine de verdad, verdad. Se encontró con que el cine de Miranda no era más que un ejercicio desconocido en otras latitudes y, a pesar de arrepentirse por no haber salido antes, pudo entrar en la escuela de un país que, a diferencia de Miranda no tenía revolución sino todo lo contrario: neoliberalismo puro y duro, economía de mercado; pero que aportaba conocimientos gratuitos por parte del Estado y muchos, pero muchos subsidios y posibilidades. En Chinameca sí que encontró industria: Escuelas que lograban ganancias gracias a su colocación en salas comerciales ó ganadoras en festivales y no de público. Películas subsidiadas de estudiantes que garantizaban compra de equipos y financiamientos para hasta tres películas noveles más. Formación traducida en ganancias, desarrollo y prestigio.

De modo que en la nueva escuela “Chinameca”, Ariadna tuvo maestros ganadores en Cannes, Berlín y otros que hasta ganaron demandas a cineastas imperialistas como Mel Gibson.

En la República Chinameca, Ariadna accedió a copias originales a bajo costo, a la visualización de cinematografías diversas, encontró amigos de la niñez con intuición más precoz que la de ella que ahora ostentaban cargos importantes en Avid, expertos en Sonido Dolby… Accedió también al intercambio con cineastas noveles pero bien colocados, de actitud bastante humilde dispuestos a impartir conocimientos cuyo comportamiento mucho distó de aquellos compatriotas suyos de Miranda, que por hacer fracasos taquilleros como el “Toro de la obscuridad” se creyeron grandes cacaos aunque nadie los conozca (y si alguien se los topa sale corriendo). A Ariadna hasta le dio pena decir que los del “Toro de la Obscuridad” eran sus compatriotas. Pero bueno, pronto entendió que el mundo del cine era y es muy, pero muy difícil y poco democrático. Siempre es mejor callar.

Años después en Chinameca, en una tarde soleada de esa República, Ariadna tuvo la oportunidad de asistir a la asesoría del guión de un chico procedente de la República de Miranda que se midió con más de 500 jóvenes aspirantes en una importante casa de Estudios Cinematográficos en ese país y quedó seleccionado.

El chico, de 19 años apenas, con barba similar a la de Fidel Castro, se declaró revolucionario de Miranda al tiempo que leyó un cortometraje que versaba sobre lo malignos que son los gringos. Sin pudor, el chico de Miranda comentó a nosotros los oyentes su fe en la Revolución de Miranda y reconoció que esa “revolución” que él sigue y admira , cerró las becas hasta entonces existentes en el Centro Nacional Autónomo de Cinematografía de Miranda, que ahora le niegan realizar su corto en las fechas estipuladas por su prestigiosa escuela.

Su ciega desgracia -Él no la ve como tal pues apenas contaba con 8 años de edad cuando se inició la “Revolución” de Miranda y por tanto, es lo único que conoce- se ve aunada por los atrasos que el control de cambios imperante en Miranda impone a su humilde familia provinciana.

Al leer el corto y escuchar sus palabras, Ariadna salió corriendo. Al alejarse, pensó mientras deambulaba por las calles chinamecas: ¿Sabrá este chico que la mejor época de Hollywood estuvo nutrida por migrantes alemanes, rusos, polacos, italianos, austriacos, húngaros? ¿Sabrá este chico quiénes fueron y de dónde provienen Fritz Lang, Hitchcock, John M. Stahl, Duglas Sirk, Coppola, Scorsese, entre otros? ¿Sabrá que fueron los judíos niuyokinos los que defendieron los derechos de los negros en la época de los Black Panters? ¿Sabrá que los trotskistas hallaron seguridad y refugio en los EEUU cuando la persecución y genocidio stalinistas acabaron con la vida de toda su familia y con más de 20 millones de personas? ¿Sabrá él que Bertolt Brecht, de quien dice lo inspiró a la dirección actoral para su corto, terminó en los EEUU durante largas décadas? ¿Sabrá que Kurt Weill también terminó allí?

Montada en un taxi muy barato a pesar de que, a diferencia de Miranda -también país petrolero- en Chinameca la gasolina es muy cara; Ariadna piensa y llega a la conclusión de que el subdesarrollo y el fascismo tropical Mirandino va más allá de las fronteras geográficas enquistándose en las gríngolas del pensamiento.

Ariadna no puede dejar de sentir rabia ante el robo hecho a los ciudadanos de Miranda que pagan impuestos destinados a una formación y cultura cinematográficas que es negada a sus ciudadanos en el mundo, tal como pasa con este chico que sigue rindiéndole culto a los verdugos de su profesión.

Se respeta que en Miranda se estrenen películas buenas: “Hermano”, “Cheila”, “La hora Cero”, pero no puede obviar pensar: ¿Dónde se formaron sus autores? ¿En Miranda ó en otras latitudes?

Se respeta la obra de esos que mientan “Los Rodríguez”, pero reitero: ¿Cuál ha sido su formación? ¿Tiene que ver con la República de Miranda o con los grandes esfuerzos voluntarios, vocacionales e individuales de sus realizadores?

Dejo a ustedes esta reflexión.

Las Caras del Diablo (Malave, 2010)

2010-11-22T01:12:00.010-04:30

El segundo largometraje de Carlos Malave (Por un Polvo) es una experiencia agridulce porque no termina de alcanzar eso que prometía en el trailer. La premisa tampoco era muy original, sin embargo siempre hay una manera de contar la misma historia para hacerla entretenida, emocionante y nueva.

Y ese es el primer, y quizás único problema, que tengo con la película: que la historia ya se ha contado en infinidad de ocasiones y de mejor manera (véase: 8mm, Man on Fire o Taken sólo por citar tres ejemplos recientes y relativamente exitosos que guardan alguna relación temática con la película de Malavé).

Ojo, esto no va en detrimento del esfuerzo de hacer la película de una manera independiente y con un presupuesto ínfimo, en estilo "guerrilla" como muchas veces ha dicho el mismo Malave. Por el contrario, aplaudo que haya una corriente, aún agreste eso si, de hacer otro tipo de cine; de intentar contar historias sin estar bajo el yugo de la financiación estatal.

Pero el problema es que a pesar de que película se rodó siguiendo los lineamientos del estilo de cine guerrilla, al parecer el guión fue redactado de esa misma manera. Y es allí donde veo el mayor punto débil de la película.

Sólo por poner un ejemplo: el personaje que interpreta Jean Paul Leroux, Pedro Ramírez, es un policía que no logró resolver el caso de un secuestro que terminó en el asesinato de la victima, esto lo lleva a convertirse en una persona inestable y con problemas emocionales que afectan su mismo desempeño como policía, su relación con su esposa, etc.

Pero nunca llegamos a ver nada de esto, ni siquiera sugerido. Ramírez es una bomba de tiempo pero nunca percibimos ese peligro realmente. Por eso cuando su hija es secuestrada y luego se descubre un video donde aparentemente es abusada sexualmente las reacciones de Pedro son cuando mucho caricaturescas. Y no creo que el problema sea la actuación de Leroux, el problema es la pobre construcción del personaje.

El otro punto debil de la película es evidentemente el entorno en que se desarrolla. La elección de el formato de video digital, las camaras en mano estilo "documental" y en general ese feel de cine de bajo presupuesto tienen un gran acierto en otorgar casi siempre un sentido de inmediatez y realidad que a veces ni siquiera las películas con alto presupuesto pueden replicar, ese es uno de sus atractivos. Pero en Las Caras del Diablo es un tanto contradictorio, porque esa "realidad" que captura Malave no tiene nada que ver con la realidad de los cuerpos policiales venezolanos.

Yo esperaba que precisamente por ser una producción independiente la visión de los cuerpos de seguridad fuese un poco más crítica, sin llegar al ataque directo. Pero no, se nos pinta una policía donde no hay corruptos ni nada semejante a lo que todos conocemos es el día a día de nuestros cuerpos de seguridad. Entonces, ¿esa omisión es sencillamente un exceso de ingenuidad o una estrategia para quedar bien con Dios y con el Diablo? Creo que eso le resto inmensamente a la película.

Finalmente el tramo final es casi incomprensible con algunos giros de trama mas cercanos a la telenovela que al cine policial propiamente dicho o fueron tratados con tanta torpeza que lo que debería haber sido sorpresivo e impactante, termino siendo risible y poco creíble, como dije antes creo que todo viene del guión.

Y finalmente esta el tema del abuso infantil. Yo se (no con seguridad, pero me lo imagino vamos) que la intención de Malave es que el mayor numero de personas vea su película y por eso podría entender que el tema de la pederastia y el abuso infantil sea un tema delicado para tratar, en cualquier medio no solo en el cine; pero de ahí a tocarlo solo de pasada o no mostrarlo con la honestidad que amerita me pareció bastante triste.

Ojo!, yo no esperaba que la película se regodeara en este tema en particular pero si que dijera algo al respecto. Mencioné antes otras películas con una clara vocación comercial que entre las cosas que hicieron bien fue mostrar esto que digo. Además, en el terreno del cine actual donde hay películas tan valientes como ésta, me parece que a Las Caras del Diablo le faltó algo de esa valentía.

Creo que Por un Polvo (2008) es mejor película que esta, en aquella por lo menos había algo de autenticidad en el personaje también interpretado por Leroux, que imagino fue construido en gran parte por las propias experiencias de Malavé como cineasta. Incluso la puesta en escena de aquella película se veía mejor planificada y los personajes estaban mejor definidos, y que coño! eran mas interesantes.

A pesar de lo negativo que pueda parecer mi apreciación de la película de Malave, creo que como cineasta todavía tiene bastante que mostrar, por lo menos la intención de tratar cosas nuevas está ahí y eso es siempre necesario.

Esperamos entonces por sus otras dos películas: La pura Mentira y el largometraje sobre el periodista de sucesos Heberto Camacho, que si mal no recuerdo se llama "El último Cuerpo".

Y si Carlos Malavé lee esto: Pana lánzate una secuela, por que no retomar la historia de Pedro en Las Caras del Diablo 2.

El Infierno (Estrada, 2010)

2010-11-14T02:49:00.008-04:30

Por Andrea López.

Finalmente llegó a la cartelera mexicana la película El Infierno del cineasta mexicano Luis Estrada. Tal y como era su propósito, el filme se exhibió durante las celebraciones del Bicentenario de la Independencia, en las que el gobierno Panista, bastante impopular por su incapacidad para controlar los altos saldos de violaciones a los DDHH y de ejecutados (aproximadamente 23 mil entre 2008 y 2010); se gastó la cantidad de 250 millones de dólares en propaganda que incluyeron, entre otras actividades, el financiamiento de numerosas películas de corte épico y heroico

Tal y como reseñamos en un post anterior, el filme tuvo por objeto ilustrar la guerra actual de México y llamar a la reflexión de ¿hay algo que celebrar?. Pues bien, el resultado no podía ser otro: En su octava semana, El Infierno alcanzó el récord taquillero de más de 76 millones de pesos mexicanos, es decir, poco más de seis millones de dólares; y ha recibido elogios en importantes medios internacionales como The Guardian, El País, Los Ángeles Times, entre otros; así como de las no menos importantes reseñas en medios mexicanos tales como Milenio y Reforma.

Y es que si bien las dos primeras partes de su trilogía también ofrecieron una reflexión sociopolítica del país; El Infierno es, a nuestro juicio, la tercera y mejor lograda película de Estrada.

El guión tiene como personaje central al Beny, un jornalero mexicano que regresa del “sueño americano” al México del que salió porque estaba mal pero que ahora encuentra peor: Crisis, desempleo, muerte, corrupción, narcotráfico, en fin: Violencia. Y es que, si bien El Infierno no asoma más de lo que puede uno saber a través de la prensa y los medios, el retrato del narco es hiperreal y está narrado con el tono inteligente de la comedia. La eficacia del discurso se hace entonces total, no hay otro modo de acercarse a tan trágica realidad porque el impacto sería insoportable de digerir.

De modo que a lo largo de sus 143 minutos de duración los espectadores nos sumergimos en la experiencia del Beny: Vejado por las autoridades fronterizas, asaltado en el bus que lo hace llegar a su pueblo (ahora llamado San Miguel “Narcángel”) enamorado de la viuda de su hermano (importante cuadro del narco), tío y padrastro de un chico que como todos los de su edad entran en las pandillas y al que intenta (¿en vano?) salvar.

Sin ninguna oportunidad de ganarse la vida dignamente, el Beny empieza a trabajar para el cartel de la familia Reyes en el que rápidamente adquiere dinero, bienes, mujeres y ascenso social. Trabaja con él un antiguo amigo de infancia: “El Cochiloco” magistral y conmovedor personaje interpretado por el destacado actor Joaquín Cosío al que ve morir tras buscar venganza para con su hijo muerto y que desde el principio le advierte: “Me cae que esta vida es el maldito infierno”, “Esto (México) es el Infierno, no chingaderas”.

En el filme no hay nada que quede por fuera ni fuera de lugar: Miseria, aspiraciones, corrupción por parte de la Iglesia, El Estado, los programas de protección a testigos, la policía, el Ejército, los gringos que venden armas y la descomposición instalada en todo el tejido social.

Además de ser una buena película: redondo y amarrado guión hecho a dos manos por el propio Estrada y Jaime Sampietro, excelentes actuaciones, impecable trabajo de producción, dirección, fotografía, sonido, edición, vestuario, dirección de arte hiperreal, musicalización genuina y fidedigna, etcs; El Infierno se erige, a nuestro juicio, en una importante reflexión socio-histórica marcada por un profundo nihilismo respecto a la actualidad y futuro mexiquense.

Llamó mi atención durante la primera función a la que asistí, cómo el público se emocionaba ante la salida del protagonista, a mi parecer un tanto anárquica y extrema: tomar una metralleta y matarlos a todos: políticos, narcos, guardaespaldas, arzobispos, militares y policías; en un festejo patriótico y chovinista que no distingue el ruido de los cohetes con el de las armas. Ese público caracterizado por un nacionalismo fuerte, aplaudía y vitoreaba ahora en la sala la aniquilación de todas sus instancias de representación.

Finalmente Estrada, fiel a sus principios y militancia ha declinado la postulación de su película al Oscar delegándola a Biutiful, filme de su compatriota Alejandro González Iñárritu; y ha preferido postularla a los Goyas. Después de todo y como conclusión personal, creo que el cineasta rechaza concursar ante una instancia que pertenece al principal beneficiario de la guerra “contra” el narco: Los Estados Unidos. Como bien dicen por allí, mientras México pone los muertos, los gringos se llevan la lana.

Sin duda, El Infierno pasará a la historia como una de las películas más importantes del cine mexicano y quien sabe si no del cine latinoamericano. Desde una humilde butaca, le auguramos mucho éxito en los Goyas y desde luego, su pronta salida en BluRay. Definitivamente es una película que hay que tener en casa.

La Trilogía Crepúsculo: enfriando necesidades

2010-11-07T00:46:00.008-04:30

Por: Andreina Gutiérrez

Cualquier referencia mínima a la saga vampírica de Stepenie Meyer, tanto de los libros como de las películas, debe necesariamente llevar el calificativo “fenómeno” en su descripción. Fenómeno editorial, fenómeno de taquilla, fenómeno cultural. Crepúsculo, Luna Nueva y Eclipse se replican a sí mismas en el cine como en el papel. Lo que logran como best-seller lo han logrado como blockbuster. Y aún queda el último capítulo, Amanecer, recientemente publicado y que ha recibido severas críticas de los fans de la saga por ser aparentemente más sangriento que los anteriores capítulos. Lo que podría ser el punto de partida de tanta histeria colectiva sería que en la trama (atención spoiler!) Bella y Edward finalmente consuman su relación y ella queda embarazada. Ya se ha anunciado la producción cinematográfica de esta última parte de la trilogía la cual consistirá en dos películas, la primera de las cuales se estrenaría exactamente en un año.

Aunque se sienta la necesidad de catalogar algo que por sí mismo carece de la suficiente sustancia para ser en realidad un referente cultural, más allá de la publicidad, los subtextos lo son todo. Crepúsculo, en este caso la saga fílmica, está intrínsecamente consustanciada con nuestro tiempo. El miedo es libre y se ha apoderado de los padres quienes paranoicos, no ven cómo proteger a sus hijos de las miserias de un mundo en crisis total.

El primer gancho es la estética, esa fotografía que ciertamente atrapa, las tomas panorámicas de idílicos y a la vez atemorizantes paisajes boscosos de Norteamérica, irónicamente calientan las entrañas de millones de adolescentes congeladas por los vientos polares del renacer conservador post 11 de septiembre. Hay una sencillez avasallante en esas tupidas montañas que dan la sensación de que todo está determinado desde un principio, de que no hay cambio posible; a pesar de que todo se transforma sigue siendo igual.

Bella es la heroína típica de las novelas rosa y además se circunscribe en el “celebritismo” del reality show del star sistem actual: es lo máximo solo por existir, por ser mujer, no porque haga nada más, así el mundo gira a su alrededor, ella es el centro del universo para humanos, vampiros y lobos. En un principio no entiende de qué va tanta atención, ella es un objeto brillante ante los ojos de criaturas simples sumidas en una atmósfera de hastío existencial. El aburrimiento en Forks es tal que la chica nueva de la escuela se convierte en el juguete de todos. Y Bella termina creyéndoselo. Los mundos opuestos se enfrentarán por ella. Ni siquiera es una metáfora, está claro para todos que lo importante es preservar la castidad de Bella.

Una vista superficial a la biografía de Stephenie Meyer explica todos los contrastes que en sus libros muestra como el deber ser. Madre de 3 hijos, mormona, creció entre dos ciudades opuestas, una fría y otra caliente, todo tiende a decirnos que el dualismo es la constante en la vida y que simplemente hay que aceptarlo. Unas pocas escenas de la madre de Bella viviendo en Phoenix, recibiendo el sol y agradeciendo ese baño de vitamina E, con una paleta de colores ocres, marrones y amarillos brillantes, lo corroboran. No está de más, es un guiño. Es apenas una visita de Bella a su madre, no debe quedarse allí donde el calor la obligaría a ropajes ligeros que descubrirían su feminidad. Su lugar es al norte en el frió de la montaña, donde la densidad del bosque, la nieve y los dogmas la cubrirán perfectamente. Luego la tristeza por el alejamiento de la madre será sustituida con una serie de amigos sofisticados, personajes vacíos que aparentan una personalidad cool aderezada con un look ligeramente gótico. Hasta que se encuentra con los Cullen que son el sumun del aburrimiento snob.

Si no fuera por los vampiros y los lobos, los humanos del pequeño pueblito montañoso se suicidarían en masa. No existe resistencia a su presencia. No se trata de coexistir, no es tolerancia, sin ellos simplemente no pasaría nada. En Forks todo es quieto, silencioso, muerto. Y sin embargo los vampiros le dan vida. Esos seres ya muertos, literalmente de hielo, tienen una necesidad de apasionamiento que ninguno de los humanos por más histéricos que sean, muestran. La sensación de finitud pesa demasiado hasta que aparecen las criaturas inmortales que como no chupan sangre, le devuelven el hervor que se supone algún día tuvo.

Las críticas hacia la excesiva descripción literaria de Meyer, ella las opaca con un cameo sonriente en la primera entrega de la saga cinematográfica, como si perteneciera a los lobos, marcando su territorio aunque ese sea el de los textos y no el de las imágenes. Si Stephen King lo ha hecho, por qué ella no. Es el reinado de la feminidad agotada de nuevo cuño, el renacer de un feminismo harto de supermujeres pero aún cauto ante la obviedad de la maternidad. Ojo que Bella no es Lisbeth Salander, más bien es su antítesis necesaria. Si los hombres no amaban a las mujeres, entonces los vampiros y los lobos las amarán!

El casting de actores es otro punto a analizar. Ni una sola cara medianamente importante ni conocida, con la inmensa excepción de Dakota Faning, quien aparece más como actriz invitada. Por lo demás, se trata de sangre nueva, de verdad. El mundo cambió, se acabo hace unos pocos años. Olvídate de Tom Cruise y su Lestat en Entrevista con el Vampiro, eso fue en el siglo pasado. En Forks todo es nuevo aunque en realidad es viejo. La imposición de la novedad, de la juventud, del amateurismo también es una dictadura. Pero ni los adultos ni los ancianos en Forks hacen ninguna resistencia tampoco, no hay tal conflicto generacional. El problema es la misma juventud. Tu enemigo eres tú mismo, no son tus padres. Tus problemas se resuelven convirtiéndote en adulto serio y responsable. Los mayores no se sienten desplazados por los más jóvenes, sólo esperan pacientemente que estos se les unan. Al final Bella caerá más fácilmente ante el influjo del matrimonio que ante las fuerzas sobrenaturales.

Pero antes pagará una novatada soft, representada en la atracción física hacia Jacob el lobo. El imprescindible topless de Taylor Lautner en 2 de las 3 cintas es al menos una concesión que la propia Meyer se permite: el hombre como objeto sexual. Lo que no puede permitirse es que sea anecdótico. Al menos Jacob debe amar a Bella. Lastimosamente Meyer no es tan inteligente. Acude a varios estereotipos del deseo femenino: la musculatura, los rasgos fuertes, la virilidad. Y para colmo es racista. Jacob no solo es un lobo, pertenece a una tribu indígena, que es como explica su contacto con la naturaleza y lo primigenio. Su piel morena no solo contrasta con la blancuzca piel de Edward, sino con la de todos en el pueblito montañoso. Él es el verdaderamente diferente en el grupo, los vampiros hasta que no demuestren que lo son, solo parecen niños ricos aburridos. El aborigen, el primitivo, representa la tentación, le recuerda a nuestra heroína sus propios instintos básicos. Pero Jacob es solo una distracción en el camino hacia la corrección política de Bella, de hecho una sana distracción en tanto sirvan sus poderes lobeznos para protegerla. Así Bella puede tener su pequeña fantasía erótica pero pronto regresará a los brazos del blanquecino y ricachón Edward, con quien no solo deberá cumplir la misión tácita que le encargan los Cullen, sino que lo hará de la manera más políticamente correcta.

En la sala oscura el público adolescente interactúa con la cinta de maneras que recuerdan ligeramente a las antiguas salas XXX, cuando menos los gritos y suspiros ante el ‘descamisado’ lobo, dan cuenta de una doble comprensión del mensaje de las cintas, otros develan con risas su burla ante la prudencia sexual de Bella, sin embargo la corrección política termina por imponerse, el consenso de los fans alrededor del mundo es claro: Bella y Edward esperarán hasta que se casen.

Como si acabarán de descubrir que existen los vampiros y hombres lobo como personajes literarios, una generación se vuelca en masa a adorar no una historia, predecible y poco novedosa, ni unos personajes, vacíos y sin mucho que ofrecer, más bien se rinden ante la idea de una vida tranquila y monótona, la que debería existir una vez se acabe con las fuerzas del mal. En un mundo al borde de la locura, los padres se apresuran a comprar los libros y llevar al cine a sus hijos a mostrarles la promesa de un mundo mejor que ellos mismos deberán construir siguiendo los lineamientos del conservadurismo más anacrónico. En un planeta superpoblado las nuevas generaciones deberían entender que el tener hijos es solo una opción, y las historias de vampiros y lobos ahora parece que son perfectas para explicar los peligros de la procreación no planificada.

LA TELEVISION DEL SIGLO XXI –Reflexiones personales de un proceso creativo-

2010-10-31T12:50:00.002-04:30

Por Sergio Marcano

Hace más de dos años la productora Tango Bravo me pidió escribir un guión documental de la televisión en Venezuela. Este documental formaría parte del proyecto en serie “El hombre y la ciudad” que en ese momento estaba siendo entregado a CONATEL. Hace más o menos 2 meses, Tango Bravo me llamó para rodar finalmente el proyecto.

El guión que escribí hace dos años sobre el tema estaba abiertamente relacionado con la cultura POPular de la televisión nacional. Telenovelas, programas de comedia, revistas de entretenimiento, personajes del show bizz criollo (de los 80, 90 y 00). Una línea temática que aunque aún me resulte interesante, la considero menos relevante –no menos importante- que en aquel momento.

Hay un diálogo en “Videodrome” de David Cronenberg –una película que a muy grosso modo habla de la televisión y de su influencia en la psique humana- que siempre me pareció interesante:

PROF. BRIAN OBLIVION

La batalla por la mente de Norteamérica

será peleada en la arena del video

el videodrome. La pantalla de la

televisión se ha convertido en la

retina del ojo de la mente. Por lo

tanto la pantalla de televisión es

parte de la estructura psíquica del

cerebro. Por lo tanto lo que aparezca

en la pantalla de la televisión, surge

como una experiencia real para aquellos

que lo observan. Por lo tanto la

televisión es realidad y la realidad

es menos que la televisión.

Como muchos sabrán, desde abril del 2002 –la fecha del golpe de Estado al presidente Hugo Rafael Chávez, así como también de su reposición el poder por el pueblo- la televisión venezolana ha sido y continúa siendo, de muchos modos, un campo de batalla en el que coexisten dos (2) ideologías dominantes: Oficialismo y oposición –izquierda y derecha- que pugnan por vender y/o desprestigiar un proceso político.

Asumiendo que el documental es un género complejo, que ímplica un compromiso ético, moral, ideológico, social, e incluso –en algunos casos- teológico y que se relaciona profundamente con la realidad de la que es extraído. Decido replantearme el guión y asumir la realización de un reportaje documental de corte político, quizás con un mayor grado de “compromiso” con nuestra realidad social.

Entonces, me planteo una reflexión colectiva acerca de las líneas editoriales de los canales de televisión nacional, acerca del papel que juega la televisión día tras día en la construcción de la sociedad polarizada en la que vivimos inmersos todos los venezolanos. Del poder que ejerce nuestro presidente desde los medios – implementación de políticas de Estado, nombramiento de Ministros, inauguraciones, expropiaciones, y un gran etc.-; así como también un análisis general de los contenidos producidos por la televisión criolla, los cuales, normalmente son pacatos –moralmente hablando- y poco arriesgados –a niveles temáticos, narrativos y de propuestas visuales-, características que determinan la poca producción televisiva que se realiza hoy en día en el país se haya quedado en la retaguardia estética/narrativa si se le compara con niveles internacionales.

Desde el principio me propongo ser equilibrado al escoger a los entrevistados, esto esencialmente para no caer en parcialidades políticas de ningún tipo. Me planteo entrevistar a representantes del oficialismo, de la oposición y del centro, para discutir los temas más álgidos -políticamente hablando-. Para hablar de la televisión teóricamente como fenómeno social, pienso en teóricos y estudiosos de la comunicación televisiva. Para hablar de la televisión a nivel de contenidos y a nivel creativo me propongo entrevistar a directivos de los canales, directores y productores de planta. Y finalmente para estudiar el impacto de la televisión en los espectadores, me planteo estudiantes de comunicación social de las tres universidades más importantes del país –públicas y privadas-, así como también a espectadores de diferentes zonas y estratos sociales de la ciudad capital. Todo esto con el fin de lograr una eclosión de posturas ideológicas que genere un verdadero debate de ideas.

Presento los cambios de guión, y el nuevo contenido temático que es aprobado por el productor general de la serie, Philippe Toledano. Recluto a un equipo de gente relajada, bajo perfil y buena onda (Aldrina Valenzuela. Producción. Jeissy Trompis. Cámara y Fotografía. Agostino Loreto. Sonido. Andrés Prypchan. Asistencia de Producción y producción de post producción).

Se comienza la preproducción…

Una vez que la productora tiene algunos permisos de las alcaldías, comenzamos a grabar las entrevistas callejeras.

Con cámara en mano visitamos: La Pastora, Catia, Chacao, Petare.

La mayor parte de las personas a quienes nos acercamos en las calles tienen una conciencia socio-política, que no me hubiera imaginado antes de comenzar a grabar. Es un hecho que los años de revolución han hecho madurar a nuestro pueblo a pasos agigantados. Al ser interrogados acerca de la polarización política de los medios, la mayoría de los entrevistados confiesan ante la cámara que están hartos de las pelea y los desencuentros.

La periodista de un canal privado rechaza la entrevista que teníamos planteado hacerle. Vía telefónica alega que la van a perseguir y a convertir su intervención en nuestro audiovisual en parte del escarnio público al que cotidianamente se expone la gente de la oposición –por parte del oficialismo-.

Confiesa además que esta asustada. Que incluso teme por su vida y por la de su familia.

Y yo me pregunto ¿Si los comunicadores se quedan en silencio no traicionan la verdadera esencia de su profesión? No entiendo sus miedos, pero los respeto. Asumo su ausencia en el documental.

A pesar de los años que llevamos en revolución, es un hecho que el ambiente sigue “caldeado”. Esto lo compruebo unos días más adelante, cuando algunos fervientes seguidores y creyentes del chavismo y otros fervientes seguidores y creyentes de la oposición, se alteran frente a las cámaras al preguntarles las razones por las cuales aún todos los venezolanos estamos viviendo los coletazos de una guerra de cuarta generación.

Algunos asumen estar abiertamente en “pie de guerra”. Otros dejan muy claro que nunca habrá espacio para la reconciliación entre dos propuestas de país completamente antagónicas. Yo me mantengo imparcial y escucho con atención lo que expresa cada uno.

A pesar de querer evitar los tópicos, por temor a re descubrir el agua tibia, no puedo evitar la tentación de preguntar a la gente de la calle si piensan que hay libertad de expresión en el país. Un Sr. de 70 años en el boulevard de Catia me dice que si hay libertad de expresión mientras no se hable mal del presidente Chávez. Pero ésta es una respuesta aislada. Casi todos los entrevistados concuerdan que vivimos en un país con plena libertad de expresión. Una productora de televisión nos dice en cámara que la libertad de expresión no existe, que es más bien una ilusión pagada por intereses de actores políticos.

Dejo que las opiniones de quienes entrevisto me invadan.
Escucho. Me propongo como trato conmigo mismo abrir mi cabeza e incluso cuestionar mis posturas ideológicas sobre los temas.

Mientras hacemos una entrevista a un ejecutivo en la avenida San Martín, una señora con una evidente afección mental se nos acerca, se pone en frente de la cámara y nos pregunta si puede declarar en el documental. Yo le digo que por supuesto, y la mando a hablar con la productora mientras termino de entrevistar al ejecutivo. La mujer le pregunta a la productora si tiene que declarar a favor o en contra del proceso del presidente Chávez. Ella le explica que tiene que declarar lo que crea sobre los temas. Decepcionada la mujer decide irse sin dar declaración.

Una periodista de un canal privado nos rechaza la entrevista. Lo mismo sucede con otro periodista del Chavismo. Al parecer estas personas –del grupo de periodistas más representativos del Partido Socialista Unido de Venezuela- necesitan luz verde del mismísimo presidente, para poder emitir algún tipo de opinión fuera de sus respectivos programas televisivos y de las líneas editoriales de los canales para los cuales trabajan –esa es al menos es la teoría de conspiración que nos inventamos dentro del equipo-. No puedo permitir que la balanza política tienda más a una tendencia ideológica que a la otra, ese no es el reportaje documental que me propongo a realizar. Le pido a la productora que insista en contactarlos.

La productora tramita permisos para hacer entrevistas con equipo mínimo, en 3 centros comerciales de la ciudad. En menos de una semana nos niegan uno, dos, los tres permisos. Los centros comerciales alegan en líneas generales lo mismo: No pueden permitir la grabación por temor a ser expropiados.

Cambiamos el plan de rodaje.

Sin scauting previo de producción entramos a un barrio.
Toda la gente es profundamente amable. Atenta. Nos dejan entrar a sus casas. Nos dan agua, café y sus opiniones sobre los temas. Grabamos buena parte de una tarde. Antenas de Tv. Gente viendo televisión.
Al salir del barrio hacemos un encuadre con la cámara para grabar su entrada, dos tipos delgados de unos 30 años se acercan a nosotros y nos amenazan con que si seguimos grabando en el lugar nos van a pegar unos tiros.

El equipo se sobresalta.
Irresponsablemente no paro la grabación. Por unos segundos espero los disparos. En vez de accionar su arma, los antisociales se van.
Terminamos los planos que necesitamos y nos vamos tranquilamente del lugar. Justo como llegamos.
El acontecimiento -que sin duda sobresale de mi cotidianidad- me hace pensar en lo injusto que es que 2 o 3 “outsiders”, sean quienes mantienen en zozobra la vida de tantas personas trabajadoras y apacibles en los barrios citadinos. Una reflexión que seguramente resulta bastante inocente y trillada en esta sociedad violenta como lo es la venezolana.

Intentamos grabar entrevistas en la Universidad Bolivariana –sin pedir permisos, ya que se trata de algo más bien sencillo y con equipo mínimo (como ya lo habíamos hecho en la Universidad Central y en la Universidad Católica)-. Pero unos vigilantes no nos lo permiten. Al preguntarles los porque, nos hablan de un equipo de españoles que pidió permisos para grabar imágenes de la universidad y solo grabo una parte de la infraestructura que esta en reparación, para luego decir que la universidad estaba en obras y que nunca había abierto sus puertas al estudiantado. ???. Que ya estaban hartos de ser difamados y perjudicados.

Hablamos con la gente del departamento audiovisual, les explicamos de qué va nuestro reportaje documental y los permisos para realizar la grabación fluyen rápidamente. Hacemos las entrevistas y los planos de la universidad que necesitamos.

La semana previa a la elección de la Asamblea Nacional el país se paraliza.
El observatorio Cajigal nos niegan los permisos para la grabación de la ciudad de Caracas desde sus instalaciones. Alegan la proximidad de las elecciones en la Asamblea Nacional.
Se activa el plan Republica, los militares salen a las calles.
Al llamar a las alcaldías de diferentes municipios, se nos postergan los permisos de grabación para una semana después de las elecciones.
Y a ultima hora los entrevistados(as) que teníamos pautados(as) le piden también a la productora postergar las entrevistas hasta después de las elecciones.

El equipo de grabación se repliega.
Elección de la Asamblea Nacional.
Una semana después retomamos las grabaciones.

Poco a poco conseguimos las entrevistas pendientes. Los opositores y la gente del centro son abiertamente mas accesibles y fáciles de conseguir que los chavistas. Pero con mucha mano izquierda, valiéndonos de amigos de amigos, contactos de conocidos, y algo de maña, se consiguen buena parte de las entrevistas del oficialismo que teníamos planteadas. Al menos las de los hombres. Todas las partes expresan sus posiciones.

Todas las noches llego a mi casa extrañamente ansioso. Al reflexionar las diferentes posturas que contienen las respuestas de cada uno de los entrevistados, pienso en lo complejo que se ha vuelto este país. En todas las aristas. En la legitimidad de algunas de las razones que motivan y movilizan tanto a un bando como al otro. En las consecuencias, tanto positivas, como negativas, que la confrontación entre la ideología oficialista y la ideología opositora genera en nuestra sociedad tropical. Y finalmente en las responsabilidades éticas que tenemos hoy en día los documentalistas al acercarnos a las realidades que afronten nuestros trabajos audiovisuales.

Escribo estas líneas tratando de encontrar un poco de paz mental. No me imagino si podrán despertar algún tipo de interés en los eventuales lectores de El Cinescopio. Quizás solo trato de entender un poco mejor este país en el que nací y en el que escojo voluntariamente vivir.

Por otro lado no puedo evitar preguntarme si tendre que hacer 2 versiones del documental, una versión light, aprobable por el organismo estatal (CONATEL) –ya que se por experiencia propia que la televisión oficialista no es muy afecta a los revisionismos-, y una versión mas agridulce –una especie de corte del director-, que hable sin tapujos de los lados verdaderamente polémicos y espinosos de los temas tratados. Todos en el equipo me dicen que no me censure. Que haga una sola versión.

Poco a poco terminamos las entrevistas pautadas, también los exteriores. Finalizamos la producción.
La post producción es inminente.

A ver que sale de todo esto…

Historias de la Urbe: Conoce a los directores

2010-10-30T18:01:00.001-04:30

Año Bisiesto (Rowe, 2010)

2010-10-24T21:07:00.004-04:30

Después de haber ganado la Ópera prima en Cannes este año y haber sido exhibida en festivales como Toronto, al fin ha llegado a las salas mexicanas el polémico filme “Año Bisiesto”, del australiano nacionalizado mexicano Michael Rowe.

Tal y como había reseñado hace unos meses en este blog me hice grandes expectativas respecto a la película. Hoy me gustaría compartir mi mal sabor.

En primer lugar, es justo decir que el filme tiene varios puntos a favor: está rodada enteramente en una sola locación, no posee ni un solo movimiento de cámara, los actores no son conocidos, son muy pocos, su trabajo de dirección es excelente y el discurso en general mantiene nuestra atención todo el tiempo gracias a un muy buen trabajo de guión.

A través de los recursos propios de la soledad: el uso del teléfono, de la computadora y la televisión; nos enteramos de cómo va la vida de Laura, una joven oaxaqueña que vive en el DF, que come comida trash y que inventa su propia historia de vida: Le dice a su mamá que come lo que no come, que tiene visitas de amigos que no existen, le inventa a su jefe que tiene otros trabajos cuando es despedida, etc. En resumidas cuentas, diremos que desde el inicio el personaje se descubre mitómano, wannabe y alienado. También gracias al teléfono sabemos que su padre ha muerto e intuimos una relación conflictiva con la madre.

El sentimiento de soledad del personaje también se refuerza y refleja, como en todo buen guión, a través de su entorno: desde su ventana, Laura ve a una pareja que termina separándose y a otra pareja de ancianos que toman un café juntos y que más tarde, sólo toma uno.

Laura, que lleva esporádicamente a hombres a su casa para tener sexo, conoce a Arturo y entabla con él una relación sadomasoquista. A partir de aquí, debo decir, la película sí se hace un poco más predecible pues Laura desea cada vez más maltrato, lo que hace suponer que el sádico la dejará. Como todos sabemos a los sádicos les gusta que sus víctimas sufran no que se complazcan.

De modo que cuando su antiguo jefe la llama para reengancharla en el trabajo y ella le comenta que no puede aceptar porque “Se irá para Suiza gracias a un diplomático amigo de su madre”, uno ya intuye que Laura se quiere matar. Es especialmente cruel que esta joven indígena ponga como excusa y anhelo irse a Suiza, referencia blanquita y cuna capitalista.

Es así como en el último encuentro sexual con Arturo, Laura le cuenta su plan para llevarlo a cabo. Y justo en esta escena es que, como mujer que vive en un país donde el maltrato a la mujer y el feminicidio es un problema de emergencia (unas quince mil féminas asesinadas y torturadas en diez años) la película se me hace poco ética y un tanto apologética del fenómeno genocida: Mientras Laura masturba a Arturo, le muestra un cuchillo que va pasando por su cuerpo y le dice cosas del tipo: “Imagínate que me estás abriendo la garganta, imagínate que estás abriéndome los pechos, Imagínate que terminas dentro de mí mientras me estoy muriendo”. Esta última frase seguro sería repetida hasta el cansancio por cualquiera de los asesinos de Juárez o de los feminicidas de otros estados de esta república. De modo que “Año Bisiesto” incurre, para algunas espectadoras, en una aberración difícil de tragar: son las mujeres pobres, indígenas, solas y jodidas las que anhelan que las descuarticen y maten.

Si bien la película no toca el tema misógino asesino de México, el hecho de que sea hecha aquí no puede dejar de remitirnos a esta realidad.

El que “Año Bisiesto” y no otra película mexicana haya ganado en Cannes, vuelve a hacernos reflexionar acerca de la necesidad que los europeos tienen de premiar todo aquel discurso que recalque lo jodidos que estamos en el tercer mundo y por tanto, mantenga su status quo de países benéficos, civilizados y desarrollados. No estoy en desacuerdo en mostrar o premiar la miseria siempre y cuando halla una condena de ese estado de cosas (Gaviria, Reygadas, Estrada, Babenco, Trapero). En la película de Rowe siento que no hay una condena sino una legitimación.

En cuanto a lo formal, la película también es bastante pornográfica y me pregunto: ¿No es la pornografía un discurso alejado del lenguaje cinematográfico en tanto su carácter explícito y poco sugerido? En “Año bisiesto” todo está demasiado mostrado y por tanto banalizado. Hay planos que se me hacen ofensivos con la actriz: la escena de la meada en vivo acaso ¿no pudo haber sido trucada? ¿había necesidad de violentar a una actriz de esta manera?

A modo de conclusión, se me hace muy loable que “Año Bisiesto” sea una película bien construida y lograda desde el punto de vista del guión, la actuación y la dirección; pero siento que éticamente deja mucho que desear.

Pienso en películas similares que tienen como protagonistas a seres alienados, como “Tony Manero” de Larraín quien, a pesar de que es también un ser repulsivo víctima y victimario; no noto en él los visos de auto-racismo que percibo en el filme de Rowe. Además al menos Tony Manero hace una cosa bien: Imitar a Tony Manero. Laura en cambio representa la degradación en el sentido más puro y completo.

Pero bueno, no tengo la última palabra, dejo a ustedes esta reseña con la finalidad de llamarnos a una reflexión.

La Balada del Pistolero: La música de Robert Rodríguez (II)

2010-09-21T20:42:00.001-04:30

Si bien Robert Rodríguez es conocido por ser la primera, y a veces única, fuerza creativa detrás de cada proyecto, la otra parte de su filmografía se ha logrado en parte gracias a la colaboración con Quentin Tarantino.

Dicha colaboración (y amistad) comenzó cuando ambos coincidieron en el Sundance Film Festival en 1992, cada uno con su respectiva ópera prima. Sin embargo no fue hasta 1995, luego de que ambos hubiesen completados su segunda película, Pulp Fiction (1994) y Desperado (1995) que trabajaron en conjunto por primera vez.

Dicho trabajo es el film Four Rooms, una antología conformada por 4 historias escritas y dirigidas por ellos junto a otros dos directores: Allison Anders y Alexandre Rockwell.

El resultado de Four Rooms es cuando mucho una curiosidad; como conjunto la película no parece funcionar pero al separar cada una de las historias es Robert Rodriguez quien sale mejor parado. Su segmento "The Misbehavers" es de lejos el mas divertido y entretenido del conjunto, por su parte Tarantino dirige The Man from Hollywood con su estilo particular pero lo corto de la duración lo hace ver algo apresurado y torpemente desarrollado. Creo que a Tarantino no le van las cortas distancias como se verá luego en Grindhouse (2007)

Four Rooms: The Misbehavers Suite - Vertigogo (Tema Principal de Four Rooms) - Mariachi - Antes de Medianoche - Los niños ven T.V. - Champaña y Agujas [de la banda sonora de Four Rooms, escrita e interpretada por Combustible Edison]

En cambio Rodríguez dirige y escribe su segmento con la misma chispa que se verá en cada una de sus películas posteriores a mayor o menor grado. Además, es de este segmento que Rodríguez desarrollará su posterior serie de películas dirigidas principalmente al público infantil: Spy Kids.

Una de las cosas que si le otorga algo de cohesión a la película es la música que está compuesta en su totalidad por el grupo Combustible Edison, que convenientemente hacen música lounge, así que la totalidad de su score suena a lo que suena la música que a veces pueden escucharse en los ascensores de los hoteles. En ese sentido creo incluso que es lo más acertado de la película.

Parte 2 - Quentin y Yo: From Dusk Till Dawn, Kill Bill Vol.2 y Grindhouse

Four Rooms fue la primera película en que Robert Rodriguez y Quentin Tarantino trabajaron juntos ejerciendo como directores y escritores, aunque ya Tarantino había aparecido en un cameo en Desperado, pero la experiencia de Four Rooms los vio trabajando por separado.

Es con From Dusk Till Dawn (1996) que la dupla trabaja realmente hombro a hombro. Tarantino escribiendo el guión, basado en una historia de Robert Kurtzman, actuando en uno de los papeles principales y Robert Rodríguez dirigiendo. Además de iniciar una especie de mecenazgo con Dimension Films, uno de los brazos de Miramax Films, productora de los Hermanos Weinstein, que se encargará de producir o a veces distribuir películas de género, especialmente terror. Bajo Dimension Films, Robert Rodríguez hará prácticamente todas sus películas siguientes pero a partir de Spy Kids sólo la usará como distribuidora. Un dato curioso: Otro director importante de la última década, Guillermo del Toro, dirigió su segunda película (primera en EEUU) Mimic, bajo el sello de Dimension, película en la cual Robert Rodríguez dirigió la segunda unidad.

"Everybody Be Cool" - Dark Night [de la banda sonora de From Dusk Till Dawn, escrita por Dave Alvin e interpretada por The Blasters. Dialogo: George Clooney]

No se hasta que punto Tarantino (y luego Rodriguez) respetó el tratamiento original de Robert Kurtzman, primero por la estructura del guión y las referencias son tan evidentemente tarantinescas que casi casi parece que Tarantino hubiese originado el guión desde cero. La primera parte de la película tiene muchas reminiscencias a sus guiones de Natural Born Killers (1994) y True Romance (1993) pero es en la segunda parte donde la película se convierte en puro Robert Rodríguez.

Porque por muchas sensibilidades similares que parezcan compartir los dos, cuando se observa con mucho más cuidado se observan diferencias particulares, diferencias que se harán más evidentes en Grindhouse.

La segunda parte de la película es prueba de ello, una mezcla que hace referencias al cine de terror de bajo presupuesto hecho en México en la década de los 70, al cine de la productora británica Hammer, etc. Sin embargo ese cambio de tonalidad de el road-movie a lo Natural Born Killers a los vampiros mexicanos es lo que termina dividiendo a la gente. Yo, obviamente fanático, creo que funciona, incluso lo veo como un paralelismo a lo que es la experiencia televisiva de ese momento. Es como ver una película en cable, que va bien, pero por cuestiones de humor o aburrimiento, le cambias al canal y terminas viendo otra cosa que también te gusta.

Angry Cockroaches / After Dark [de la banda sonora de From Dusk Till Dawn, escrita por Tito Larriva e interpretada por Tito & Tarantula]

From Dusk Till Dawn fue el primer papel protagónico de George Clooney, quien venía de la serie E.R. quien aparecería en las películas de Spy Kids posteriormente. Igualmente volvemos a ver caras familiares en el cine de Rodríguez como Salma Hayek y Danny Trejo. Igualmente comienza la colaboración con KNB EFX Group (Gregory Nicotero, Howard Berger y Robert Kurtzman) expertos en maquillaje quienes ya habína trabajdo con Tarantino en Pulp Fiction y tambien son los responsables de efectos de maquillaje en una cantidad inmensa de películas.

Musicalmente hablando la película, como cabe esperar, es una mezcla inaudita con una predominancia por el rock y el blues de origen tejano. Artistas como ZZ Top, Stevie Ray Vaughan y Jimmie Vaughan. Y por supuesto repitiendo y agregando el sabor Tex-mex están Tito & Tarantula que contribuyen con varias canciones, siendo After Dark la más memorable por acompañar la escena de baile de una Salma Hayek impresionante.

From Dusk TIll Dawn Suite: Aquí Vamos - La Cena está Servida - Los Muertos se levantan - Duelo a la mexicana - Amor de Hermanos - El ataque de Sex Machine - Murcielagos - Cazadores de Vampiros [de la banda sonora de From Dusk Till Dawn, escrita por Graeme Revell]

Y esta es también la primera vez que una película de Robert Rodriguez cuenta con un score más tradicional, el encargado del mismo fue el compositor neozelandés, Graeme Revell quien aparte de ser uno de los fundadores de la banda pionera de música industrial SPK, también es representante de la nueva escuela de música de cine de la que también forman parte Danny Elfman, Hans Zimmer, etc. Ravell ha trabajado para infinidad de directores en una diversidad de géneros. Uno de sus mejores trabajos, y uno de los más recordados, es para la película The Crow (1994) de Alex Proyas.

Revell se convertiría más tarde en uno de los colaboradores habituales de Rodriguez, muchas veces compartiendo con este las labores de músico.

El score de Revell esta basado en voces disonantes que evocan la naturaleza diabólica de los vampiros, sin embargo y como una novedad la música carece de las texturas electrónicas por las que realmente es conocido Revell, es por eso que el resultado final es una música bastante convencional dentro del genero del terror.

Hasta ahora las tareas de músico que ha desempeñado Robert Rodríguez han sido única y exclusivamente en las películas que ha dirigido, con la notable excepción de su participación en la banda sonora de la segunda parte de Kill Bill de su socio y amigo Tarantino.

Kill Bill Vol.2 Suite: El Solitario Trailer de Budd - El Duro Entrenamiento de Pai Mei - ¿Me veo bonita? - Pasos de Furia [de la banda sonora de Kill Bill Vol.2, escrita por Robert Rodriguez]

Tarantino es conocido por poblar sus películas de música sacada de otras películas y de canciones oscuras y poco conocidas. Sin embargo la segunda parte de su oda al cine de kung fu tiene la particularidad de tener música original compuesta por Rodríguez, música que incluye una versión de una canción tradicional mexicana con un toque rock chicano cortesía de la banda Chingon, de la que Rodríguez forma parte como guitarrista.

Malagueña Salerosa [de la banda sonora de Kill Bill Vol.2, autoría atribuida a Elpidio Ramírez y Pedro Galindo, versión por Robert Rodriguez]

Grindhouse (2007) viene a reunir a Robert Rodríguez y Quentin Tarantino nuevamente en lo que será un proyecto que guarda una cercana relación con From Dusk TIll Dawn, especialmente si se considera la intención profesa de los dos directores de homenajear ese cine de muy bajo presupuesto que tuvo su apogeo durante los años 70, donde lo más destacado de las películas era su violencia gratuita, sus escenas de sexo y lo imposible de sus argumentos.

Pero más que al tipo de películas que se cobijan bajo esa etiqueta del 'grindhouse' los directores quisieron homenajear a la experiencia misma de ir a esos cines de barrio donde por una muy barata entrada podía disfrutar de dos películas imposibles.

La experiencia incluye además la presentación de los trailers, típicos en estas funciones dobles, para películas que en su momento no existían, digo en su momento porque el trailer de 'Machete' finalmente se convirtió en una película que terminó dirigiendo Robert Rodríguez y que se estrenó este año.

El resto de los trailers fueron dirigidos por los no menos interesantes: Rob Zombie, con su 'Werewolf Women of the SS" una endiablada carta de amor al cine de naziexploitation y al euro trash más duro y puro con referencias claras y descaradas a directores como Jess Franco y Joe D'Amato; Eli Roth por su parte se sacó de la manga 'Thanksgiving', un slasher sobre un asesino que ataca en el día de Acción de Gracias que no es otra cosa que un intento de emular a esas películas de la edad de oro del slasher americano de la que Halloween de John Carpenter es la reina absoluta, sin embargo el trailer de Roth juega más con un imaginario cercano a los clones de Halloween y a otras películas menos conocidas, me recordó a películas como Black Christmas (1974) de Bob Clark y Silent Night, Deadly Night (1984) de Charles E. Sellier Jr. Por último está el trailer de Edgar Wright, 'Don't' claro tributo al cine británico de horror representado, particularmente, por los estudios Hammer.

En cuanto a las atracciones principales tenemos a Robert Rodríguez con su Planet Terror que es una mezcla entre Escape de Nueva York (1981) de John Carpenter, y la larga cadena de clones italianos que le siguieron, así como el cine zombie de Romero y sus secuelas oficiales y 'no oficiales' [Return of the Living Dead (1985), de Dan O'Bannon].

Por su parte Tarantino y su Death Proof intenta ser otra entrada en el género slasher. Digo intenta porque finalmente el segmento de Tarantino es el más dificil de digerir y no porque sea malo, de hecho mientras más lo ves más cosas descubres. El problema, para mi, es que existe una desconexión entre los dos segmentos, sobre todo en la aparente intencionalidad.

You Belong To Me [de la banda sonora de Planet Terror, escrita por Pee Wee King, Chilton Price y Redd Stewart e interpretada por Rose McGowan]

Mientras Robert Rodríguez homenajea todo el cine que le gusta y se divierte en el intento, la película es imposible de tomar en serio y quizás ese sea su encanto, el segmento de Tarantino comienza de la misma manera pero a medida que avanza se va "enseriando" inexplicablemente. Incluso en el aspecto visual la película es totalmente distinta a la de Rodríguez, quien se las ingenió para emular incluso el aspecto roído y desgastado de las películas grindhouse, producto del descuido en cuanto a su conservación y resultado de las multiples veces que la película se proyectó de cine a cine, cosa totalmente normal con ese tipo de películas en esa época. La película de Tarantino comienza también emulando a un celuloide dañado por el tiempo pero al final la película es un intento serio y sincero de sencillamente hacer una película de tipo grindhouse y no sencillamente parodiarlo u homenajearlo. Quizás por eso la película pasó como un intento irregular por parte de Tarantino.

En cambio Robert Rodríguez demuestra que ha mejorado tanto como director como en la parte de la escritura de guiones, increíblemente y exceptuando su adaptación de Sin City la novela gráfica de Frank Miller, Planet Terror es el guión más redondo de Rodríguez. A pesar de que sigue teniendo esas características propias de sus anteriores guiones (como la cantidad exagerada de personajes) en este Rodríguez se las arregla para darle a cada una de sus subtramas un comienzo y final satisfactorio.

Planet Terror Suite: Creditos - Doc Block - Me Perteneces - Baila Baila Llora Llora - Talento Inútil #32 - Su Receta...el Dolor - Cherry Darling - Asalto en la Comisaria - De 0 a 50 en 4 [Musica compuesta por Robert Rodriguez y Graeme Revell]

Pero donde creo que finalmente Rodríguez se luce es en el apartado musical. En un principio Rodríguez quería que el mismísimo John Carpenter compusiera la música de Planet Terror, algo totalmente lógico dado lo mucho que le debe la película al cine de acción de Carpenter, pero al mismo tiempo parecía algo innecesario, porque una de las cosas que ha caracterizado precisamente a Rodríguez es su independencia, así que confiarle la música a Carpenter por muy lógico no parecía práctico, finalmente Carpenter paso de hacer la música, y Rodríguez terminó por componer el mismo la música.

Pero no lo hizo solo, si bien el corazón temático de Planet Terror es totalmente autoría de Rodríguez algunas composiciones contaron con la mano del ya regular del director, Graeme Revell. El resultado es de lejos una de las mejores bandas sonoras de Rodríguez quien a la vez se la ingenió para que sonara precisamente a ese Carpenter de Escape From New York, pero con alma propia.

Entre los ya carácterísticos sonidos de rock chicano (Chingón también contribuye a la música) podemos escuchar texturas electrónicas que parecen sacadas de cualquier película de ciencia ficción de bajo presupuesto de los años 80. Es una cuestión de escuchar para creer (y disfrutar) porque además de ejecutar su típico sonido Rodríguez se aventura a probar nuevos estilos como el blues. De igual manera varios de los protagonistas de la película participan de una u otra forma en la banda sonora, con especial mención de Rose McGowan quien canta algunos temas dedicados a su personaje, la ya mítica Cherry Darling.

El Baile Mortal de Cherry Darling [Musica compuesta por Robert Rodriguez e interpretada por Chingon]

En la próxima parte: Una(s) para niños, Frank Miller y esos maestros.

Al otro Lado: Cine de Terror Venezolano

2010-09-21T20:36:00.006-04:30

Hace muchos años pasé por el pueblo petrolero Anaco, ubicado en el estado Anzoátegui. En aquel momento se me hizo, como todas nuestras localidades petroleras, un lugar muy rudimentario y primitivo, lleno de una pobreza que daba al traste con la riqueza que implica la explotación minera.

Hoy, gracias a la maravilla tecnológica que significan las redes sociales y el Internet, he descubierto otra riqueza: “Al Otro Lado” ópera prima de Luis Antonio Cerasa, junto a un equipo oriundo del lugar.

Según destaca en su blog Luis Cerasa, Al Otro Lado narra la historia de: “Un grupo de chicos quienes coinciden en sus incontrolables locuras juveniles, se proponen hacer una fiesta aprovechando el final de sus estudios de secundaria en una casa desocupada que está en venta desde hace algún tiempo por la extraña desaparición de sus dueños.

Desde hace diez años la policía no han tenido información del paradero de los dueños de la casa, la señora de servicio y su hija. La prensa sigue presionando y las autoridades designan a un especialista en investigaciones especiales para resolver el caso, el inspector jefe Víctor Rodríguez. El nuevo jefe reúne a un grupo de oficiales con el claro objetivo de resolver el caso.

El alcohol y los celos hacen estragos en la fiesta juvenil y algunos de los chicos entran en la casa en busca de intimidad para resolver las diferencias sin pensar que su osadía se convertirá en una pesadilla al abrirse dentro de la vieja mansión una conexión con otra dimensión de existencia desconocida. Ahora deberán superar el umbral de la razón y emprender una verdadera lucha por sobrevivir”.

Para el autor, el filme persigue la socialización del cine en pro de una realización que pertenezca no sólo al director y/o productor, sino también a su público y al gran colectivo que lo hace posible.

En lo personal me ha impresionado gratamente el trailer, impregnado de realismo y suspenso. Aquí se los dejo para que lo disfruten:

Ficha técnica:

Producción y Dirección general: Luis Antonio Cerasa, Director de Arte: Enio Velásquez, Director de Fotografía: Carlos Pedras, Maquillaje: Walter Sotomayor y Karla Verdi, Efectos especiales de Maquillaje: Samuel Cochrane, Erick Cochrane y Karla Verdi. Efectos especiales digitales: Roberto Mardini, Alvari Quiaro y Eduardo Medrano. Productor Musical: Unai J. B. Uriarte, Guión Original: Luis Antonio Cerasa, Adaptación del Guión: Ronald Rodríguez.

Jefe de Producción: Héctor Carrasco. Productoras: Vanessa Labarca, y María Teresa Uriarte. Productores de campo: Ariana Hernández, Leoher Luis Hernández, Juan Ramos. Logística: Cristian Ramos, Asistente de Producción: Yuneibys Moreno, Francisco Osuna y Marly Carrasco. Vzla, 2010.

Crítica a Inception

2010-09-13T23:48:00.011-04:30

Por: Andreina Gutiérrez

La esperada nueva cinta de Christopher Nolan, Inception, protagonizada por Leonardo Di Caprio, cumple su cometido y las expectativas que de ella se tenían hasta cierto punto. Es lo mejor que se ha visto este año en la cartelera pero es porque sabemos que hay una merma significativa en la calidad de cintas que nos llegan, la culpa no es únicamente de los guionistas y directores, hay un declive generalizado en las grandes cinematografías mundiales, que en este caso se manifiesta con la magnitud de una película compleja en su trama y aséptica en su estética.

Inception se sitúa en una sola esquina de lo que serían miles y millones de aristas posibles de interpretación de los sueños, algo que no solo es individual en cada cabeza sino que tiene distintas representaciones dentro de una misma mente. Parece intentar alejarse precisamente de la preconcepción acerca de cómo representar la imaginería de los sueños. Comparada por ejemplo con The Cell, Inception se halla en la margen opuesta al planteamiento estético de esta cinta dirigida por Tarsen Singh y protagonizada por Jennifer López, en la que también se intenta manipular los sueños de una persona para sacarle alguna clase de información que se encontraría en su subconsciente, y en la cual el barroquismo de las escenas oníricas, las locaciones y vestuario, opacan la historia que termina siendo una excusa para que JLo exhiba exóticos y rebuscados trajes y peinados. En Inception la pulcritud y el minimalismo se imponen para presentar unos escenarios oníricos exentos de detalles típicos de ensoñaciones, la improbabilidad lógica está calculada milimétricamente en cada sueño, no hay cabos sueltos a menos que sean parte preponderante de la trama, lo que de por sí destruye la idea de que los sueños son espacios incontrolables donde todo puede ocurrir.

Partiendo de allí Nolan quiere conducirnos a un mundo de sueños que sería válido si solo perteneciera a una persona, sin embargo intenta imponer una única construcción onírica que en si misma desdice el planteamiento general de la historia. La idea de crear un mundo donde puedes doblar la ciudad de Paris (la escena más impactante) se pierde en la rigidez existente en los siguientes niveles de ensueño. En algún punto el espectador entiende que Nolan intenta distraerlo con trucos de magia, es chévere si, pero la profundidad temática es un océano de 10 centímetros de grosor. La enumeración de conceptos filosóficos, metafísicos, sicológicos, sociológicos no se decanta nunca, todo queda en la superficie anclándose a una historia para colmo demasiado simplista y conservadora. La motivación de Di Caprio es tan común como el resultado, el devenir de los acontecimientos es un engranaje de situaciones que ya fueron contadas, hay pocos momentos sorprendentes, pero se mantiene en vilo al espectador con las peripecias sicológicas. Quizás se extiende demasiado, pero depende de la clase de espectador, en realidad se logra mantener la atención durante las más de dos horas que dura el filme, un punto a favor de Nolan dada la truculencia de la trama. En el fondo se abusa de la emocionalidad del público, hay poca descripción de la tecnología pertinente para los viajes oníricos y todo queda en un acuerdo tácito de comprensión de lo que sucede. Pero tiene sentido, así son los sueños, no hay explicación, simplemente lo experimentas.

Si uno se fija bien en el casting encuentra algunos pesos muertos que ya se antojan muy consentidos para Nolan. Repiten juntos Cillian Murphy y Michael Caine luego de participar con Nolan en la última entrega de Batman, El Caballero de la Noche, el primero no convence en su papel de víctima, el segundo solo está por respeto a su trayectoria. Joseph-Gordon Levitt es el único tomándose en serio el papel y disfrutándolo realmente, no así Di Caprio que sólo es la gran estrella y por tanto debe lucirse exageradamente. Mención aparte merecen las dos únicas mujeres protagonistas, Marion Cotillard quien luego de ganarse un Oscar por su interpretación de la Piaf, es tratada en Hollywood como una cara bonita, el arquetipo de la maldad por su encanto sexual, detonante de los tropiezos en la trama. Y Ellen Page es aún peor tratada, su figuración se reduce a ser el chismógrafo oficial de la historia, molesta y totalmente banal su presencia. Si Nolan es misógino eso no nos compete aquí analizarlo pero tendrá que ser más inteligente al respecto la próxima vez.

Lo realmente transgresor y que lamentablemente no se aborda más largamente en Inception es la idea de plantar una idea (valga la maravillosa redundancia!) en la mente de las personas. Hay conceptos políticos que a Hollywood le gusta soltar como inocentemente y dejar por su cuenta en las películas sin darles más vueltas, que sea el espectador el que se devane los sesos sacándole punta.

En general convence si a uno le gusta la mezcla de melodrama con ciencia ficción fashion. Hay tantas referencias a otras cintas que se entiende que el paquete en general sea tan pretencioso apartándose de lo que ya se ha dicho en el rubro de la interpretación de sueños y/o realidades paralelas. Cualquiera de los cortos de Animatrix tiene más profundidad filosófica, aquí se trata de una enésima visión y Nolan dice: tómelo o déjelo.

La Balada del Pistolero: La música de Robert Rodríguez (I)

2010-09-06T22:35:00.041-04:30

Ya es legendaria la historia de como Robert Rodríguez se sometió, cual conejillo de indias, a varias pruebas farmacéuticas para seguir financiando lo que se convertiría en su ópera prima: El Mariachi.

Fuera de todo el glamour que se desprende de esa historia (explicada en detalle en este libro) desde ese entonces Robert Rodríguez sentó un precedente para el mismo y para todos aquellos que hemos pensado alguna vez embarcarnos en hacer una película. Y esa es la filosofía de "hágalo ud. mismo".

Y si bien es cierto que esta filosofía del "cineasta todero" no siempre lleva a los mejores resultados,lo que si no se puede negar es que de esta manera lo más probable es que terminemos con algo que es innegablemente nuestro, para mal o para bien. Con nuestra firma, con nuestro sello bastante personal, independientemente de nuestras influencias u objetivos a alcanzar.

Digo todo esto en un principio porque eso es precisamente lo más sobresaliente en el cine de Robert Rodriguez, no siempre es bonito, pero por donde se mire es indudablemente el. Y aunque muchos no comparten esto, si creo que Rodríguez, como pocos actualmente, es un cineasta verdaderamente idiosincrático incluso en aquellos proyectos que no originó pero que al ver el resultado final no podemos evitar reconocer los rasgos típicos de su cine y en menor medida de su personalidad.

Tema del Mariachi [de la banda sonora de El Mariachi, escrito e interpretado por Alvaro Rodriguez y Robert Rodriguez]

Una de las cosas en las que se pueden rastrear esos rasgos característicos de Rodríguez en la música de sus películas. Cada uno de los soundtracks de los trabajos de Rodríguez son una amalgama imposible de corrientes musicales, a veces dispares y a veces sorprendentemente coherentes. Esto último lo equipara con otro cineasta con el que ha trabajado en conjunto y que también, innegablemente, es bastante particular con sus elecciones musicales, que no es otro que Quentin Tarantino.

Es por eso veremos en las películas de Rodríguez una repetición de escenarios, temas, personajes, actores, etc. Y en el caso de la música veremos como usa a ciertos artistas en mas de una ocasión y como terminará el mismo ¡componiendo su propia música!

Para no repetirme, esta vez no iré en orden cronológico sobre las películas (y música) de Robert Rodríguez sino bajo un criterio de lo personal y/o impersonal del trabajo del mismo.

Parte 1 - Fideo del Oeste: El Mariachi, Desperado y Once Upon a Time in Mexico

La quintaesencia del cine de Rodriguez tiene que ser indudablemente su trilogía del Mariachi, el personaje y las películas son a grosso modo una proyección del mismo Rodríguez. Esa mezcla de spaguetti western con cine de acción hongkonés no es más que un espejo de la propia naturaleza del director nacido en EEUU de una familia de inmigrantes mexicanos que se residenciaron en Texas. Esa visión pluricultural de Rodríguez se hace presentes en todas y cada una de las películas.

Pero en el caso de la trilogía del Mariachi es mas evidente una vez las separamos, en cada una de ellas siempre habrá un rasgo que prodomina sobre los otros. Por eso creo que la más personal será la primera: El Mariachi (1992) es la más "mexicana" de todas. La película filmada en la localidad de Ciudad Acuña (en plena frontera con EEUU) no sólo es la semilla temática del cine de Robert Rodríguez sino también el nacimiento de su enfoque hacia el arte de hacer el películas. Fue aquí donde nació el "hágalo ud mismo" o como el propio Rodríguez define el "Mariachi-style of filmmaking"

La película fue rodada en un principio para ser distribuida en el mercado mexicano de video casero pero luego algunos ejecutivos de la Columbia Pictures vieron el resultado y les gustó por lo que decidieron comprar los derechos de distribución y al mismo tiempo invertir 1 millón de dolares en post-producción y publicidad.

La historia de la gestación, financiación, etc de esta película está recogida en el libro Rebel Without a Crew que no es más que un diario de rodaje escrito por el propio Rodriguez, libro que recomiendo desde ya a cualquiera con un interés en hacer películas. De igual manera Rodríguez se extiende sobre los temas tratados en el libro en el audio-comentario que viene en la edición en dvd de la película. Es una escucha obligada.

Canción del Mariachi [de la banda sonora de Desperado, escrita por César Rosas e interpretada por Antonio Banderas y Los Lobos]

Curiosamente al hablar de la música de esta primera película notamos inmediatamente que la misma no tiene una presencia predominante, apartando aquella música diegética que interpreta el personaje del Mariachi (Carlos Gallardo quien también hizo de productor), la música incidental no es mucha que digamos y tampoco es particularmente memorable. La misma corrió por cuenta del hermano de Robert, Alvaro Rodríguez que compuso un score minimalista y sencillo. Pero es precisamente por eso que creo que funciona porque rara vez notamos que está allí.

Otro elemento importante de esta película es que durante su participación en el Sundance Film Festival también se mostró la primera película de Quentin Tarantino, Reservoir Dogs, momento que los dos han reconocido como el momento del inicio de su amistad y colaboración profesional.

Luego del Mariachi, Rodríguez dirige uno de los episodios de la serie Rebel Highway (1994) creada por Lou Arkoff y Debra Hill como un intento de revivir algunas películas de bajo presupuesto hechas en la década de los 50, especialmente aquellas sobre jóvenes rebeldes, motociclistas y cualquier otro elemento fetichista de esa época, pero adaptadas a un formato televisivo.

La serie de hecho abrió con el episodio dirigido por Robert Rodríguez llamado Roadracers, protagonizado por David Arquette y Salma Hayek en lo que sería su primera vez trabajando con el director. El Episodio se ha editado en DVD en Europa y en Latinoamerica apareció en VHS, es fácilmente el trabajo con menos personalidad de la carrera de Rodríguez. Pero que no puede pasar del todo desapercibido por el mencionado encuentro entre Salma Hayek y el director que más tarde se vería cristalizado en la película Desperado (1995).

Desperado Medley: Pelea en el Bar - (1'35'') Bucho - (4'03'') Navajas - (5'27'') El Escape [de la banda sonora de Desperado, escrita e interpretada por Los Lobos]

Desperado es a Robert Rodríguez lo que Evil Dead II es a Sam Raimi, porque como éste, Rodriguez se embarcó en una especia de secuela-remake de su ópera prima pero con un presupuesto mucho mayor y con el apoyo frontal de un estudio (Columbia Pictures) que más que apoyar a Robert Rodriguez el director, probablemente estaba explotando la nueva tendencia "latina" en alza, en ese momento personificada por el actor ¡español!, Antonio Banderas. Además que vino a confirmarlo como un cineasta económico, que produce películas con presupuestos modestos que siempre terminan dando ganancias.

Como dije antes si el Mariachi era la más "mexicana" de la trilogía, entonces Desperado tiene que ser la más hongkonesa, especialmente cuando se observa la forma en que están coreografiadas las escenas de acción. Un claro homenaje-plagio de películas como The Killer (1989) y Hard Boiled (1990) ambas de John Woo. Curiosamente el director asiático había comenzado dos años antes su periplo en Hollywood con su película Hard Target, con Jean-Claude Van Damme.

Pero si la formalidad de las escenas de Desperado es innegablemente asiática es en su música donde predomina la presencia de Rodríguez. Para empezar comienza una tendencia de involucrar a sus actores a participar en el soundtrack. Tanto Antonio Banderas como Salma Hayek tienen la oportunidad de interpretar sendas piezas. Al mismo tiempo la legendaria banda de rock chicano Los Lobos componen el score incidental. La presencia de artistas chicanos no se limitará a Los Lobos ya que también participan en la banda sonora artistas como Carlos Santana y Tito y Tarántula. Estos últimos (en especial su líder y vocalista, Tito Larriva) iniciaría aquí su colaboración con Rodríguez que se extenderá a lo largo de todas sus películas posteriores.

Ocho años (y varias películas) después Rodríguez decide cerrar (?) la historia del Mariachi con su conclusión: Once Upon a Time in Mexico. Según el propio Rodríguez y siguiendo una sugerencia de Quentin Tarantino esta película vendría a ser el equivalente épico de las dos anteriores. Tomando incontables referencias al cine del director italiano Sergio Leone, en especial de sus spagetti westerns. Por consiguiente podríamos decir que esta película es la más "italiana" de la trilogía.

Back to the House that Love Build [de la banda sonora de Desperado, escrita e interpretada Tito & Tarantula]

Y a pesar de que ya para este momento Robert Rodriguez se ha convertido casi en su totalidad al cine digital (luego de varios experimentos) la película si tiene un aspecto épico, visualmente mostrando una relación de aspecto pantalla ancha tratando de emular el Cinemascope en que se filmaron gran parte de los spaguetti westerns pero más que todo por la historia en si. En esta ocasión El Mariachi debe enfrentarse a ¡una conspiración que busca derrocar al presidente de México en el que están involucrados carteles de la droga y generales renegados!.

La presencia de personajes como el Agente Sands (Johnny Depp) moldeados evidentemente de esos personajes, típicos en el cine de Leone, con una moralidad indefinida u oscura pero que terminan por redimirse de una u otra forma, a veces sin quererlo. Y junto a todo esto está por supuesto la música que trata de emular ese sonido particular del spaguetti western creado por el gran Ennio Morricone. Morricone Tex-Mex.

Once Upon... no es la primera vez que Robert Rodríguez compone gran parte de la música para una de sus películas, esto había comenzado ya con Spy Kids (2001), después que Danny Elfman (quien compuso algunos temas para esa película) le entusiasmara a escribir el score completo para la secuela (Spy Kids 2: Island of Lost Dreams) lo cual terminó haciendo, pero es en esta donde lo hace de manera clara y con temas definidos y reconocibles. Es también donde gracias a esa definición que la música incidental tomará ahora el primer lugar en cuanto al apartado musical. Aún así Robert Rodríguez se las ingenia para incluir en la banda sonora a artistas como Rubén Blades (quien también actúa en el filme), Manu Chao y Juno Reactor.

Erase una Vez en México Suite: Titulos principales - (2'35'') El Tema de Sands - (5'54'') El Hombre sin Ojos - (7'52'') Tiroteo en la Iglesia - (9'16'') EL Mariachi [de la banda sonora de Once Upon a Time in Mexico, escrita por Robert Rodriguez, Johnny Depp y George Oldziey]

Musicalmente hablando es esta última película la que a mi personalmente me gusta más, primero por ese carácter épico que le imprimió Rodríguez y segundo porque a partir de aquí será él el principal artífice detrás de la música de sus posteriores trabajos. Muchos desestiman a Once Upon a Time in Mexico por ser exagerada, ridicula, melodramática, etc., pero siempre la he visto como un punto de inflexión en la carrera de Rodríguez.

A partir de aquí su control creativo sobre las películas será casi total, su papel como compositor también se volverá predominante. Su productora, Troublemaker Studio, despegará definitivamente y su adopción del cine digital (y con ello la forma misma de hacer cine) no tendrá vuelta atrás.

....

Nos vemos en la Parte 2: Quentin y Yo

ENTREVISTA A JUAN LUIS RODRÍGUEZ CAMACHO. DIRECTOR DE EL CINE CLUB CHARLES CHAPLIN.

2010-09-02T22:34:00.001-04:30

Por Sergio Marcano.

Desde su nacimiento, en 1976, El Cine Club Charles Chaplin, ha demostrado un profundo amor y respeto por el espectador barquisimetano, y bajo el lema “TODO EL BUEN CINE, EL BUEN CINE DEL MUNDO, SIN FRONTERAS, SIN MIEDOS”, han proyectado en su sala, grandes películas de muchas cinematografías.

El Cine Club Charles Chaplin también se ha caracterizado por apoyar amplia y desinteresadamente al cine venezolano, proyectando largometrajes de ficción, documentales, mediometrajes, cortometrajes; brindándole la posibilidad real a los cineastas criollos –tanto a los noveles como a los más experimentados- y al público venezolano, de encontrarse frente a frente en un espacio común, en el cual se les brinda la posibilidad de dialogar, analizar, reflexionar, franca y abiertamente en torno al hecho fílmico, ello a través de cineforos, charlas, conversatorios, e incluso a través de cursos de apreciación cinematográfica. Un espacio de encuentro necesario, que sin duda alguna ha ayudado al entendimiento y a la formación de no pocas generaciones de estudiantes de cine, comunicadores sociales, realizadores y espectadores interesados.

Todo esto por supuesto implica día a día una ardua labor organizativa, de completa dedicación, compromiso y entrega. Una forma de vida llamada cineclubismo y que hoy por hoy, lamentablemente, eligen o continúan muy pocas personas en nuestro país. Juan Luis Rodríguez Camacho, es uno de esos personajes que aún resisten y se mantienen ejerciendo el oficio. Él es un hombre sencillo, lleno de buena energía, amante del buen cine y por supuesto un luchador incansable a favor de la cultura audiovisual y cinematográfica venezolana. Esta entrevista no es más que una forma de reconocimiento a la labor que desempeña todos los días, un trabajo al que de manera personal respeto y admiro profundamente.

¿Qué le ofrece el cine club Charles Chaplin a la gente?

Esto a diferencia de los complejos cinematográficos del cine norteamericano, de la piratería y de las películas que se pueden bajar por Internet.

A pesar de la gran competencia de las salas comerciales, la piratería y la globalización, es de vital importancia para la ciudad y para el desarrollo de su cultura cinematográfica mantener abiertas las puertas de esta sala alternativa e independiente que es nuestro cine club.

Gracias al cine club el público barquisimetano y en general de todo el estado, tiene la oportunidad de ver a un precio solidario, prácticamente simbólico, las temáticas que abordan, formas y estilo de narración de algunos países latinoamericanos y europeos de muy escasa o conocida producción cinematográfica como por ejemplo Bolivia, Panamá, Republica Dominicana, Republica Checa o Irlanda entre otros (digamos que estas cinematografías representan el 75% de nuestra parrilla de programación) así como también cine asiático y norteamericano independiente en un 20%. Además de los mejores cortometrajes, mediometrajes y documentales de los realizadores con mayor trayectoria y experiencia a nivel mundial, así como también las realizaciones cinematográficas de los directores venezolanos. Un tipo de cine que no se ve casi nunca en las salas comerciales de Barquisimeto, y que sólo llega a exhibirse con cierta constancia en algunas salas Independientes o de Arte y Ensayo de Caracas.

Además de eso el cine club Charles Chaplin es la UNICA sala que exhibe los cuatro o grandes festivales de cine que organiza la gente del Circuito Gran Cine, estos vienen a ser: Festival de cine Español, Festival de cine Francés, Festival de cine Latinoamericano, Euroscopia y los ciclos de grandes actores y directores a lo largo de todo el año.

¿Cómo es la dinámica del cineclub, cuándo son las funciones, quienes se encargan de realizarlas?

Las funciones de nuestra sala se realizan periódicamente, o de manera religiosa, como decía su fundador Juan Arcadio Rodríguez, todos los días miércoles a las 7 y 30 de la noche, sábado y domingos a las 6:30 p.m, desde hace más de 34 años. De manera regular hacemos los ya tradicionales cineforos y conversatorios al finalizar las funciones con la idea de compartir puntos de vistas y opiniones sobre los filmes visionados.
Los encargados de realizar las proyecciones y cine foros somos un grupo de 6 o 7 personas, Alexei Guerra, Cesar Araujo Torres, Douglas Jiménez, Luis Steelheart, Dhegar Cordero, Alberto Torres. Un equipo profesional, muy compenetrado, con una alta vocación de servicio, personas que aman profundamente al cine.

¿Cómo es el público que asiste a la sala del cine club?

El público que asiste es en general heterogéneo, ya que no solo asisten a las funciones estudiantes y profesionales universitarios, si no también amas de casa, jóvenes adolescentes y sobre todo cinéfilos de todas las edades.

En nuestra sala no existen exclusiones de ningún tipo y es por ello que asisten personas pertenecientes a cualquier credo, raza, clase social o religión. De hecho se exhiben películas para prácticamente toda esta amplia diversidad de público que sabe apreciar el buen cine del mundo.

¿Cómo reacciona la gente comúnmente ante el cine venezolano?

Una pregunta difícil y compleja de responder.

La gente le saca un poco el cuerpo y le llama poca la atención el cine nuestro, es decir la gente no le da todo el apoyo que quisiéramos y que se merece. A lo largo de los últimos años hemos tenido que desarrollar ciertas estrategias (o trucos) para atraer o enganchar a nuestro público para que vea un corto, un documental o un largometraje de ficción nacional.

La generalidad de las veces sólo vienen a ver una película venezolana más porque ella ha tenido éxito comercial, que por el reconocimiento que ha recibido de la critica especializada a nivel nacional o internacional o sus auténticos valores culturales y artísticos. La gente se acerca a la sala regularmente si la película venezolana tiene mucha publicidad en medios como prensa, radio y TV, o si en ella actúan el actor y la actriz que están de moda en el momento.

Uno de los trucos para engancharlos es hablar o comentarles mucho antes de exhibir las películas nacionales sobre la temática que abarcan, su importancia histórica, sus valores estéticos y artísticos, si los tiene, y su calidad como obra audiovisual. Para esto utilizamos todos los medios posibles que tenemos a la mano, como el blog del cine club, los emails, el grupo facebook, las visitas periódicas en prensa escrita, entrevistas en radios FM y comunitarias así como el gran apoyo que nos da el canal de televisión regional Promar TV.
Cabe destacar que de vez cuando enviamos mensajitos de texto por celular y email para motivar y estimular la curiosidad del espectador barquisimetano por el buen cine documental, de cortometrajes y mediometrajes hecho en Venezuela. Alguna que otra vez un regañito vía email no es mala idea para que asistan a ver nuestro cine.

La otra estrategia es invitar con cierta frecuencia a los nuevos y no tan jóvenes directores, y a aquellos de mayor trayectoria a nivel nacional a visitar nuestra sala para la realización de cineforos, charlas y conversatorios con el público larense. La idea de hacer estos encuentros cara a cara con los realizadores, actores productores y guionistas criollos es conocer por dentro cómo se hace, lo que cuesta realizar, y lo que se sufre haciendo cine nacional con dificultades de todo tipo, desde presupuestarias, de promoción y publicidad, hasta en el desarrollo de historias coherentes.

Los documentalistas y cortometrajistas nacionales a mi parecer son en la generalidad de los casos, muy buenos y talentosos, de verdad siempre tienen un material muy valioso que mostrar al público local.

¿Qué representa el cine club Charles Chaplin para los barquisimetanos? ¿Para su cultura audiovisual y cinematográfica?

Bueno, esa es una pregunta que habría que hacérsela a las distintas personas que comúnmente van al cine club.

Pero, creo a mi manera muy personal de ver, modestia aparte, el cine club ha representado algo muy importante para el desarrollo y evolución de la cultura cinematográfica de los barquisimetanos en las últimas tres décadas. Considero que hemos hecho historia y hemos aportado un grano de arena en el crecimiento cultural de la ciudad… Ya que prácticamente es el único sitio donde se pueden exhibir películas de alta calidad a muy bajo costo y por demás discutir y analizar filmes que van desde los grandes clásicos del cine mundial hasta el mejor cine contemporáneo de cualquier procedencia del mundo.

El cine club se ha convertido con el paso del tiempo en el sitio por excelencia de reunión, de sano esparcimiento, de debate de ideas, convivencia, enriquecimiento y crecimiento intelectual de todos los amante del buen cine. Podemos concluir que hemos hecho un aporte importante en el progreso cultural y en la modernización de la ciudad.

¿Cómo se financia el cine club Charles Chaplin?

Se financia básica y casi exclusivamente de los incentivos económicos y mecanismos anuales de financiamiento del Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC) y de unos pequeños aportes de pequeñas empresas privadas e instituciones publicas del estado Lara. Además del apoyo del Colegio de Abogados, en cuanto a aspectos de logística, lo que implica el aporte de una oficina y un moderno auditórium para realizar las funciones del cine los días miércoles y los fines de semana. Lugar donde llevamos a cabo todos los foros, conferencias, talleres y cursos con los cineastas nacionales.

¿Cómo te acercas al cineclubismo?

A raíz de la desaparición física de mi padre, Juan Arcadio Rodríguez, un grupo de personas allegadas a la familia me proponen tomar el mando de esta gran empresa cultural. Luego, un amigo de mis padres, el crítico de arte Willy Aranguren escribió un hermoso artículo sobre la labor cultural de mi padre como cineclubista y en la última frase de ese artículo decía algo así como: “… y que su hijo continúe esa larga y dilatada labor cultural para que ahora tome el mando de ese barco.” Y esa frase fue practicante la que me hizo tomar la decisión definitiva, sin titubear y sin pensarlo mucho. Eso sí, contando con el apoyo de personas amigas y compañeros de trabajo de mi padre que me ayudaron y aconsejaron en un principio para ir aprendiendo cosas básicas como hacer la programación y los detalles de logística del cine club.

Y bueno aquí estamos luego de casi 11 años de haber tomado las riendas del cine club.

¿Qué te impulsa día a día a realizar esta labor?

Gracias al cine club me reencuentro cada instante con mi padre, sintiendo su respiración, sus latidos, como si aún estuviera vivo físicamente, aunque el no ha muerto realmente, porque sigue aquí latiendo intensamente en los corazones en todos nosotros que lo seguimos con pasión y en cada fotograma de las películas que vemos gracias a la magia del cine.

Viendo el mejor cine del mundo (el cine que realmente le gustaba al maestro Juan Arcadio) aprendo todos los días a conocerlo más, a seguir compartiendo con él muchas cosas, a entender mejor como era su filosofía de vida, su visión del mundo y acercarme un poco más al gran ser humano que fue.

Me hace recordar y sentir mucha nostalgia y también alegría por el pasado cuando veíamos tantas películas juntos, tanto en el Charles Chaplin, como en los muchos otros cine clubes que el fundó. Tanto celuloide grabado para siempre en nuestras mentes. Por que nuestras vidas se asemejan mucho a las vivencias de los personajes inolvidables de Toto (o Salvatore) y Alfredo de Cinema Paraíso.

Tengo tantos hermosos recuerdos de infancia y juventud en los que se mezclan la vida de nosotros como los buenos amigos y compañeros que siempre fuimos con el mundo del cine, y recordarlos con tanto cariño, alegría y pasión, hasta los más fuertes y duros regaños que con cierta frecuencia me daba cuando no estaba haciendo bien el trabajo, cuando me corregía, o se me olvidaban las cosas producto de mis despiste natural, o como cuando tomaba las cosas en broma y no hacia mis tareas cineclubisticas con seriedad y responsabilidad. El cine me hizo vivir plenamente junto a él, viviendo la vida con una amplia visión, con una mente mucho más abierta, democrática y tolerante de lo que el común de las personas la ve.

Te confieso que yo puedo estar enfermo, sentirme muy mal, estar deprimido, desmotivado por algo, pero el sólo hecho de ver mi gente, a mis mejores amigos en la sala antes de cada función, automáticamente me quita todo. Me hace vivir, me da una fuerza espiritual tremenda y me quita todas las enfermedades que pueda tener. Siento que gracias al cine he vivido plenamente y me siento muy útil para el mundo cultural de la ciudad, al lograr que día tras día más gente aprecie ese otro tipo de cine, ganando a un espectador con un ojo educado y con una alta sensibilidad por el cine realmente artístico y cultural de cualquier parte del mundo, distinto a aquel que sólo tiene fines comerciales y de entretenimiento.

¿Qué representa El Cine Club Charles Chaplin en tu vida?

En pocas palabras: PASION Y AMOR POR EL CINE.

Representa la misión más importante que yo tengo en el plano terrenal. Es mi proyecto de vida, además de tener una buena familia e hijos por supuesto. La razón básica de mi existencia. Espero que podamos mantenerlo abierto por muchos años mas, siempre y cuando se den las condiciones básicas de financiamiento y seguir teniendo un auditórium como el del Colegio de Abogados.

Esto es mucho más que un hobby, es un trabajo, y que se hace con mucha pasión, esmero, dedicación, AMOR (palabra que hay que resaltarla en letras mayúsculas y negrita) y con el mayor de los profesionalismos posibles, para prestarle un servicio cultural al público larense con alto sentido de responsabilidad y calidad.

El cine club es muchas cosas al mismo tiempo: el lugar donde se aprenden tantas cosas sobre la vida a un ritmo impresionante, la mejor escuela que he tenido sobre la condición humana, una gran ventana donde podemos conocer nuestra historia pasada, nuestra realidad cotidiana y hasta la futura, la mejor universidad, donde he apreciado con una amplia visión las distintas facetas de los seres humanos.

El lugar donde crezco y me nutro como ser humano segundo a segundo, día a día, donde he logrado hacer y disfrutar de mis mejores amigos, el trabajo más placentero y agradable que jamás he tenido, pero también el que más preocupaciones, tensiones y stress me produce, (pero como sarna con gusto no pica, bienvenido sea).

Un lugar ideal para vivir plenamente. Creo que vivo casi al 100% gracias al cine club, con la mejor felicidad posible haciendo cineclubismo, y de verdad no me veo a corto y mediano plazo haciendo otra actividad distinta a esta, al menos no quisiera estar vivo cuando algún día por distintos motivos ya no podamos mantener el cine club abierto y tengamos que irremediablemente bajar la Santamaría… Ese día espero no llegue nunca. Ese momento seria la verdadera muerte de Juan Arcadio y de sus más fieles seguidores cinéfilos.

Bueno, eso es básicamente lo que siento y pienso. Lo que representa el cine club para este servidor.

METAMORFOS, TERIANTROPOS Y SHAPESHIFTERS: ENFERMEDADES, EXPERIMENTOS, ENCANTAMIENTOS Y MALDICIONES CINEMATOGRÁFICAS

2010-08-21T15:46:00.001-04:30

Por Sergio Marcano

Nota: Este artículo contiene spoilers.

DR. VIJAY ALEZALS

La vida es mística, solo que

estamos acostumbrados a ella.

El propio catolicismo es una

religión tan mística que incluso

las tribus mas primitivas pueden

convertirse a ella… Los estigmas,

la vida tras la muerte, el día

del juicio, el cielo y el infierno,

todo es tan increíble y a la vez

tan corriente…

Dialogo extraído de “Wolf”

Dirigida por Mike Nichols

Cuando me propuse escribir este pequeño compendio nunca imaginé lo ampliamente desarrollado que está el tema de los shapeshifters (cambia formas) en la red. Basta la más sencilla búsqueda en google para tener acceso a multitud de leyendas, mitologías, folklorismos y literatura -cuentos de hadas, fábulas, ciencia ficción, horror, terror, romance-. Historias que nos hablan de personas que se transforman en animales o de animales que se transforman en personas: tiburones en varias islas del Pacífico Sur; tigres en la India; osos en el Norte de Europa; zorros en Japón; leopardos y leones en África, jaguares en Sudamérica y pare usted de contar. Una relación que parece estar determinada por el animal más importante del hábitat donde fueron fundados los primeros pueblos y posteriormente las ciudades de donde provienen cada una de las historias.

Es un hecho que desde tiempos inmemoriales los shapeshifter han estado en el imaginario de nuestra raza, podemos encontrar referencias a ellos en algunas de las formas de expresión más antiguas de la humanidad, desde los dibujos hallados en diferentes cavernas, a las representaciones de Dioses o Deidades como Ra - Horus (cabeza de halcón/águila y cuerpo de hombre), Sobek (cabeza de cocodrilo y cuerpo de hombre), Anubis (cabeza de chacal y cuerpo de hombre), etc. en la cultura egipcia.

También en la mitología griega, donde es frecuente observar a personajes como Zeus cambiar su forma física voluntariamente, con propósitos que van desde lo puramente sexual –usurpando la identidad de algún mortal para reproducirse con su mujer- hasta la resolución de alguna vendetta –en el caso de utilizar sus poderes divinos para hacer cambiar la forma a algún enemigo-. Otros seres mitológicos mitad humanos, mitad animal que vienen a mi mente mientras tipeo estas palabras podrían ser los centauros, las sirenas, el minotauro, etc.

Interesantes historias que eventualmente, permearon al universo cinematográfico.

En 1920 John S. Robertson dirige el “Dr. Jekyll y Mr. Hide” basado en el libro de Robert Louis Stevenson, y con guión de Clara Beranger, la historia de un hombre, el Dr. Jekyll, que se obsesiona con encontrar una manera de separar el bien del mal en la personalidad del ser humano; algo que consigue a través de una poción que prueba consigo mismo, y que lo llevara a experimentar una metamorfosis de cuerpo y personalidad que le convierte en Mr. Hide. Un personaje ruin, libre de conciencia y de moral, capaz de seguir sus más oscuros impulsos. Un lado oscuro que poco a poco se terminará apoderando de él por completo.

Un concepto argumental que posee en si mismo la línea temática que definirá transversalmente a todas las películas de este subgénero: la dicotomía entre el bien y el mal AKA la racionalidad VS. la irracionalidad; en un mismo sujeto.

En 1935 hace su aparición cinematográfica, en un largometraje, el licántropo. Sin duda el shapeshifter del que más se han filmado películas en lo que va de historia de cine. La película en cuestión recibe el nombre de “The Wherewolf of London” y está dirigida por Stuart Walter, con guión de John Colton. Narra la historia del Dr. Glendon, un botánico, que en la búsqueda de la “Mariphasa lupina lumina” -una extraña planta que sólo habita en las montañas tibetanas y que toma su energía de la luz de la luna- es atacado salvajemente por un hombre lobo.

Esta película, cuenta con varios aspectos que la hacen interesante dentro del universo del hombre lobo. En primer lugar se establece por primera vez que la luna llena es la que impulsa la transformación del hombre a licántropo, una enfermedad para que la “Mariphasa lupina lumina” es un antídoto efectivo –algo curioso y que no se repetirá en ninguna otra película de hombre lobo-. También, mediante un libro que lee el Dr. Glendon en algún momento de la trama, se nos permite saber que la transformación se sucederá entre las 9 y las 10 en la noche de luna llena.

En esta versión resulta llamativo apreciar que aún no está delineado el espíritu de irracionalidad animal tan característico al licántropo en la mayoría de las películas posteriores, a diferencia de esto, el hombre lobo se mueve metódicamente entre las sombras de la noche, una característica que le hace muy cercano al Mr. Hyde ideado por Stevenson y recreado en la película de Robertson, -y luego en 1931 en la versión de Rouben Mamoulian-. Otra curiosidad de este licántropo es que tiene poderes telequinéticos –o una especie de sexto sentido- que le permite ver otros espacios, conectándose con las personas con las que tiene un lazo afectivo.

En 1941 se estrena “The Wolf Man” una de las películas más famosas del subgénero de hombres lobos. La película fue escrita por Curt Siodmak, dirigida por George Waggner y protagonizada por Long Chaney Jr. –el hijo de uno de los mejores, más polifacéticos, arriesgados e interesantes actores de los 20 y los 30- quien se encarga de personificar al atormentado Larry Talbot.

Todos los acontecimientos se suceden en medio de tétricos decorados, llenos de sombras y marcados contrastes entre la luz y la oscuridad, cubiertos por una profusa y constante neblina. En ese contexto escuchamos a varios personajes recitar lo siguiente:

Incluso un hombre de corazón puro

que diga sus oraciones en la noche

puede convertirse en hombre lobo

cuando el acónito florezca y la

luna de otoño brille.

En esta película, Maleva, una vieja gitana, la madre de Bela Lugosi –quien interpreta al licántropo que le da la mordida infecciosa a Larry Talbot-, establece por primera vez que el hombre lobo es vulnerable a la plata.

MALEVA

Un hombre lobo solo puede ser

asesinado con una bala de plata,

con un cuchillo de plata o con

una bastón con una manillera de

plata.

Y también establece que el pentagrama es un símbolo protector efectivo en contra de la maldición del hombre lobo.

Un año más tarde en 1942 se estrena “The Undying monster” dirigida por John Brahm y escrita por Lillie Hayward y Michael Jacoby. Aquí el hombre lobo y la luna no tienen nada que ver el uno con la otra, la transformación está más bien ligada a las noches heladas de una época específica del año.

En esta película se relaciona por primera vez a la licantropía con una enfermedad hereditaria, que en este caso afecta sólo a los hombres de la familia Hammond, como consecuencia de que uno de sus ancestros le vendiera el alma al diablo. Por primera vez también se nos da una interesante visión de lo que se siente psicológica y físicamente al estar transformado en un hombre lobo:

SR. OLIVER HAMMOND

…De pronto sentí que algo nos

acosaba por todas partes Kate

gritó y tiró el farol, luego

me atacó y fue como una

explosión de una caldera,

pero no era caliente era, era…

Le dan un sorbo de agua

Simplemente horrible, Kate volvió

a gritar, y yo estaba luchando en

una oscuridad que se volvió roja,

hasta que una llamarada la partió

y la hizo desaparecer, eso debe

ser cuando me golpeé la cabeza…

A pesar de que en efecto hay un hombre lobo en la cinta, el argumento se centra más bien en la investigación de una agresión que termina en asesinato. Algo a resaltar sobre este hecho es que aquí la víctima del hombre lobo muere de una concusión cerebral y no de un desmembramiento o de mordidas de un ataque animal, a diferencia de todas las víctimas habituales de un licántropo en la historia del cine.

En 1942 se estrena “The Cat People” una película dirigida por uno de los directores de género más interesantes de aquellos años: Jacques Tourneur, con guión de Dewitt Bodeen. La primera particularidad de esta película es que gira en torno a un personaje femenino -una diferencia radical con el resto de las películas de monstruos de la época- la enigmática y atormentada Irena Dubrovna, interpretada por Simone Simon, la descendiente de una villa serbia en la cual los habitantes dieron la espalda a Dios para dedicarse a hacer brujería y adorar al demonio.

En esta cinta el detonante de las transformaciones son las pasiones mundanas, el deseo sexual, los celos. Lo que le niega al personaje femenino toda posibilidad de demostrar su emocionalidad y su sexualidad, ya que todo tipo de pasión la lleva a ponerse en contacto con su lado animal –por supuesto un lado monstruoso-. A pesar de la temática, es una película alejada de efectismos de cualquier tipo, ya que sólo se nos sugiere la existencia de esta mujer pantera, a través de sombras y del uso del sonido. Esto hasta casi el final de la cinta cuando finalmente llegamos a ver una transformación de Irena en pantera.

En 1959 se estrena “The Wasp Woman” dirigida por Roger Corman, con guión de Leo Gordon. La historia de Janice Starling, la dueña y fundadora una compañía de cosméticos, que no acepta su envejecimiento –y con el la posibilidad de caer en la quiebra y perder su empresa- y que decide probar en si misma una formula experimental hecha de un derivado de las encimas de la jalea real de una abeja reina, en la búsqueda de su rejuvenecimiento.

MR. ARTHUR COOPER

Si yo fuera usted me mantendría

alejado de las avispas Ms. Starling, socialmente la reina avispa está

al mismo nivel que la viuda negra.

Las dos son carnívoras, paralizan

a sus víctimas y se toman el tiempo

para devorarlas en vida…

Poco a poco el compuesto químico hace que Janice Starling luzca unos 20 años más joven, pero los efectos secundarios de las encimas la llevarán a convertirse en una violenta mujer avispa.

En 1966 la Hammer Films estrena “The Reptile” dirigida por John Gilling y escrita por Anthony Hinds. La historia gira alrededor de Harry George Spalding, que tras la misteriosa muerte de su hermano se convierte en el heredero de una casa en Clagmoor Heath, una villa inglesa, en la que ocurren un grupo de muertes inexplicables.

Aquí el shapeshifter es Anna Franklyn –interpretado por la atractiva y enigmática Jacqueline Pearce-, la hija de un investigador de religiones primitivas, que descubre en Borneo la pista de una sociedad secreta llamada la gente serpiente. Una secta de las que muy pocos conocen, pero con la cual el Dr. Franklyn se obsesiona hasta develar todos sus secretos. Al verse expuestos, y como venganza, la gente serpiente secuestra a su hija Anna y la transforman en uno de ellos. Una mujer que cada noche se transforma en reptil y que ataca a todos aquellos que estén cerca de ella, asesinándolos con un veneno mortal que sale de dos prominentes colmillos.

Un personaje particularmente interesante y que resalta dentro del casting y en la trama, es el representante de la gente serpiente, interpretado sobriamente por el actor Marne Maitland. Un hombre misterioso y despiadado que se encarga constantemente de atormentar al Dr. Franklin y a Anna.

Un hecho curioso de esta película son las estrechas relaciones que guarda con “The Plague of the Zombies” -otra cinta de la Hammer-, ya que ambas son dirigidas por el mismo director John Gilling, tienen a la actriz Jacqueline Pearce interpretando un rol principal en cada una de las dos películas, e incluso comparten algunos de los mismos tétricos sets de filmación.

Algunas décadas mas adelante en 1981 John Landis escribe y filma posiblemente la mejor película filmada en el marco de este subgénero: “An American werewolf in london”. La historia de dos jóvenes norteamericanos que son atacados en Inglaterra por un hombre lobo.

Lo primero que rescataría de esta cinta es que logra captar verdaderamente el espíritu “pop” de la década en la que fue realizada, hablo del tipo de diálogos, de la manera en la que los personajes se relacionan incluso con las situaciones más extremas, siempre con mucho desenfado y con grandes dosis de sentido del humor.

En una de las primeras escenas, en el hospital, el fantasma de Jack -quien resultara asesinado por el hombre lobo-, completamente destrozado por el ataque, se le aparece a David y le cuenta -con una pasmosa naturalidad y con un delirante y muy macabro sentido del humor-, acerca de su entierro, de cómo la chica de la que estaba enamorado en vida busco consuelo en los brazos de otro hombre, para luego, con las misma naturalidad contarle lo que ocurrió verdaderamente aquella noche y de sus consecuencias.

JACK

…fuimos atacados por un

licántropo, un hombre lobo,

yo fui asesinado, mi muerte

no fue natural y ahora camino

la tierra en el limbo hasta

que se termine la maldición

del hombre lobo.

DAVID

Cállate.

JACK

Su descendencia debe acabar. El

último hombre lobo debe ser

destruido, y eres tú David.

DAVID

¿Qué?

JACK

Por favor créeme vas a matar

gente.

DAVID

¡Enfermera!, ¡enfermera!

JACK

Escúchame, lo sobrenatural, el

poder de la oscuridad, todo es

verdad.

Creo que una de las cosas que me resulta más interesante del guión es escuchar a los personajes de la película citar en varias ocasiones, al universo creado en la película de “The Wolf Man” dirigida por George Waggner, lo que sin duda funciona para afianzar la verosimilitud de los acontecimientos que se suceden dentro del film.

No se puede hablar de esta película sin mencionar la secuencia de transformación de David Kessler en hombre lobo, ya que es posiblemente la mejor transformación a licántropo filmada en la historia del cine, hecha por el equipo de maquillaje y efectos especiales Rick Baker -lo que en efecto les valió un Oscar en la categoría de Efectos Especiales en 1982-, una secuencia sin duda memorable y digna de ser apreciada aun hoy, a unas cuantas décadas después de haber sido realizada.

Creo que otro de los logros del film, y que le proporciona una aplastante naturalidad, es la de sacar al hombre lobo de los estudios a los que había estado ligado habitualmente. En esta película vemos al licántropo atacar a sus víctimas en escenarios reales de los suburbios londinenses, en los muelles, en el metro –una secuencia antológica por cierto-, en un cine y en el mismísimo centro de Piccadilly Circus. Tampoco se puede hablar de esta película sin mencionar la irreverente banda sonora en la cual resaltan las diferentes versiones de “Blue moon” la famosa canción escrita en 1934 por Richard Roger y Lorenz Hart.

Sin dudas una película altamente recomendable para todos aquellos amantes de este subgénero.

No puedo terminar en este pequeño compendio sin mencionar “La Belle et la Bete" (1946) impecablemente dirigida por Jean Cocteau, la archiconocida historia de amor entre una mujer y una bestia, que es en realidad un hombre encantado. “The Fly” (1958) de Kurt Newman, la historia de un científico que al realizar un experimento se fusiona genéticamente con una mosca (una película que será versionada con muy buenos resultados en la década de los 80 por el director canadiense David Cronemberg). “The alligator people” (1959) Dirigida por Roy Del Ruth. La historia de una mujer sin pasado y de un hombre que al recibir un tratamiento científico experimental con hormonas de reptil es convertido en un híbrido mitad hombre y mitad lagarto. “The curse of the werewolf” (1961) dirigida por Terence Fisher, donde por primera vez se ve la manifestación de la licantropía en un niño. “La furia del hombre lobo” (1971) dirigida por José María Zabalza. Una película que muchos consideran de culto por estar protagonizada por el polifacético Paul Naschy. “La lupa mannara” (1976) dirigida por Rino Di Silvestre, la historia –abiertamente de sexploitation (explotación sexual)- de una mujer que tiene pesadillas recurrentes en la que se convierte en una mujer lobo despiadada y asesina. “The howling” (1981) dirigida por Joe Dante, la historia de una mujer que descubre una sociedad secreta de licántropos capaces de transformarse en hombres –y mujeres- lobos a voluntad. “The company of wolves” (1984) dirigida por Neil Jordan, la historia de una chica que sueña que es la caperucita roja, pero enfrentada a una manada de hombres lobos. “Ladyhawke” (1985) dirigida por Richard Donner. La historia de dos amantes condenados a ser Águila de día y lobo de noche, sin nunca poder estar juntos en forma humana. “The seventh stream” (2001) dirigida por John Gray, la historia de amor de una Selkie –una foca que se convierte en mujer- y un pescador. “Hulk” (2003) dirigida por Ang Lee, la historia de Bruce Banner un hombre que luego de ser afectado por radiación se transforma en un hombre verde, súper poderoso y lleno de ira. “The wolfman” dirigida por Joe Johnston, posiblemente la mejor versión en la que se narra la historia de la familia Talbot.

Bueno y hasta aquí alcanzan mis conocimientos sobre el tema, seguramente habrán muchos mas títulos de este subgénero que aún me falta por descubrir, conocer y estudiar. Lo que es cierto, y que puedo afirmar como espectador cinematográfico, antes de terminar estas palabras, es que siempre será interesante observar argumentos en los que se muestre el encuentro –o más bien el desencuentro- de la racionalidad humana; esa que establece, predetermina y delimita nuestro comportamiento a través de reglas sociales, morales y teológicas; con el lado más oscuro, primitivo, irracional y salvaje de nuestra olvidada naturaleza animal.

The Expendables (Stallone, 2010)

2010-08-18T07:06:00.003-04:30

A veces con nada se logra mucho. Sylvester Stallone es el vivo ejemplo de ello, ahí tienen Rocky (1976) que el mismo Stallone escribió y protagonizó cuando era un desconocido y que le valió reconocimiento del público y de la mal llamada crítica, de eso ya hace 34 años. Fue finalmente el primero, el público, el que puso a Stallone en el pedestal en el que ha estado más o menos presente durante el resto de su carrera, una carrera algo irregular pero prolífica.

Un "fast forward" y estamos frente a The Expendables, un proyecto que hecho durante el apogeo de ese cine que intenta emular, homenajear ¿plagiar?, hubiese resultado en una película grotescamente asombrosa, o por lo menos eso es lo que yo imagino. En cambio la película que tenemos ahora es casi un vestigio de ese cine de acción de un tiempo pasado. Si hay algo que deja claro The Expendables es que ese cine no se hace ni se volverá a hacer. Es sencillamente imposible, el mundo ha cambiado, en apariencia por lo menos. Y el público es quizás menos ingenuo, pero no por eso es más exigente y allí radica lo que para mi es el primer y único verdadero error de The Expendables como película.

Lo poco que se esfuerza aún con lo sencillo que parecen ser sus metas.

Y es que el problema de The Expendables no es la acción, en ese departamento cumple con las expectativas, su problema es lamentablemente en el departamento de la historia y su guión, allí es donde The Expendables no pasa la prueba. La historia es poco original y repetitiva y el guión es una excusa para mantener hiladas las casi que perfectas secuencias de acción.

Entonces nos queda un espectáculo casi vacío. Demasiado vacío para el gusto de quien escribe, por lo menos. No es que las películas de Stallone (aquí estoy metiendo no sólo las que escribió y dirigió sino algunas donde también actuó pero que indudablemente se crearon en torno a su imagen y en las que tuvo en más de una ocasión poder de decisión sobre el producto final) tengan un subtexto increiblemente complejo, pero sus dos últimas películas (Rocky Balboa, 2006; Rambo 2008) son evidentemente superiores a The Expendables porque no se conformaron con llenar los requisitos de la nostalgia del fanático de estas franquicias, fueron más allá. Porque si Stallone decidió hacer otras dos películas sobre esos personajes icónicos es principalmente por una cuestión de nostalgia.

Pero entonces regresamos a The Expendables, cuyo concepto como dije antes se ve monstruoso: reunir, más o menos, a un grupo de estrellas de acción de las últimas 2 décadas junto a algunas caras nuevas y ponerlos en el escenario de la típica (nada novedosa) trama de acción clásica, queda lamentablemente en eso: en un concepto.

Primero: el guión no sirve al poder visual y al atractivo de estas estrellas. Un ejemplo de esto: la escena donde aparecen juntos Sylvester Stallone, Arnold Schwarzenneger y Bruce Willis parece más un spot para Planet Hollywood que una de las secuencias clave de la película y lo es porque es aquí donde se da uno de los primeros giros de la trama. La escena es eso, una excusa para poner a estos tres monstruos en pantalla incluso hay algunos diálogos con una clara intención metalinguistica que te sacan de la película ("quiere ser presidente"), ¿pero con qué objeto? Es gracioso, si. Pero al mismo tiempo se siente alienante.

Es por eso que quizás sólo los incondicionales de Stallone y el grupo de mercenarios disfrutará de la película a un nivel fetichista.

Porque si por un lado la historia y es guión es lo más flojo de la película por el contrario las escenas de acción y cada uno de los actores tienen su momento de lucimiento en particular, a pesar de que Stallone y Jason Statham son, por así decirlo, los personajes principales no impiden que los otros actores de este ensamblaje brillen.

En definitiva: no es tan buena como esperaba y no es tan mala como podría haber sido. Faltó algo, faltó el corazón que tienen Rambo (2008) y Rocky Balboa (2006).

......

Una de las cosas que me causaba más curiosidad de la película era todo el asunto de la alegoría al presidente Chávez. La alegoría está ahí, a pesar de que Stallone afirmó que su película "era solamente entretenimiento", que decidas hacer una alegoría de ese tipo tiene una intencionalidad. Cual es la intención en este caso, yo de verdad que no puedo descifrarlo. Primero porque como dije anteriormente yo creo que el público no es tan ingenuo como antes.

De hecho hubiese deseado que Stallone se dejara de pendejadas y hubiese sido directo en vez de una alegoría me hubiese gustado ver una referencia directa, así hubiese sido con el único propósito de provocar polémica. En cambio sólo nos queda un coqueteo, un amague. Le faltó más valentía.

En definitiva debe verse, para mi fue como viajar en el tiempo hacia el pasado. Y la escena de Bruce Willis, Sylvester Stallone y el Governator es surreal, sencillamente surreal, por un momento parece que los tres se van a echar a reir, es imposible.

Recomendada con reservas.

Nota mental: Quiero un pana como Dolph Lundgren

Cine y Responsabilidad Social

2010-08-17T14:33:00.001-04:30

¡Como cineastas creemos que nuestro trabajo va a influenciar a todo el mundo! Si no, ¿para qué es que queremos contar nuestras historias?

Recientemente, como ya los lectores de este blog están al tanto, yo y mi equipo de trabajo, decidimos hacer un video para contarle al mundo como nos sentimos con respecto al derrame de petróleo BP en el Golfo de México.

Este video inspiró la creación del website WhatAreYouDoingToHelp.info (todavia en construcción) para reconocer y honrar la gente e instituciones que están haciendo algo por ayudar. En las próximas semanas, el website se irá poblando de mini documentales en este tema: ¡La Ayuda!

¡Como comunicadores, cineastas, cuentacuentos, tenemos una responsabilidad con la sociedad! No estoy diciendo que por cada cosa que uno quiera decir hay que hacer un video, pero sí creo que cuando ocurren desastres e injusticias de gran magnitud, nosotros como artistas y productores, debemos pararnos y hacer sentir nuestro punto de vista.

Aquí está con ustedes nuestros resultado final: Oil Splash. Así me siento yo. Si te gusta, y te sientes así, por favor, comparte el video con todo el que conozcas, ponlo en tu website, en tu blog, en tu twitter y en tu facebook. Hazlo de tus favoritos en YouTube! Ayudanos a llegar a todo el mundo!

11 años con Tyler

2010-08-10T01:19:00.007-04:30

Corría el año 1999 y yo andaba hasta los cojones con el último año en el liceo. Durante los últimos dos lapsos, para escapar de la monotonía escolar, opté por fugarme 3 de los 5 días hábiles al cine continuado que empezaba todos los días a las 10 am. En esas salas a esas horas a veces podías conseguirte a cualquier tipo de personas: los borrachos, los degenerados, los que no tenían para pagar un cuarto de hotel, los que necesitaban un lugar para dormir, etc.

Esa rara avis que existía antes de los multiplex que tenemos ahora.

Vi grandes películas durante ese año (American Beauty, The Matrix) vi algunas otras decepcionantes (Star Wars: The Phantom Menace) y vi El Club de la Pelea.

Recuerdo claramente que fue en una sala del desaparecido Cine Avila en Caracas. Era el único en la sala durante la función. Para ese entonces el internet era para muchos un lujo, pero en mi caso sencillamente no existía. Así que mi conocimiento sobre la película era completamente nulo. Sin embargo algo me pareció extraño y a la vez completamente genial: en el afiche había una barra de jabón!.

La película fue una verdadera bofetada. Durante muchas escenas me encontré mirando a mi alrededor sin poder creer que seguía solo en la sala, estaba sorprendido de ser el único viendo aquella monstruosidad. Me sentía privilegiado. Y a la vez sentía compasión, casi lástima, por el mundo fuera de esa sala que no tenía la dicha de ver lo que yo estaba viendo. De pensar lo que yo estaba pensando.

Puedo remitirme incluso a imágenes de la misma película para explicar como me sentía: recuerdan los créditos iniciales?. El viaje que comienza desde lo más recóndito del cerebro, a un nivel neuronal, así se sentía ver esta película por primera vez.

Durante el último acto de la película una vaina era clara: al cine había entrado una persona y al terminar los créditos iba a salir una totalmente distinta.

Y así fue. Al salir de la sala cuando la encargada del puesto de cotufas me preguntó que tal era la película. NO me atreví a resumirla en palabras, cualquier intento hubiese sido en vano. En cambio le dije que la vería nuevamente ese mismo día, y así fue.

****

Para hacer la experiencia más placenteramente surreal, el cine no era muy distinto al mismo donde trabajaba Tyler. De hecho durante esa escena en particular comencé a mirar hacia el proyector. Así de involucrado estaba con la película.

El Club de la Pelea es sencillamente ese tipo de cine que te habla. Tu finalmente tomas la decisión de si escuchas el mensaje o no. Aunque veo harto difícil resistirse.

La vaina fue tan genial y traumatizante que cuando salí de la sala y el sol del mediodía me dio en la cara la sensación fue similar a cuando Neo vuelve a su “mundo” sabiendo que no es más que The Matrix trabajando. Con todo y la gente caminando en cámara lenta.

Pero lo más coño e’ madre y desasosegado del asunto es que casi 10 años después el mundo no parece ser distinto. Prácticamente vivimos en un perpetuo estado como el descrito por El CLub de la Pelea.

"Carlos" de Olivier Assayas: un "superfilm", de guerrillero a mercenario.

2010-08-08T10:39:00.000-04:30

Por Vicente Ulive-Schnell

Una de las películas más esperadas en Francia este año es sin duda la cinta de Olivier Assayas, "Carlos", que intenta dar vida a la historia del terrorista venezolano. Dirigida por el respetado y discreto cineasta galo que ha producido algunas joyas recientes como "Clean" (2004) y "Boarding Gate" (2007) y protagonizada por el venezolano Edgar Ramírez, "Carlos" fue precedida de una agresiva campaña publicitaria que seguramente dará los resultados esperados en taquilla.

Ahora bien, a pesar de todos los aspectos positivos que podemos encontrar en la película, el trabajo de Assayas peca de los mismos errores de muchos biopics recientes: la pérdida de la línea narrativa dentro de la vida de un personaje tan fascinante y contradictorio que el propio director parece querer filmar hasta el más mínimo detalle. Error de edición o cameraman gatillo alegre, "Carlos" se presenta como una serie de televisión y/o una película de 3 horas. Esto estaría bien si fuese la primera vez en años que se le ofrece al espectador esta propuesta, pero después del "Ché" de Soderberg, con sus dos partes y sus "proyecciones especiales" en ciertos teatros de las más de cinco horas seguidas, se hubiese esperado que Assayas pensara mejor cómo presentar su trabajo.

El propio Assayas describe el proyecto como un "superfilm", una película que no se adscribe al formato televisivo o cinematográfico sino que "cuestiona las fronteras del cine" (revista Trois, mayo de 2010). "Carlos" nace de una apuesta de Canal+ de dar rienda libre al director, lo cual le permitió imponer criterios imposibles dentro del cine convencional: rodar sin una estrella de renombre, en lengua extranjera y de duración excesiva.

Entonces, después de haber aclarado esto, vale la pena hablar de los méritos y las limitaciones de la cinta. Todos estos son un subproducto de la escogencia de rodar un "superfilm" de la parte de Assayas. Resulta que la película se balancea entre la estética y la narrativa del telefilm y el cine, a veces de manera violenta y forzada. Para empezar, el etalonaje de los colores y la escogencia de una imagen lavada/sobreexpuesta parece responder a las necesidades del telefilm más que al cine, por lo cual el espectador acostumbrado al ambiente sombrío desarrollado por Assayas en "Clean" se sorprenderá. Sin embargo, cuando la película flexiona sus músculos de superproducción cinematográfica, como en todas las reproducciones de las ciudades y países de la época: Damasco, Beirut, Argelia, París, etc., el resultado es totalmente convincente. Decenas de extras, automóviles de la época, cigarrillos; Assayas trabajó meticulosamente todos los detalles, lo cual se erige en uno de los puntos más favorables de la película.

Es por esto que el trabajo decepciona cuando vira furiosamente hacia las técnicas del telefilm en medio de una puesta en escena magistral. ¿Tiene otra explicación el hecho de que todas, absolutamente todas las transiciones entre escena y escena, se realicen con fundido a negro? Y me permito una digresión personal: ¿Puede haber algo más aburrido y poco creativo que el fundido a negro, seguido de un fade-in en la próxima escena? Esto responde evidentemente a una necesidad televisual, un cariñito a Canal+ para que puedan insertar propagandas donde mejor les plazca. Sin embargo, cuando el espectador asiste al cine espera ver algo más que una serie proyectada en la gran pantalla.

Este va-et-viens entre televisión y cine resulta catastrófico en otras partes de la película, sobre todo en lo que respecta a las decisiones de edición y ritmo. Si bien es cierto que las series televisivas se caracterizan por una aceleración de la trama, un apogeo y una resolución que nos conducirá hacia el capítulo siguiente, hacer esto en una película varias veces, parece ser una idea malísima, si tomamos "Carlos" como referencia. La cinta empieza de manera explosiva, imponiendo un ritmo frenético que nos mantiene pegados al asiento, de hecho, no ha pasado ni media hora de largometraje y ya estamos siguiendo a Carlos en el famoso secuestro a la OPEP. Acá veremos asesinatos, sangre, acción… Y luego pasaremos dos horas y media viendo a Carlos filosofar sobre el imperialismo, beber y comer, todo a ritmo de caracol escargot francés.

Sin embargo, se puede creer que estamos siendo demasiado injustos o severos con la película. Es verdad: personalmente, la ocasión desperdiciada me duele más que la película mala desde el principio. Porque "Carlos" tenía todo para ser una película memorable. "Carlos" podía haber sido la película del año. Han sido las pequeñas cosas, la idea estrafalaria de hacer un "superfilm", la edición de serie de televisión, las transiciones dignas de 24 con Kiefer Sutherland, lo que opaca los elementos más geniales de la cinta.

Sin duda, la revelación de la película y su aspecto más glorioso se resume en dos palabras: Edgar Ramírez. Impresionante. Brutal. Crudo y creíble. Si no fuera por el trabajo del venezolano, esta cinta iría directo a la sección straight-to-DVD, de películas sin distribución. No digo esto como apologista de Ramírez, soy de los que, después de haberlo visto en 3 o 4 películas, todavía no lo había visto actuar. Ya fuese con su interpretación "no puedo creer que esté en esta película" de la serie Bourne, su caricatura malandra-risible a lo DJ 13 en Domino, o el peor Cyrano en la historia de la obra, admito que el nombre de Ramírez no me inspiraba para nada confianza (ni hablamos de cuando se le ocurrió hacer Venezzia).

En cambio, en "Carlos", Edgar Ramírez *es* la película. Aparte de un trabajo físico remarcable que lo lleva a engordar, adelgazar y cambiar de apariencia a lo largo de su interpretación, el venezolano convence, se muestra carismático y nos lleva de la mano en la transformación del personaje de un "guerrillero" a un vulgar mercenario.

Este último aspecto es el otro gran logro positivo del trabajo de Assayas. El director francés se esfuerza en interrogar el ethos de su protagonista y nos conduce a través de su "lucha" contra la opresión mundial que desemboca, predeciblemente, en el mercenariato a favor de los intereses más retrógrados del planeta. Assayas logra seguir a su personaje en esta transformación, en gran parte debido a un gran reparto que nutre el discurso revolucionario de la época.

Es por todo esto que es lamentable que las cuestionables escogencias técnicas y estéticas hayan perturbado la historia. No es exagerado decir que cualquiera que vea la película encontrará, fácilmente, 20 minutos de sobra que se hubiesen podido eliminar en la edición para darle más fuerza a la narración. Es una lástima que, si comparamos el trabajo de Assayas con la excelente "Mesrine" de Jean-François Richet del año pasado, podemos entender lo que "Carlos" hubiese debido ser. Rodada directamente para el cine, la doble película con Vincent Cassel a la cabeza sigue la vida real del enemigo público número uno de Francia, quien se escudaba en un discurso anarquista. "Mesrine" se destaca porque Richet intenta construir y resaltar la interpretación de Cassel. Assayas, en cambio, parece haber hecho todo lo posible por estorbar el excelente trabajo de Ramírez.

En fin, dado el desierto cinematográfico actual, "Carlos" es una película altamente recomendable, insisto, gracias a Edgar Ramírez. Pero igual que el terrorista venezolano pasó su vida pensando en lo que pudo haber logrado, la cinta de Assayas, buena ma non tropo, nos hace extrañar lo que la película hubiese podido ser al simplemente ponerse de acuerdo sobre qué filmar: un telefilm o una película.

FANtasmo

2010-08-02T11:24:00.001-04:30

Actualización: el cortometraje está disponible para verse en linea.

El diario Tal Cual del día de hoy publica, en su sección Artes, una nota sobre FANtasmo, el cortometraje documental dirigido por el joven Jonás Romero García. La película trata sobre la influencia del Presidente Chávez en la cotidianeidad de sus coterráneos. (Gracias Andrea por la info!!!)

Dice el Tal Cual: “El cortometraje, que surgió del proyecto de tesis de Romero García, está centrado en la opinión de gente común, abordada en la calle. Transeúntes de diversas edades, sexo, clases sociales y afiliaciones políticas son el epicentro de esta historia”.

Ante el tema de la polarización, dice el realizador: "Los medios de comunicación hacen una construcción de la realidad, y me chocaba mucho que todos hablaran de la objetividad, de que los medios debían ser objetivos. A mí eso me planteaba un problema: ¿de qué se trata eso de ser objetivo? Para mí es más bien una grosería que yo diga que mi reportaje o el trabajo que realizo a través de los medios es objetivo. La gente tiene que confiar en mí por mi criterio o por mi perspectiva".

El documental fue proyectado en el Festival de los Altos Mirandinos, en San Antonio de los Altos, luego de ser rechazado por la Cinemateca Nacional y por el Centro Cultural Chacao.

La revista de cine Vértigo también comentó sobre la pieza en su edición de la semana pasada. Además aprovechó para una entrevista al realizador, a la que pueden acceder aquí

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