Bloodbath Test - Teaser

El video habla por si mismo, he aqui el primer vistazo oficial a la película dirigida por uno de los colaboradores de este blog. Para mas información sobre este trabajo pueden ir a Bloodbath Test Blog

25 años de Danny Elfman y Tim Burton (Parte II)

Justo al culminar la primera parte de esta serie de posts sobre Danny Elfman y Tim Burton, había dicho que en la década siguiente el trabajo conjunto de ambos se volvió más interesante debido a que se dedicaron a proyectos que tenían más relación con sus propias ideas y sus inquietudes artísticas.

Igualmente mencioné que Danny Elfman expandió su portafolio al trabajar una cantidad de directores entre los que destaco a Gus Van Sant, Peter Jackson, Taylor Hackford y Sam Raimi, cada uno distinto del otro y eso es perfectamente comprobable en la cantidad y diversidad de música que Elfman escribió durante la década de los 90.

Además Elfman se movió a la televisión en donde compuso varias cosas interesantes, entre las que recuerdo están el tema principal para la serie de Cuentos de La Cripta y el tema de una serie animada por el que quizás Elfman finalmente pase a la historia, Los Simpsons.

De hecho voy a aprovechar para dejar aquí a modo de bonus track de este especial una selección de lo que en mi opinión son los más interesantes momentos musicales de Danny Efman fuera de su canon burtoniano.



The Simpsons [tv] (1989) - Tema Principal
The Flash [tv] (1990) - Tema Principal 1'27''
Darkman (Sam Raimi, 1990) - Creando a Pauley / Carnaval Infernal 2'56''
Dolores Claiborne (Taylor Hackford, 1995) - Finale 9'28''
To Die For (Gus Van Sant, 1995)- Créditos Principales 14'34''
The Frighteners (Peter Jackson, 1996) - Introducción y Créditos 18'42''
Mission Impossible (Brian De Palma, 1996) - Problemas 24'23''
Men in Black (Barry Sonnenfeld, 1997) El Cinturón de Orion / Problema felino / Tema Principal 27'43''

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Luego de cuatro películas con un éxito comercial impresionante y una aceptación masiva, la década de los 90 se presentó como una oportunidad para emprender proyectos un tanto más arriesgados, dentro siempre del espacio que Tim Burton se había asegurado para si mismo gracias precisamente a ese éxito conseguido con las primeras películas, en especial Batman.

Miau. Es por eso que la idea de volver a Batman, no parecía tan ilógica desde un principio, el problema se presentaba en como abordar una secuela de una de las películas más exitosas de la pasada década. En especial si consideramos que Batman como personaje tenía demasiados matices como para encontrar uno que satisficiera tanto a los fans, el público en general y a los ejecutivos de los estudios.

El resultado no fue nada de lo anterior, creo que principalmente porque Batman Returns misma fue un vehículo para canalizar lo más neurótico de Tim Burton. De hecho el personaje de Batman es sólo una excusa para contar la historia de los villanos (El Pingüino y Gatúbela), a los que Burton y los guionistas dedicaron más tiempo a desarrollarlos y por los que Burton demuestra una simpatía evidente. Esta es, creo yo, la única de las Batman que es verdaderamente burtoniana.

"Mirando hacia atrás, no creo que la Warner estuviera muy contenta con la película. Me da esa sensación. Les hice pasar por todo, pero sólo intentaba darles una buena película. La primera tuvo mucho éxito y eso tiene un montón de trampas, pero intenté no pensarlo demasiado y hacer una película divertida, buena. (...) es probable que influyeran más los problemas personales. Había muerto un buen amigo mio, tenía problemas de pareja y, a veces, hasta que no pasa un tiempo no te das cuenta de que es lo que falla. Pensé que era el rodaje infernal de esta película, y eso no ayudaba en absoluto a la situación. Pero la película me gusta realmente. Me gusta más que la primera. Para muchos, resultó demasiado oscura, pero para mí era mucho menos oscura que la primera" - Tim Burton

Al ser una película más oscura, la música vino a reflejar y a reforzar precisamente eso, por lo que los temas se hicieron más complicados y poco agradables en una primera escucha, prácticamente todo el score es un requiem para el Pingüino, con algunos momentos interesantes de acción dedicados a Batman y un tema bastante extraño (de hecho no llega a ser un tema) para la mujer vestida de gato. Sin embargo la música merece una segunda escuchada.



Batman Returns Suite [Nace un Pinguino / Creditos / Problemas / Finale]


¡Esto es Halloween!. A pesar de la experiencia algo agridulce de Batman Returns (la taquilla no fue la esperada, muchos le echan la culpa al tono oscuro de la pelicula) Burton y Elfman se fueron a Disney con un proyecto que Burton tenía en el tintero desde sus días como animador en la compañía del ratón Mickey. The Nightmare Before Christmas que se había originado de un poema que había escrito Burton inspirado por los trabajos del Dr Seuss (especialmente El Grinch) se convirtió finalmente en una película que aún hoy en día se ve como nueva, la verdadera prueba de que una película es un clásico es precisamente lo resistente que es al tiempo.

De todo el trabajo entre Burton y Elfman creo que este es el pináculo para los dos como equipo, no hay otra película donde ambos hayan hecho precisamente lo que planearon y donde el resultado final sea precisamente una expresión fidedigna de sus intereses y capacidades como artistas. Irónicamente y contrario a lo que se piensa, Burton no dirigió la película. Aunque el mismo supervisó todos los departamentos de la misma, quien terminó con la tarea de dirigir fue Henry Selick, quien tiene bajo su manga otras dos películas animadas importantes, James and The Giant Peach (1996) (basado en el libro de Roald Dahl) producida por Burton nuevamente, y Coraline (2009), una adaptación de la novela de Neil Gaiman.

Siempre he pensado que a pesar de que el origen de la película es indudablemente Burtoniano el trabajo de Henry Selick siempre es menospreciado o nunca mencionado, pero fuera de toda disputa autoral creo que Selick demostró con James... y mas recientemente con Coraline que parte de la magia que todavía mantiene The Nightmare Before Christmas también proviene de su labor.

En The Nightmare Before Christmas Elfman no sólo escribe la música incidental, sino que también escribe (junto a Burton) la letra de las canciones y finalmente tiene el privilegio de darle la voz (sólo en las canciones) al personaje principal, Jack Skellington.

"Jack Skellington siempre estará cerca de mi corazón. Finalmente un personaje con el que me puedo identificar. Que cantidad de trabajo dio esta película. Escribir y cantar en diez canciones y luego crear toda la música incidental que incorporara esas canciones...pero aún así el cielo para mi" - Danny Elfman.




The Nightmare Before Christmas Suite [Obertura / 'Esto es Halloween' / Jack y Sally / Creando la Navidad]

Ten Cuidado del Gran Dragón Verde. Hablando de ironías. Personalmente creo y mantengo que Ed Wood es la mejor película que ha dirigido Tim Burton. Es la única película donde todo, absolutamente todo esta balanceado (casting, actuacion, dirección, vestuario, fotografia, decorados, etc.). Ed Wood, es para mi la obra magna de Burton, y un canto al arte del cine en si, sin embargo quien había sido uno de los artífices de su carrera hasta ese momento no había tenido participación alguna en la película. Ed Wood es la primera película de Tim Burton (la otra sería Sweeney Todd, pero en ese caso es lógico ya que Burton decidió usar la música y canciones originales del musical) que no cuenta con música de Danny Elfman.

La tarea de darle el alma musical a la película sobre el peor director de la historia del cine fue Howard Shore. Quizás se pueda pensar que al no estar Elfman en este apartado la música de la película es el elemento menos cohesionado, pero nada más alejado de la realidad. La música que Shore compuso no sólo sirve para levantar la película mucho más allá de sus posibilidades, sino que además lo ha hecho sin renunciar a su estilo propio. Quien piensa que Shore llegó a su pináculo musical con la música de la trilogía del Señor de los Anillos es porque nunca habia escuchado esta banda sonora o cualquiera de los trabajos que hizo Shore para David Cronenberg (mmm, este podría ser otro post...)

Al escuchar la música de Ed Wood lo primero que podríamos pensar es que Shore hizo un score bien elfmaniano, pero al escuchar el trabajo posterior de Shore tal sospecha queda descartada. Y lo que es más, queda la incógnita de como hubiese quedado la música si en efecto la hubiese escrito Elfman. Nunca lo sabremos. En cuanto a Burton creo que esta película es un punto de inflexión en la filmografía de Burton, creo que hasta los momentos el director no ha hecho una película cercana a la perfección de Ed Wood

"En muchos aspectos es algo subjetiva, es el reconocimiento de que no hay un núcleo claro. Me limito a coger cosas y a tratar de proyectar una determinada clase de espíritu. La película es dramática, y tambien tiene cosas divertidas, pero no chistosas. Estoy con ellos. NO me río de ellos" - Tim Burton.




Ed Wood Suite [Créditos / No tengo Hogar / Elíseo / Eddie toma el control]


Venimos en son de paz. Luego de Nightmare... Burton y Elfman tuvieron un rompimiento del que nunca han querido hablar publicamente. Si fue una cuestion de egos o como dicen por ahi 'los que se pelean se aman', nunca lo sabremos. Lo cierto es que luego de Ed Wood regresaron a trabajar juntos para un proyecto que muchos consideran el punto más bajo de la carrera de Burton (mmm, bueno ese creo que sería Planet of the Apes, pero mas de eso luego).

La razón no es que Mars Attacks! sea una mala película, de hecho no lo es, es sencillamente ese tipo de trabajo que amas u odias. Y te gustará en la medida que aprecies el humor de la misma. Creo que en contra de Mars Attacks! jugaron en contra dos factores fundamentales. El primero que la película que la precedía era demasiado grande y demasiado buena, así que las expectativas eran por la medida pequeña, colosales. Y segundo que la película solo parece sostenerse por una premisa demasiado simple: los marcianos invaden la tierra. Eso es todo.

Otras cosas que creo que jugaron en su contra fue un cast demasiado diverso y que dado la naturaleza de la historia ninguno tiene tiempo para lucirse y segundo es la primera película de Burton que hace un uso extensivo de imágenes generadas por computadora. No entiendo cual fue la decisión detrás de esto (probablemente ahorrar algunos dolares) porque Burton ha sido siempre un amante de las técnicas tradicionales, de hecho según tengo entendido Burton quería hacer a los marcianos con la técnica de animación en stop-motion, imaginen el tiempo que hubiese tardado.

No obstante una de las cosas rescatables y en definitiva brillantes de la película es la música. Danny Elfman desde las primeras notas establece el tono sci-fi de los 50. Además de los coros que en esta ocasión están mejor usados que nunca.

Regresar a trabajar con el (Tim Burton) y hacer Mars Attacks! fue realmente algo especial. Sabes, cuando estoy haciendo la musica para una pelicula de Tim no se siente como un trabajo. Cuando estoy sentado alli pienso: Dios, ¿de verdad me van a pagar por esto?, es demasiado divertido como para considerarlo un trabajo" - Danny Elfman




Mars Attacks! Suite [Aterrizaje / Creditos / Experimentos inhumanos / Madame Marciana / El Discurso de Richie]

No pierdas la cabeza. Llegamos al final de la década (y del milenio) y Tim Burton la cierra con una película que verdaderamente sorprende al verla la primera vez, pero que luego de segundas revisiones comienza a mostrar sus costuras. En todo caso es un trabajo que sorprendió a muchos luego de que nadie diera nada por Burton debido a sus marcianos.

Una de las diferencias primordiales que se observan en Sleepy Hollow es el de su historia construida como un thriller, de "quien lo hizo" (o como lo llaman los gringos: who-dunnit) gracias en gran parte, y principalmente, al guión escrito por Andrew Kevin Walker (Se7en, The Game) es la primera vez (y única) que Burton se embarca en una historia de género como esta y donde todos los elementos estéticos que asociamos al cine de Burton estarán al servicio de la historia.

El guión de la película se basó libremente en la historia corta del novelista estadounidense Washington Irving, 'La Leyenda del Jinete sin Cabeza' que a su vez es una versión de un cuento del folclore alemán. La película es una de las más cuidadas de Burton en lo que refiera a fotografía, vestuario y maquillaje; Burton tomó como punto de partida las películas de la Hammer, es por eso que no sorprende ver en un pequeño papel al mítico Christopher Lee. La factura técnica es sencillamente colosal. Sin embargo por lo irregular de la historia a veces parece querer seguir los pasos del Dracula de Coppola y otras veces parece precisamente una pelicula de la Hammer.

La película es una de las mejores de Burton, pero ya no encontramos aquí aquellos elementos recurrentes de sus primeras películas donde el "freak"o paria es el centro de atención, por lo que el sentido de tragicomedia e incomprensión ya no están tan presentes en la historia. En ese sentido Ichabod Crane (Johnny Depp) sería lo más cercano a los viejos personajes de Burton. La película es más una experiencia de los sentidos, y en ese apartado en particular la música de Danny Elfman está de nuevo en el tope.

Una de las cosas agradables al trabajar con Tim es que el nunca te habla en términos musicales, siempre te habla en términos emocionales. Una vez que vi parte de la película terminada y observe la calidad surreal del paisaje, para mi el paisaje importa bastante, como en casi todas las películas de Tim. Desde ese momento supe que iba a ser bastante pesado el resultado musical pero como era una película de Burton también supe que seria divertida - Danny Elfman.




Sleepy Hollow Suite [Títulos / La Historia / La Terrible Muerte de Masbath / Mas Sueños]

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Asi con algunas decapitaciones terminaba la decada de los 90 para Burton y Elfman. El primero comenzaría el nuevo milenio con un proyecto intrigante pero con resultados bastante decepcionantes y, a manera de premonición, definitorio para lo que sería en gran parte el cine comercial de estos últimos 10 años, lleno de remakes, secuelas, etc. Elfman en menor medida, si lo comparamos con Burton, ha elegido algunos proyectos interesantes (ahorita se me viene a la mente el documental 'Standard Operating Procedure' de Errol Morris) pero en conjunto su trabajo de los últimos 9 años ha sido algo decepcionante, con algunos momentos de grandeza (Spider-man, Red Dragon, Wanted y The Family Man)

En cambio su trabajo en particular con Burton ha mantenido el nivel que demostró en Sleepy Hollow con sorpresas incluidas pero eso será ya cosa de la ultima parte de este especial. Nos vemos en la fábrica de chocolates.

Martin (George A. Romero, 1977)

Empecemos diciendo que Martin no puede definirse como una película de vampiros per se. Es cierto que la cinta trata el tema vampírico como tal, pero su enfoque dista mucho de ajustarse con felicidad dentro del subgénero. Esto no es una consecuencia de la cinta en sí, sino del tratamiento de su guionista y director: George Romero. Antes o después de ver Martin, el espectador precavido debe tener en cuenta esto: Martin es la película de vampiros de George Romero.

Romero ha invertido toda su carrera como cineasta en el mundo de las películas de terror, especialmente en el mundo de los zombis. Sus películas, además de usar el horror como herramienta, son en realidad un arma de doble filo y doble lectura, pues en todas ellas critica de soslayo aspectos de la sociedad contemporánea. Todas sus películas son un leer entrelíneas, un meta mensaje oculto detrás de un argumento de terror. Y ésta no es una excepción.

La película gira en torno a Martin, un adolescente disfuncional, traumatizado, quien padece de un trastorno de personalidad que le hace creer que es un vampiro. Dicho trastorno no sólo le convierte en un paria, en un inadaptado social, en un ser incapaz de conseguir amor o satisfacción sexual, sino en un psicópata que mata mujeres jóvenes para beberles la sangre.

En esta película no hay colmillos, ni capas, ni el vampiro posee poderes sobrenaturales. Con Martin, Romero hace en realidad una apología anti vampírica; de hecho este es el meollo del asunto, pues en la cinta se deja claro que “la magia no existe” y que las leyendas, crucifijos y ajos no definen lo que es ser vampiro. Martin es un ser desolado por sí mismo, por su enfermedad (vampirismo), por la sociedad, por su ingenuidad, por su maldad misma. Este es el prototipo del vampiro que el director nos presenta.

La cinta es considerada como una película refinada serie B. Fue filmada en el año 1976, en locaciones reales y con un bajo presupuesto. Incluso algunos miembros del equipo técnico y algunos familiares de estos figuraron como actores del filme. Es importante señalar que la selección de John Amplas como protagonista del filme resulta a todas luces acertada. A pesar de ser su primera incursión en el cine, Amplas representa muy bien la ambigüedad que caracteriza al personaje de Martin: es capaz de confundirnos hasta el punto de que no sabemos cómo va a reaccionar. Así nos entrega a una montana rusa emocional que pasa inesperadamente de la ternura y la ingenuidad al arrebato homicida, y viceversa.

Para su época, la película no contó con la aceptación o el entendimiento del público. Pero las simbologías son muchas y las lecturas infinitas. Es una cinta para pensar, para releerla, y por eso como película de terror puede llegar a aburrir profundamente. Quizás por eso para muchos se ha hecho un filme de culto y para otros una película de vampiros pesada como un ladrillo. La realidad es que con Martin no se trata de entretenimiento, sino de un ejercicio de desmitificación a todo nivel. George Romero se ha valido de la figura del vampiro para contar la historia de un enfermo mental con un claro fetichismo sexual por la sangre, para hablarnos sobre la sociedad de la época, para burlarse de la religión, la superstición y el interés general que inclina a los seres humanos a todo aquello que les produzca morbo. En realidad, Martin circunda en torno a la tragedia humana. Como la vida misma.



Vía / Der Vampyr

25 años de Danny Elfman y Tim Burton (Parte I)

Sinceramente no se me ocurrió un mejor título para este post, no por falta de interés sino porque sencillamente no hay nada nuevo bajo el sol que se pueda decir de Tim Burton y Danny Elfman.

El próximo 5 de marzo se estrenará lo que es su onceava colaboración (doce si consideramos a The Nightmare Before Christmas, pero yo no lo hago porque aunque esa película es indudablemente burtonesca, su director, Henry Selick (Coraline, Monkeybone), también tiene un gran mérito que rara vez es reconocido), una nueva adaptación de Alicia en el País de las Maravillas.

Otra de las razones para hacer este post tocan lo personal, para no empalagar mucho esto, una de las razones de mi devoción/obsesión/pasión por el cine son precisamente Danny Elfman y Tim Burton (si bien éste último ha decaído un poco en su que hacer, pero eso lo dejare quizás para otro post). Una de las primeras experiencas cinematográficas de mi vida fue ver Batman, sin saber que o como se hacía una película, la impresión que aquella película dejó en mi fue definitiva. Todavía recuerdo que al terminar no podía sacarme la condenada música de la cabeza.

Tim Burton vino a convertirse en una rara avis dentro del cine hollywoodense, un director que ha hecho las películas que ha querido, con el dinero suficiente y con la suerte (casi siempre) de hacer dinero en taquilla. Danny Elfman por su parte pasó de ser un completo desconocido (y bastante vilipendiado dentro del circulo de compositores de cine por no tener una instrucción académica como tal) en uno de los compositores de música de cine mas importantes e influyentes de los últimos 20 años.

Podría decir, a riesgo de sonar un poco más cursi, que he crecido con las películas de Tim Burton y con la música de Danny Elfman han sido 25 años de buena música y buen cine. No la mejor música ni el mejor cine, pero si el que más me ha gustado. No voy a personalizar más esto porque gracias a Dios este blog no me pertenece sólo a mi. He aquí un pequeño tributo a dos de los artistas que más admiro.

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Ese ladrón de bicicletas. La primera película de Tim Burton, largometraje si somos más específicos, fue precisamente la primera película en la que también trabajó Danny Elfman, si desestimamos que Elfman había escrito la música para la película de su hermano Richard Elfman, The Forbidden Zone, que es todo menos una película convencional.

En todo caso se podría decir que Pee wee's Big Adventure (1985) fue el estreno de estos dos monstruos. Personalmente creo que es uno de los mejores trabajos de Elfman, de hecho es una lástima que no haya hecho nada con la misma chispa y energía que transmite la música de Pee wee. Supuestamente Burton contrató a Elfman para la música después de verlo actuar con su banda, Oingo Boingo. Yo no veo la relación pues Oingo Boingo aunque incorpora ciertos elementos orquestales no tiene nada que ver con la música para Pee wee que es en cambio un tributo a todos los compositores de música académica y de cine que Elfman admiró durante su juventud como Nino Rota, Bernard Herrmann, Dmitri Shostakóvich, Sergei Prokofiev y Sergei Rachmaninov.

Elfman comentaría que:

"En Pee-Wee, yo quería que la música tuviera una sonoridad europea. La comedia hollywoodiense está ilustrada a menudo por un jazz de moda que no aporta gran cosa. Siendo Pee-Wee un personaje muy universal, me gustaba la idea de dar al film un color europeo."

Pee wee's Big Adventure Suite [Obertura / La Maquina de Desayuno / Sueño de Payaso / El Autocine]

¡Es hora del Show!. La segunda colaboración entre Burton y Elfman de nuevo dio como resultado una música todavía más extraña, en 1988 no había otro sonido similar en el cine comercial. Aparentemente Burton le dio todavía más libertad a Elfman para que desarrollara la música a su antojo.

De la experiencia Elfman diría:

"Esta, mi segunda película con Tim, es hasta el dia de hoy una de mis experiencias más satisfactorias, este fue un momento para relajarse y expandir musicalmente todas las salvajes ideas visuales que Tim creo para la película. Fue como una montaña rusa musical"

Es por eso que la banda sonora de Beetlejuice es una mezcla tan diversa que permite que saltemos de una música oscura en un momento al calipso en otro. Creo que al tono desenfadado que tiene la música es en mucho el reflejo de lo poco a lo que aspiraban con esta película tanto Burton como los productores, sin embargo la película resulto en un modesto y sorpresivo éxito de taquilla y convirtió a Burton en una promesa en su momento. Promesa que se vería cumplida sin ninguna duda con el próximo proyecto al que se enfrentarían.



Beetlejuice Suite [Creditos Principales / Finale]

Es hora de bailar con el Diablo bajo la Luna. La producción de Batman realmente inició en 1980 cuando a uno de los guionistas de Superman (Richard Donner, 1978) se le encomendó escribir un guion preliminar, la película que en el momento contaba con un presupuesto de 20 millones no vería la luz hasta después de 9 años cuando los ejecutivos de la Warner Brothers quedaron impresionados por el éxito (más de taquilla que de crítica en realidad) de las dos primeras películas de un joven director, para ese entonces desconocido, llamado Tim Burton.

Los fanáticos acérrimos del encapotado no podían creer que el director de Beetlejuice iba a ser el encargado de darle vida a Batman, primero fue la elección de Michael Keaton como el titular (una decisión de casting que hasta el mismo creador de Batman, Bob Kane, objetó en su momento) y luego que Burton decidiera eliminar a personajes emblematicos en el canon de la saga del Caballero de la Noche como el caso de Robin.

Otra de las suspicacias que levantó Burton durante el rodaje de Batman fue su elección del músico para hacer la banda sonora incidental del film, Danny Elfman (se le había ofrecido el trabajo de componer las canciones a ¡Michael Jackson! quien objetó por encontrarse en una gira, las tareas recayeron en Prince quien logró un resultado que todos los fanáticos de Batman queremos olvidar) que casualmente había sido el músico de sus otras dos películas que no tenían nada que ver con Batman.

En todo caso, yo y probablemente todos quienes vieron la película al momento de su estreno no creímos lo que escuchamos al iniciar los créditos principales. Las primeras notas son tan sencillas pero a la vez tan descriptivas, Batman tenia un tema. Un tema que nunca pude olvidar.



Obviamente que se tejieron muchas conjeturas en torno a la música que Danny Elfman escribió para Batman, una de mis favoritas es que supuestamente tenia secuestrado en su casa a un músico checoslovaco al que obligo a escribir el score. En todo caso la película resulto un éxito, una de las películas mas taquilleras de la historia y puso a Burton y a Elfman en el mapa. ¿Donde estaba ud. cuando explotó la Batman-mania?



Batman Suite [Creditos Principales / Arriba en La Catedral / Descenso al Misterio]


Piedra, papel o Edward. Luego del éxito de Batman, Elfman y Burton se reunirían para trabajar en una película de menor escala y que por consiguiente les daría mas espacio para hacer lo que quisieran, el resultado es quizás las película más lograda de Burton (pensándolo mejor, es la segunda mejor, el primer puesto es indiscutiblemente Ed Wood), Edward Scissorhands.

Una suerte de revisión del Frankenstein de Mary Shelley (ya Burton había hecho algo similar con su cortometraje Frankenweenie, 1984) que marcó el inicio de una relación actor/director entre Burton y su ahora actor fetiche Johnny Depp. Igualmente Burton trabajaría por última vez con la leyenda Vincent Price, actor por el que siempre ha expresado una profunda admiración; evidencia de eso son el cortometraje Vincent (1982), que Price narró y un documental en el que trabajó Burton llamado Conversación con Vincent Price, que probablemente nunca veremos ya que la inesperada muerte de Price lo dejó inacabado.

Esta es además, creo yo, la película mas autobiográfica de Burton, o no es Edward Scissorhands el personaje que más se parece a Burton de entre toda su filmografía, y no lo digo por el estilo del corte de cabello. Sino porque esencialmente en la historia de Edward encontramos a la del mismo Burton. El tipo raro que no encaja en la "normalidad" del mundo.

En esta Burton diría:

"...también las películas anteriores tenían al menos una parte de mí, pero en esta ocasión lo que hay dentro son muchos recuerdos personales de mi infancia y, en este sentido, es la que resulta más cercana de todas".

El score es igualmente según el propio Elfman uno de sus favoritos, no sólo en su trabajo con Burton sino de toda su carrera. La complejidad lirica de la banda sonora es desmedida, una verdadera obra maestra.





Edward Scissorhands Suite [Creditos Principales / Cuento de Hadas / Suburbios / Eduardo El Barbero / El Gran Final]

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En sólo cinco años Tim Burton se convirtió en algo así como una gallina de los huevos de oro. Financieramente hablando claro está, pero será justamente en la década siguiente donde demostrará verdaderamente su piel de artista, ese que toma riesgos en pro de una idea (Ed Wood).

Elfman por su parte se convertirá en uno de los principales artífices del nuevo sonido del cine estadounidense. En el siguiente periplo el compositor trabajaria con directores tan dispares como Gus Van Sant, Sam Raimi, Clive Barker, Ang Lee, Guillermo del Toro y Errol Morris.

La colaboración entre Burton y Elfman continuaria con una serie de trabajos mucho mas cercanos a las sensibilidades de ambos. Pero eso lo voy a dejar para la segunda parte.

BATMAN POST MORTEM

Gracias a mi amigo Armando Evora, editor y escritor del blog Videoguerrillas, me enteré de la existencia de Grayson, un corto escrito y dirigido por Jonh Fiorella, un desconocido (al menos para mí) que ha sabido cómo trabajar en torno a una idea argumental ingeniosa a través de un ¿formato? más ingenioso aún : el de los tráilers falsos. Con Grayson, Fiorella promociona el argumento de una película que ni se ha realizado ni se realizará: ¿Qué sucede luego de la muerte de Batman?

El tráiler, presentado en el año 2004 en la convención anual ComicCon en San Diego EE.UU, se ha hecho popular entre los seguidores del género comic.

A mí, que me mueve todo lo que tenga que ver con hoaxs, fanático además como soy de los tráilers falsos, me parece una delicia, no sólo por lo que implica per se (crear un tráiler de algo que no existe), sino por su calidad técnica y argumental. Además, el tráiler cuenta con su respectivo afiche falso e incorpora una trama nada tradicional en la que incluso otros superhéroes son parte del complot que produjo la muerte del enmascarado murciélago. El protagonismo recae en Dick Grayson, un Robin alejado de la construcción tradicional con la que se le conoce.

Abajo les dejo el tráiler.
(Gracias Armando).

TRAILER EN DOSIS. ZOMBIES.

Por Sergio Marcano

El terror sin duda es uno de mis géneros favoritos. Pero el subgénero de zombies subyuga mi imaginación y aterroriza mis sentidos.

Hoy comparto con los interesados 3 trailers de películas de zombies que, a mi parecer, prometen altas dosis de adrenalina y entretenimiento.

THE DEAD

Diririgida por Howard j. Ford y Jonathan Ford

La película en cuestión narra la historia del teniente Brian Murphy que se ve solo y sin equipo, asediado por infinidad de muertos vivientes, y como, cuando ya todo está perdido, recibe la ayuda de un soldado de la zona Daniel Dembele.
Juntos deberán hacer frente a las hordas de no muertos mientras buscan la salida del infierno que parece extenderse por todo el continente.



THE HORDE

Dirigida por Yannick Dahan y Benjamin Rocher

Al norte de Paris, un grupo de policías corruptos intenta vengar la muerte de uno de los suyos en un edificio que sirve de escondite para el gangster culpable. En medio del enfrentamiento entre ambos, algo inimaginable sucede, una horda de criaturas sanguinarias y caníbales invaden el edificio atacando salvajemente a todos. Inesperadas alianzas nacerán cuando vean su vida en peligro.



PORTRAIT OF A ZOMBIE

Director Bing Bailey.

Los zombies deambulan por las calles de Dublín. Un equipo de cine de Estados Unidos llega a Irlanda para hacer un documental sobre la familia Murphy, cuyo hijo mayor, Billy, se ha convertido en un muerto viviente. Pero los restantes miembros de la familia están empecinados en cuidar de él, para gran disgusto de los vecinos y el jefe de la mafia local. El equipo de documentalistas pronto se queda cautivado por como se desarrolla la historia de Billy…



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Sergio le agrego a tu post este trailer de una pelicula de zombies hecha en chile llamada Muerte Ciega. Definitivamente los zombies todavia presentan tantas posibilidades ahi tenemos un ejemplo reciente con Zombieland.

Muerte Ciega esta dirigida por Cristian Toledo y Lucio Rojas. Después de un accidente en una mina, una extensa área es afectada por un extraño virus que transforma a los humanos en territoriales animales violentos. Inmediatamente el área es puesta en cuarentena. Años después un grupo de mercenarios y científicos es enviado para investigar lo que realmente ocurrió.

Una Casa pa' maita y Hermano presentes en la web

Dos de los estrenos próximos del cine venezolano ya tienen su propia casa en la web.

El primero es la película triunfadora del último festival de cine de Mérida donde se alzó con lo seis premios más importantes, incluyendo Mejor Película, Mejor Dirección, Mejor Guión, Mejor Actriz Principal y de Reparto, Cheila, Una Casa pa' maita del realizador Eduardo Barberena.



La otra pelicula que estrena pagina web es el largometraje Hermano de Marcel Rasquin.



El estreno de Cheila... esta pautado para Abril (el estreno se movio de su fecha en febrero) al igual que el de Hermano el 26 de Febrero según leí en el twitter, si la fecha es otra por favor corrijan.

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Amorcito Corazón de Carmen Roa también ostenta su propia página.

Su Qi-Er [True Legend] (Woo-ping Yuen, 2010)

Probablemente el nombre de Woo-ping Yuen no le suene a mucha gente, pero este cineasta chino es el responsable detrás de las coreografías de artes marciales de películas populares como la trilogía de Matrix (Andy & Larry Wachowski, 1999-2003), Kill Bill Vol I & Vol. II (Quentin Tarantino, 2003-04), Crouching Tiger Hidden Dragon (Ang Lee, 2000) sólo por nombrar algunas.

Sin embargo la carrera de Woo se extiende por casi 40 años. En este tiempo Woo no ha sido solamente el responsable de dirigir secuencias de acción y artes marciales para películas chinas y estadounidenses, sino que también dirigió sendos clásicos del cine de artes marciales como Siu nin Wong Fei Hung ji: Tit Ma Lau [Iron Monkey](1993) y Jui kuen [Drunken Master] (1979).

La última vez que Woo dirigió una película fue precisamente la secuela de Iron Monkey hace ya 14 años. Luego de trabajar en varias películas estadounidenses y europeas, el que es considerado como uno de los pilares del cine de artes marciales y el cine de acción asiático en general, vuelve a ponerse detrás de las camaras en Su Qi-Er [True Legend].

Básicamente la película cuenta la historia de la leyenda que originó una de las variaciones del wushu (artes marciales chinas) conocida como el estilo del borracho o "druken fist" (puño borracho) o "drunken boxing" (boxeo borracho). True Legend viene a ser la segunda vez que Woo-ping Yuen trata el tema del estilo borracho de wushu. La primera vez fue en Jui kuen [Drunken Master] (1979) que constituía en ese momento su segunda colaboración con Jackie Chan.

Druken Master que se considera hoy en día como un clásico del genero, así como también una de las mejores películas de Jackie Chan, mostraba en su máximo esplendor el estilo drunken a su vez realzado por las dotes cómicas de Jackie Chan.Sin embargo Woo ha optado en True Legend darle un enfoque más histórico al origen del boxeo borracho.

Su Can es un joven miembro del ejercito imperial que decide retirarse a vivir con su familia a dedicarse a perfeccionar un nuevo estilo de arte marcial con la esperanza de poder abrir una escuela para enseñarlo. Sin embargo Su Can cae en desgracia debido a una conspiración ejecutada por su medio hermano quien movido por la venganza desea despojar a Su Can de su familia y sus aspiraciones. En todo caso el argumento de True Legend no es especialmente original.

Lo que si me pareció destacable es la forma en que Woo ha decidido contar la historia, para empezar la película tiene un ritmo pausado y las peleas (impresionantemente coreografiadas) son pocas si lo comparamos con la media de las películas de artes marciales actuales. De igual forma la estructura dramática es hasta cierto punto de la película anti climática.

La verdadera sorpresa de la película viene con un falso final que nos da acceso al verdadero climax de la historia, durante el cual el largometraje si se inscribe en los elementos más clásicos del género (con torneo incluido).

En el apartado de las coreografías de acción y peleas pues Woo sigue siendo un maestro. De alguna forma se las ha ingeniado para que los combates en la película parezcan nuevos y originales, lo cual es sorprendente debido a que Woo sigue trabajando con la técnica original de usar cables. Se pueden observar algunas mejoras hechas por computadora, pero en si las peleas siguen pareciendo reales, especialmente en los combates finales.

Este film aunque un wuxia (películas sobre artes marciales desarrolladas en la antigua China) en toda la regla, de alguna manera rescata ese viejo look de las películas de los Hermanos Shaw. De esa manera se ve como un volver a lo clásico (con un Pai Mei incluido), renunciando o abandonando de cierta forma la forma en extremo estilizada que habían tenido películas recientes como Ying xiong [Hero](Yimou Zhang, 2002) y la anteriormente mencionada Crouching Tiger Hidden Dragon.

Esta película es ademas una de las ultimas en las que David Carradine (Kill Bill) participó, de hecho, y aunque su papel es bien pequeño, la película esta dedicada a su memoria.



China/Hong Kong, Color, Film.
Dirigida por Woo-ping Yuen.
Escrita por Chi-long To.
Música: Shigeru Umebayashi.
Intérpretes: Man Cheuk Chiu, Jay Chou, Michelle Yeoh y David Carradine.

The Wolfman (Joe Johnston, 2010)

Ni siquiera el Hombre Lobo, el menos versionado de los monstruos de la Universal, se salva de esta ola de remakes que actualmente domina el cine más comercial, el proyecto prometía ser una nueva (e interesante) vuelta de tuerca de la historia clásica del licántropo, cuando Mark Romanek (One Hour Photo) iba a dirigir el guión de Andrew Kevin Walker (Se7en), sin embargo el largometraje terminó siendo una película que se nota atropellada y sin ningún riesgo, ni siquiera el mínimo que se le exige a veces a las películas de terror.

Sin embargo para la cantidad de problemas que se reportaron a lo largo de toda su producción (incluído un retraso en su estreno de casi dos años) The Wolfman es una pelicula bastante entretenida. Y el problema es quizás de nosotros como público y lo poco exigentes que nos hemos vuelto.

Pero para no entrar en detalles sobre gustos y colores, la película dirigida (en encargo) por Joe Johnston (Jumanji, October Sky) presenta algunos detalles que son destacables. En primer lugar la selección de los actores es interesante (Emily Blunt), extraña (¿Benicio del Toro?) y efectiva (Anthony Hopkins y Hugo Weaving). Entonces ¿por qué no hay una actuación destacada y por que parecen todos planos?. El problema principal podría deberse al guión, porque los personajes son casi, casi unos estereotipos. Los únicos que parecen habérsela pasado bomba son Anthony Hopkins y Hugo Weaving, que al final terminaron haciendo lo que siempre hacen.

Por parte de Benicio del Toro se le ve desganado y ¿aburrido?, y Emily Blunt no tiene practicamente ningun peso en la trama, y no hay nada mas triste que un personaje prescindible.

Dije anteriormente que quizás el problema es el guión; y llego a esta conclusión luego de ver los créditos y notar que ahora junto al nombre de Andrew Kevin Walker está David Self autor de los guiones para peliculas como Thirteen Days (Roger Donaldson, 2000) y Road to Perdition (Sam Mendes, 2002) quien para hacer algunos ajustes al guion de Walker.

El primer problema que tuvo la producción de The Wolfman fue que el director original, Mark Romanek, dejó el proyecto aludiendo a diferencias creativas con los productores. Especulando un poco, me imagino que la intención de Romanek era rodar esta nueva version de The Wolfman como una especie de thriller al estilo de por ejemplo la interpretacion que dirigió Tim Burton sobre la Leyenda del Jinete sin Cabeza (Sleepy Hollow, 1999) que casualmente también contaba con un guion de Andrew Kevin Walker.

Sin embargo la pelicula que tenemos actualmente no se parece en nada a Sleepy Hollow, no en la parte del desarrollo de su historia o su estructura dramatica. Pero claro es sólo una especulación. En cambio tenemos mas bien una película bastante lineal, sin mucho suspenso ni sorpresas, me imagino debe haber sido esta el aporte de Self al guion de Walker, y ahí creo que radica su mayor debilidad. Claro también hay que considerar que no existen muchas variaciones del tema del hombre lobo y como esto era precisamente un remake directo del clasico dirigido por George Waggner en 1941 no fue mucho a lo que aspiraron tampoco, se nota la falta de ambicion sobre todo en lo que a la historia se refiere.

Eso no impidió que se hiciera una película que visualmente atrae, desde la ambientación hasta la fotografía que si bien son bastante agradables a la vista, tampoco supone nada nuevo u original.

El otro detalle que si creo que merece una mención aparte es el maquillaje tanto para el hombre lobo como para las victimas de sus ataques. El encargado de esta tarea es el legendario Rick Baker, quien es por sus propios meritos (Baker tiene en su resumé la creacion de maquillaje para 6 peliculas sobre hombres lobo, asi que si hay alguien que sepa como hacer que este tipo de maquillaje funcione, es el) el que practicamente le da vida al hombre lobo, utilizando ademas metodos tradicionales de maquillaje fisico. SI pude observar que en algunas secuencias se utilizo algun tipo de efecto por computadora, pero en general la presencia del hombre lobo transformado se sintio bien real porque era precisamente Benicio del Toro debajo del maquillaje.

De todas maneras si quieren ver una transformacion que hasta el dia de hoy todavia mantiene su grado de impacto y su atencion al detalle remitanse a An American Werewolf in London (John Landis, 1981)



USA, Color, Film.
Dirigida por Joe Johnston.
Escrita por Andrew Kevin Walker y David Self.
Música: Danny Elfman.
Intérpretes: Benicio del Toro, Anthony Hopkins, Emily Blunt y Hugo Weaving.

Percy Jackson & the Olympians: The Lightning Thief (Chris Columbus, 2010)

Se acerca el final de Harry Potter, una de las franquicias mas rentables de los últimos años, tanto que la ultima adaptación del libro se hará en dos películas separadas. Hay que exprimir a esa gallina de huevos de oro hasta el final. Entonces es obvio que quedará un hueco en lo que a blockbusters se refiere para esta década. Es por eso que a lo largo de estos mismos años se ha visto como, sin muy buenos resultados, se ha intentado establecer una nueva franquicia similar a la de Potter [City of Ember (Gil Kenan, 2008), Eragon (Stefen Fangmeier, 2006) y The Golden Compass (Chris Weitz, 2007)]

Lamentablemente lo único que esas películas guardan en relacion con la saga de Harry Potter es su origen literario y sus elementos de fantasía porque la aceptacion de estas ha sido más bien fría. En mucho creo que tiene que ver con el hecho de que para las películas de Potter se han elegido a importantes directores que han traido su experiencia al resultado final (Alfonzo Cuarón, Mike Newell y Chris Columbus)

Por eso ante el inminente final de la franquicia del joven mago no era de extrañar que para este nuevo intento de establecer una nueva serie de películas recurrieran a alguien ligado a las películas basadas en los libros de J.K. Rowling. En este caso se dirigieron a quien fue uno de los cerebros gestadores de la misma, Chris Columbus.

Columbus que dirigió y produjo las tres primeras de la trilogía de Potter es el encargado de iniciar (?) la saga de Percy Jackson y los Dioses del Olimpo con Percy Jackson y el Ladron del Rayo basado en el primer libro de la serie escrita por Rick Riordan. Columbus no es ajeno entonces a este tipo de películas inclusive fuera de su trabajo para Potter ya había escrito el guión para The Young Sherlock Holmes (Barry Levinson, 1985) y dirigió la adaptación de la novela de Isaac Asimov, Bicentennial Man (1999).

Probablemente los productores pensaron que Columbus era el mas indicado para darle un empujón a este nuevo intento en copiar el modelo de Harry Potter (libros infantiles convertidos en bestsellers deberían garantizar una franquicia de películas exitosa, o no?). Obviando las diferencias entre publicaciones de ambas novelas (Harry Potter y la Piedra Filosofal se publica por primera vez en 1998, la película se estrena dos años después; mientras que Percy Jackson y el Ladron del Rayo [el libro] se publica en 2005 y son 5 años los que deben pasar para ver su versión fílmica), el resultado de esta película no está ni cercano al primer exito de la saga de Potter.

Aunque es obvio que con el auge de los efectos especiales este tipo de películas es precisamente un terreno más que idóneo para su despliegue, Percy Jackson falla irremediablemente en un apartado que mal que bien la saga de Potter ha sabido resolver efectivamente. Y esa es la historia como tal, que en el caso de Percy no atrapa ni emociona. No hay una verdadera construcción de personajes lo suficientemente efectiva como para que nos preocupe lo que les pasa.

La historia de Percy Jackson es una modernización, por así decirlo del mito griego de Perseo, pero a la vez hay otras variaciones y licencias literarias para hacer los relatos mas interesantes. No he leido los libros pero su transferencia a película me parece bastante fría y sin importancia. Es así como que no hay una verdadera intención de hacer una historia interesante, lo que me parece una verdadera atrocidad pues si estan, en pocas palabras, robando la riqueza de los mitos griegos le menos que podrían haber hecho es hilarlos de una manera ingeniosa. Sencillamente parece que no están tratando lo suficiente.

En todo caso la película es, como cabría esperar, una excelente muestra de las capacidades técnicas del cine industrial estadounidense. Pero a la vez es un perfecto ejemplo de lo poco arriesgados que son cuando tomamos en cuenta el apartado del guión.

Y es una lástima particularmente porque en lo que se relaciona al cast eligieron a algunos actores interesantes como Sean Bean (Boromir en la trilogía del Señor de los Anillos) quien aquí interpreta a Zeus, Uma Thurman bien desaprovechada como Medusa y Steve Coogan como Hades, Rey del Inframundo quien dura en pantalla tan poco que prácticamente se puede considerar su participación como un cameo.

Una de las cosas que básicamente me molestó es que Chris Columbus dirigiera una película tan fría. Si bien no es un maestro, bajo su ojo han sido filmadas varias películas que todavía mantienen algo de su frescura y si bien algunas son producto de su tiempo, son todavía más interesantes que esta última que ha dirigido.

De su filmografía rescato sin pensarlo aquella película navideña que convirtió a Macauley Culkin en una celebridad de la noche a la mañana, Home Alone (1990); Mrs. Doubtfire (1993) que si bien se basa enteramente sobre la actuación de Robin Williams tiene una dirección que nunca distrae, y controlar a alguien como Robin Williams no debe ser nada fácil. Y por último su debut como director Adventures in Babysitting (1987) en la que una jovencísima Elizabeth Shue pasa un rato infernal cuando lo que debió haber sido la fácil tarea de cuidar a tres niños deviene en una carrera por escapar de unos mafiosos en medio de la peligrosa noche de Chigago, una película que todavía conserva ese espíritu de las comedias estadounidenses de los años 80. Hasta un numero musical blues tiene la película.

Lamentablemente nada de lo que hicieron (y hacen) aún disfrutables a esas películas se encuentra por ningún lado en Percy. Creo que esta es otra franquicia que no pasara de la primera película. Espero que la otra película sobre el amigo Perseo que se estrena este año tenga algo mejor que ofrecer que esta blandengue adaptación moderna de su mito.

USA, Color, Film.
Dirigida por Chris Columbus.
Escrita por Craig Titley a partir del libro de Rick Riordan
Cinematografía: Stephen Goldblatt.
Música: Christophe Beck.
Intérpretes: Logan Lerman, Sean Bean, Pierce Brosnan, Uma Thurman, Rosario Dawson, Steve Coogan y Katherine Keener.

Carlos Azpúrua: “La trama de The Expendables justifica una posible invasión a Venezuela”

El cineasta venezolano Carlos Azpúrua (Disparen a Matar, Amaneció de Golpe, Mi Vida por Sharon) declaró para la cadena Telesur, que la película The Expendables, escrita y dirigida por Sylvester Stallone , “justifica una posible invasión a Venezuela, tal como ha sucedido con países árabes”.

The Expendables, próxima a estrenarse a mediados del presente año, es una película bélica interpretada por actores ampliamente reconocidos en el mundo del cine de acción: el propio Sylvester Stallone, Dolph Lundgren, Arnold Schwarzenegger, Jet Li, y Bruce Willis, entre otros. Su trama gira en torno a la incursión secreta de un equipo comando a un país de Latinoamérica, cuyo objetivo es acabar con la vida de un dictador.

“(…) En la trama se busca "terminar con la vida del dictador". Lo mismo con los "gobiernos que lo respaldan". La mención de Venezuela no se hace en el largometraje, pero en el sitio web de la película, además de hablar de "algún país de Latinoamérica" en la sinopsis, se muestra en su tráiler a soldados con boinas rojas, quienes pertenecen al ejército del "dictador" a asesinar (…)”, dice el artículo de Telesur.

Señala además el artículo que “(…) Otro caso similar es Avatar, de James Cameron, el país (Venezuela) es mencionado en los primeros minutos de la película. En este largometraje futurista, su protagonista, un veterano de guerra norteamericano, llega a otro planeta y le dice a los habitantes de éste que él venía de invadir a Venezuela (…)”.

Abajo les dejo la transcripción completa del escrito y el tráiler de la película en cuestión.

TeleSUR _ 10/02/2010
El guión está listo, las escenas grabadas, sólo un retraso en la postproducción impidió que se estrenara en abril ¿el 11?. El día no se menciona, pero sí el mes para un nuevo ataque internacional contra Venezuela.

En agosto será estrenado The Expendables, una película bélica ambientada en "algún país de Latinoamérica", dirigida y protagonizada por Sylvester Stallone y en la que participan otros actores conocidos por sus famosas actuaciones en rodajes de guerra y violencia.
La relación entre Venezuela y Estados Unidos, durante los dos períodos que permaneció Bush en la Casa Blanca, tuvo momentos de tensión, consecuencia de las políticas guerreristas y de intentos de invasión de Washington en el mundo.
Además, el apoyo y participación del gobierno de Bush al golpe de Estado contra el presidente Hugo Chávez en abril de 2002 hicieron aún más tensas las relaciones.

Desde la instauración en el país de la Revolución Bolivariana, los ataques internacionales contra Venezuela no han cesado. Las trasnacionales de la información y la prensa privada nacional son partícipes de estos, acompañados de otros medios, como la industria hollywoodense y empresas del entretenimiento virtual.

En la película de Stallone, el gobierno de "Estados Unidos, con ayuda de otras naciones, arma, en secreto, un equipo con su personal militar más capacitado para derrocar a un dictador que ha causado estragos en algún país de América Latina durante más de 20 años", se desprende en la sinopsis publicada en el portal que publicita ese largometraje.

La justificación es porque ha violado la política exterior. En la trama se busca "terminar con la vida del dictador". Lo mismo con los "gobiernos que lo respaldan".

La mención de Venezuela no se hace en el largometraje, pero en el sitio web de la película, además de hablar de "algún país de Latinoamérica" en la sinopsis, se muestra en su trailer a soldados con boinas rojas, quienes pertenecen al ejército del "dictador" a asesinar.

El cineasta venezolano Carlos Azpúrua advirtió que "están preparando el terreno. Esta película tiene elementos bien claros y simbologías precisas que hacen analogía con Venezuela".
Azpúrua manifestó que no ha visto The Expendables, pero sí señaló que está al tanto de la trama de este largometraje y destacó que el cine es una herramienta de "penetración ideológica". Y, especialmente el estadounidense, "nos ha penetrado con este tipo de películas que justifican una invasión con personajes emblemáticos".

"La trama de esta película justifica una posible invasión a Venezuela, tal como ha sucedido con países árabes", dijo el creador venezolano.
Azpúrua además detalló que la industria cinematográfica estadounidense entretiene "preparando el terreno de acciones políticas y militares".

Este tipo de películas, argumentó el director del filme Amaneció de Golpe, es un anticipo comunicacional:"Condiciona al espectador para asumir de manera pasiva la invasión a un país. Le da lógica a la invasión".

"Éste (The Expendables) es el ejemplo más burdo y evidente de lo que ha sacado la industria norteamericana", indicó, y ante esto, apuntó que el Estado debería actuar, "sobre todo en una situación política, nacional e internacional, como en la que vivimos".

"Entender el cine norteamericano es entender al modelo norteamericano", añadió.

Antecedentes

Venezuela es un importante exportador de petróleo a Estados Unidos. En 2006 se anunció la salida del videojuego Mercenaries 2: World in Flames, de la empresa estadounidense Pandemic Studios.

La misión del jugador, encarnado en un soldado de tipo caucásico, es la de derrocar a "un tirano hambriento de poder que altera el suministro de petróleo del país suramericano, desatando una invasión que convierte al país en una zona de guerra", citan en la presentación del juego, en su sitio web, sus creadores.

En Mercenaries 2 las escenas tridimensionales trasladan a paisajes urbanos, selváticos e instalaciones petroleras, evidentemente de las zonas donde se extrae crudo venezolano y de Caracas, la capital venezolana.

Incluso, en una imagen de la capital venezolana con edificios derribados tras un ataque, se puede ver una sede de la petrolera estatal Pdvsa con el logo original de la empresa.

Otro caso similar es Avatar, de James Cameron, el país (Venezuela) es mencionado en los primeros minutos de la película. En este largometraje futurista, su protagonista, un veterano de guerra norteamericano, llega a otro planeta y le dice a los habitantes de éste que él venía de invadir a Venezuela.

Emma Grand/ABN



Vía / ABN

BESTIARIO CINEMATOGRÁFICO VENEZOLANO. CUARTA PARTE: EDITORES Y MONTADORES

Por Sergio Marcano

En la creación cinematográfica hay tres grandes etapas claramente definidas.

La primera es la escritura del guión, en la cual el director –y si acaso un guionista- definen lo que será la película en cuestión, temática, argumental y narrativamente hablando.

La segunda etapa es el rodaje en la cual todo se hace real, día tras día actores, fotógrafos, sonidistas, directores de arte, vestuaristas, maquillistas –entre muchos otros- hacen realidad las escenas planteadas, hasta que se completa la totalidad del argumento, esto por supuesto bajo presión y rápidamente.

Y la tercera etapa, que es la que nos compete hoy en día, donde se ordena y se da coherencia al material filmado.

En esta etapa, que suele ser la labor de unos pocos –normalmente el montador y el director-, se reparan los eventuales errores cometidos en las fases antes mencionadas tanto en el guión, lo que puede implicar desde supresión de escenas, hasta -en los casos más extremos¬- a la reestructuración completa del concepto narrativo; del mismo modo con el material obtenido en el rodaje se hacen reencuadres, se procuran corregir las voladas de ejes, se decide si se agregan o no las improvisaciones de los actores –unas palabras que no estaban en el guión, una reacción emocional que no estaba prevista, un gesto, una mirada que cargue o desprenda de sentido-; además se define el ritmo de la película -lo que incide directamente en la atmósfera narrativa con la que se cuentan los acontecimientos-, se crean las transiciones que no fueron pensadas en el guión o en el rodaje y un gran etc. Es decir estamos ante una de las etapas más creativas del proceso cinematográfico, en la que se le da la forma final a la película en cuestión.


En Venezuela, por razones que desconozco, esta es una labor mayormente realizada por hombres, pero en cualquier caso, sea hombre o sea mujer los que se dedican a esta profesión siempre terminan estando enmarcados entre uno de dos grupos claramente definidos: o son EDITORES, aquellos que sólo pegan los planos guiados por la voz del director –en algunos casos también del guionista- ó son MONTADORES, aquellos que tienen la habilidad y/o la capacidad de hacer propuestas narrativas y estéticas.

En no pocos casos este personaje termina por convertirse en el confidente más cercano del director, en una especie de psicólogo, alguien que con mucha paciencia le ayuda a superar y/o digerir –esto depende directamente de la película en cuestión- sus inseguridades con el filme.

En muchos casos el problema fundamental de los profesionales de esta área radica esencialmente en la rapidez con la que el aislamiento, la comodidad de la sala de edición, del aire acondicionado y la comodidad de los horarios -que en los casos del trabajador freelance pueden llegar a ser muy flexibles- termina por subirle los humos a la cabeza.

En el fondo, sin exageraciones de ningún tipo, estamos ante una de las labores más subestimadas y menospreciadas de la cinematografía nacional, quizás por su gran parecido con el trabajo del guionista y al del mismo director.

Manos derechas estéticas y arguméntales de todos aquellos que quieran o tengan la capacidad de escuchar sus sugerencias y consejos. Un personaje esencial al que puede amarse o despreciarse día tras día, una criatura muy particular y sin duda esencial dentro de la comunidad audiovisual y cinematográfica venezolana: LOS EDITORES Y MONTADORES

EL ZOMBIE:
A este personaje no le gusta pensar.
No es capaz de aportar soluciones narrativas, ni estéticas.
El director y/o el guionista tiene que convertirse en su sombra y sobre su hombro dictarle todos y cada uno de los cortes y las transiciones.
Sus conocimientos sobre narrativa son nulos.
No le interesan las películas, ni los documentales, ni los comerciales.
Hace este trabajo como podría hacer cualquier otro, esencialmente por dinero.
Puede ponerse de mal humor muy fácilmente.

EL NARRATIVO:
Es un as de la narración.
Capaz de reformular y proponer estructuras narrativas.
Aporta soluciones.
Transiciones.
Buen ritmo –lo que incide directamente en el tono y la atmósfera del resultado-.
Normalmente los productos que edita tienen un buen terminado y un look audiovisual más que decente.
No sabe nada de la técnica y no le interesan las nuevas tecnologías, ni las nuevas plataformas -una característica que para algunos profesores de la cátedra de edición de la EICTV era inherente a muchos de los buenos montadores a nivel internacional, imagino por sobretodo a aquellos que les había tocado la transición de plataformas lineales a no lineales, aunque sin duda eso no es una limitante para no conectar con las nuevas tecnologías-

EL GREMIALERO:
Siempre esta buscándole la quinta pata al gato.
Una salida tarde, un almuerzo atrasado, un cheque que no llega a tiempo. Todo es potencialmente material para una querella con sus jefes de turno.
Y aunque en no pocas ocasiones tiene razón –ya muchos de los directores venezolanos no son precisamente ejemplos de rectitud y responsabilidad para con sus trabajadores-, su actitud no le favorece ni entre sus amigos, ni entre sus contratistas.
Normalmente lleva su comida en un pote topperware.
Llega a las 8 a.m.
Come a las 12 en punto.
Y sale de su trabajo a las 5 p.m.

EL RETRECHERO:
Este personaje se sabe manejar medianamente bien en la narrativa y muy bien en lo tecnológico.
Lleva años en el medio y se ha ganado su espacio con trabajo y con esfuerzo.
En apariencia es una persona tranquila, llevadera.
Pero eso es sólo apariencia. La verdad es que no soporta la competencia, a tal punto de que es capaz de quedarse en las oficinas hasta altas horas de la noche, justo cuando ya no hay nadie, para meterse en las computadoras de sus compañeros de trabajo y así des-seleccionar los settings del scratch disk –las carpetas en los que se guarda la información en los discos duros- para que al día siguiente se pierdan todos los avances estéticos y narrativos en los que trabajen sus compañeros.
Además de eso puede llegar a alterar, el timeline –la mesa de trabajo- para desarticular el orden del trabajo, sembrando cuadros negros, fueras de sincro, etc.
En ambos casos el fin es el mismo: poner zancadillas y así ser él, el único que brille a la hora de las entregas.
Con su doble cara siempre estará dispuesto a ayudar a solucionar los problemas técnicos que tengan sus compañeros de trabajo.
Un personaje que te empuja día tras día a la paranoia.
Sin duda un personaje de cuidado.

EL HIPPIE POST MODERNO:
Normalmente suelen ser personajes muy afables, de buena conversa y grata compañía.
Su jornada laboral dependiendo del día -y de la tensión que se acumule- es interrumpida cada dos horas, cada hora, cada media hora.
Al principio nadie sabe a donde va.
Poco a poco el misterio es develado.
Va al baño, a la azotea, al tras patio, al medio de la calle, a la acera de en frente, a su carro; allí se da un shot –con pipa de metal- y/o se fuma un porro, y regresa a la oficina.
Mary jane siempre está con ellos.
En su ropa interior, en sus zapatos, medias, bolsillos de pantalones, chaquetas, camisas, sombreros, carteras, cuadernos, bolígrafos, bolsos y por supuesto en sus cerebros.
En donde menos te los esperes tienen un stock o una reserva que siempre está dispuesto a compartir en una especie de ritual colectivo cargado de mucha buena onda.
Suelen ser muy creativos en lo que respecta a la edición, normalmente son trabajadores comprometidos, pero algo lentos y bastante dispersos.
Su fuerte son los efectos gráficos y los acabados envenenados en el más puro estilo del video clip contemporáneo.

EL TECNOLOGICO:
Es un adicto apasionado de las nuevas tecnologías, de los nuevos formatos, de las nuevas plataformas.
Se sabe todos los detalles técnicos y los que no sabe los averigua y los resuelve.
No se le escapa nada en este plano.
Pero cuando el director le pide que aporte soluciones narrativas y/o estructurales simplemente no sabe resolver.
Aun así su actitud es normalmente altiva, ya que en su fuero interno piensa que la narrativa es algo irrelevante.

EL EDITOR DE LOS MILAGROS:
El José Gregorio Hernández de los editores.
Este hombre es capaz de levantar a los muertos, de enderezar a los árboles torcidos, de corregir todos los desaciertos y errores perpetrados por los directores, fotógrafos, scripts, actores, sonidistas, y un gran etc.
A su oficina llegan ofrendas de todo tipo, de chocolaticos a cestas de frutas.
A diferencia de los santos católicos o paganos este santo del cine contemporáneo cobra bastante caro por sus servicios.
Aun así, por razones obvias, es el editor preferido por los cineastas venezolanos.

EL SINTETICO:
Este personaje es un desastre.
Está enfermo –y esto no es una apreciación moral-.
No da un paso si no tiene coca, jarabe, o alcohol –o todas las anteriores- en su organismo.
En la ofician comienzan a perderse cosas, pequeños valores, dinero de la caja chica, objetos de sus compañeros de trabajo, cosas que en un principio pasan desapercibidas.
Nunca llega a las horas pactadas, siempre está trasnochado, su trabajo, aunque creativo, nunca está listo a tiempo.
La relación laboral con sus “patrones” nunca termina bien.

EL TEMPERAMENTAL:
Este tipo siempre anda arrecho.
Porque está a dieta.
Porque no le alcanzan los reales.
Porque aún vive con su mamá.
Porque no tiene mujer.
Porque su mujer es una cuaima.
Porque Chávez.
Porque la oposición.
Porque se levantó con el pie izquierdo.
La sala de edición es normalmente su cuadrilátero.
La edición con este personaje termina por ser un calvario.
Su ego es bastante grande.
No le gusta recibir directrices.
No le gusta que le contradigan en los cortes que propone.
A pesar de todo es un trabajador comprometido y muy responsable.

EL SEDUCTOR:
Este(a) editor(a) es un lince.
Todo lo que pasa por su sala de edición –mujeres y hombres por igual- se los pasa por el filo.
Su táctica es muy efectiva.
Consiste en ganarse la confianza y en hacerse imprescindible.
Primero destruye la autoestima del director(a) en cuestión evidenciando todos los errores que se cometieron durante la concepción del guión y después en el rodaje -un panorama que casi siempre es apocalíptico- y lo(a)s directore(a)s caen en depresión.
Luego EL SEDUCTOR poco a poco les aporta soluciones, les libera de responsabilidades y les hace ver que sólo con su ayuda podrán llevar la película a buen puerto.
Así, se queda con ello(a)s hasta horas insólitas, lo(a)s deja dormir en su cómoda sala de edición y se convierte en su mejor amigo y aliado.
Poco a poco lo(a)s directore(a)s bajan la guardia y caen rendidos a la calidez de sus palabras, a la solidez de sus argumentos y se entregan en sus manos expertas.

Y bueno, hasta aquí nos trajo el rio en este rubro y por esta oportunidad.
¿Les parece reconocer alguno?
¿Les parece que exagero o miento?
¿Creen qué hablo desde mi resentimiento, mi soberbia?
¿Qué tengo la razón?

Todo es posible. En todo caso, -como siempre- les dejo claro que estas palabras, comentarios y reflexiones, son sólo el fruto de mi experiencia e impresión personal –que he ido formando con el paso de los años de trabajo- acerca de este medio criollo que tenemos. Para nada pretendo alzarme con la razón.

Así que una vez más les invito a todos los que lean estas líneas a descubrir por ustedes mismos la verdad –si es que algo como eso existe- sobre EDITORES Y MONTADORES de este medio haciendo cualquiera de las fases de la postproducción de una película de ficción o documental venezolana de hombro a hombro a su lado, o quizás, simplemente a hablar con cualquier de ellos en cualquier estreno, foro, clase o pasillo donde estos se encuentren pululando.

Entonces serán ustedes los que me contarán su impresión.

CONVOCATORIAS 2010 (Segunda entrega)

Tal y como anunciamos hace una semana, El Cinescopio trae a ustedes algunas de las convocatorias abiertas para el primer trimestre del año.

SKIP CITY INTERNACIONAL D-CINEMA: Largometrajes de mínimo 70 minutos de duración.
Dead line: 01 de marzo.

FESTIVAL DE CINE DE HUESCA: Convocatoria para documentales de máximo 40 minutos de duración y Cortometrajes de máximo 30 min.
Dead line: 01 de marzo.

SHORT FILM DEPOT: Cortometrajes de máximo 30 minutos.
Dead line: 01 de marzo.

INTERNATIONAL FILM FESTIVAL PORTUGAL: Convoca a todos los géneros.
Dead line: 12 de marzo.

CINEMA JOVE VALENCIA: Sólo para cortometrajes de máximo 30 minutos en formato de exhibición 35 mm.
Dead line: 15 de marzo.

FESTIVAL DE CANNES: Para participar en competencia los cortos requieren de 15 min. Y los largos de más de 60 min.
Dead Line:

BBC MYWORLD: Documentales de 2 minutos con el tema Mi Mundo. Se entrega equipo semiprofesional de video como premio.
Dead Line: 05 de marzo.

Ya no hay excusas, a ponerse las pilas y medirse. ¡Suerte!

Women in Trouble (Sebastián Gutierrez, 2009)

El nuevo esfuerzo del venezolano Sebastián Gutierrez, radicado hace bastante tiempo en EEUU es una "comedia independiente" de bajo presupuesto o por lo menos esa sería la forma mas natural de definirla en pro de clasificarla y promocionarla, sobre todo si consideramos que su mercado natural es precisamente el llamado "circuito independiente" de habla inglesa. Pero la película podría ser mucho más.

Yo creo que de repente Sebastián Gutierrez tiene arraigada todavía esa forma de pensar del venezolano, especialmente en lo que a escritura dramática se refiere, y mas particularmente para un medio como la televisión, porque vista desde otro angulo el ultimo largo de Gutierrez es simple y llanamente una telenovela comprimida en hora y media.

Sin embargo quiero decir que personalmente no me desagrado el largometraje como tal. Sebastian Gutierrez esta escribiendo mejores guiones, y creo que le va mejor esto de la comedia de situaciones que esa vena que tiene por el terror, hay que recordar que el venezolano no sólo ha escrito los guiones de sus 5 largometrajes (uno de ellos directamente para television) sino que también ha escrito los guiones para varias peliculas, especialmente en el genero de terror por así decirlo (no creo que Snakes on the Plane sea una película de terror propiamente dicho)

Women in Trouble (o Mujeres Problemáticas, si de verdad fuese una telenovela de Venevision por ejemplo) sigue las historias de varias mujeres que se conectan directa o indirectamente a lo largo del metraje. Asi que veremos a una psicóloga lidiar con la infidelidad de su esposo con una de sus pacientes, el escape de dos prostitutas de unos matones de la mafia, el reencuentro de una madre con su hija luego de haberla dejado al cuidado de su hermana por más de 13 anos (en serio, asi va la cosa) y la sacudida emocional que sufre la actriz porno Elektra Luxx (Carla Gugino) al enterarse que está embarazada.

Y es en esta última historia donde voy a quedarme, primero porque ciertamente es la que hila toda la película, comenzamos con Electra y terminamos con ella y segundo porque de todas las historias es la se me antoja más interesante. Y no soy yo el único que piensa de esta forma, sino no veo porque Sebastián Gutierrez decidió hacer una secuela enfocada únicamente en la historia de Elektra.

La secuela de Women in Trouble titulada precisamente "Elektra Luxx" se estrena este año en el Festival de Cine de Austin y segun lo que se puede ver por allí es la segunda de una trilogía que cerrara con la provisionalmente titulada "Women in Ectasy" que debería estrenarse en 2011.

Ahora bien como decía anteriormente, creo que Sebastián Gutierrez tiene un talento para escribir personajes y situaciones, especialmente cuando se trata de géneros como el drama, la comedia o la tragicomedia en el caso de Women in Trouble. Sin embargo resulto bien efectivo su debut con el thriller Judas's Kiss (1998).

De todas maneras me gustaría ver que puede hacer Sebastián Gutierrez con mas presupuesto y otros actores. Y no es que el cast de Women in Trouble sea un desperdicio, aparte de Carla Gugino (como la atractiva Elektra Luxx) que si bien no es una superestrella siempre es una presencia agradable en pantalla, también destaca en la cinta Josh Brolin (No Country for Old Men, W, Milk) pero en un papel casi anecdótico. Y Gutierrez demostró desde temprano que puede trabajar con actores mas curtidos, de eso esta la prueba en Judas Kiss con la dupla insuperable de Emma Thompson y Alan Rickman.

Otro detalle interesante que pude observar es que Sebastián Gutierrez parece guardarse para si mismo (como director) los guiones menos ambiciosos, hablando específicamente del presupuesto. Gutierrez ha sido autor de los guiones de Gothika (Mathieu Kassovitz, 2003), The Big Bounce (George Armitage, 2004), Snakes on the Plane (David R. Ellis, 2006) y The Eye (David Moreau & Xavier Palud, 2008).



Aqui les dejo una ñapita.



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USA, Color, Video Digital.
Escrita y dirigida por Sebastián Gutierrez.
Cinematografía: Cale Finot.
Música: Robyn Hitchcock
Intérpretes: Carla Gugino, Adrianne Palicki, Josh Brolin, Simon Baker, Joseph Gordon-Levitt.