Raúl Perrone: "No se necesitan grandes cosas para hacer una película".

Hay hombres que uno admira y punto. Hombres que logran donde otros sólo piensan, sueñan o intentan. En lo personal, en lo que concierne al cine, pienso que uno de ellos es Raúl “El perro” Perrone, un inclasificable del filme, un cineasta y listo, un filmador al que ya ni siquiera, como lo hice alguna vez, me atrevo a llamar exponente del cine independiente, del cine guerrilla, del cine de bajo presupuesto. Ya me lo había dicho él mismo en una ocasión con palabras más o menos como estas: Vicente, son puras etiquetas, no se debe pensar en eso del cine independiente, de bajo presupuesto, sólo se debe pensar en hacer cine. Y tenía razón. Por eso es que a El Perro no puedo encasillarlo, por eso es que en esa libertad suya, en ese hago el cine que me da la gana con lo que tengo, muchos le admiramos y consideramos entre los importantes del cine latinoamericano.

Yo a El Perro lo descubrí tarde, en el 2008. Su historia es larga y yo siempre me quedaría corto si intentara narrarla. Para saber de él y su trabajo pueden visitar su web, leer los cientos de artículos que hay en el internet sobre su trabajo y echarle un ojo a tres escritos que he publicado en este blog, todos sobre él y su cine: El Decálogo de El Perro, Hoy en día es más fácil hacer una película que mostrarla. ENTREVISTA A RAÚL PERRONE y, BONUS TRACK. El regreso de Perrone.  En todo caso, más que leer sobre Perrone, recomiendo ver sus películas.

En esta entrada transcribo textualmente el corazón de una conversación que tuve con él hace unos días por Skype.  Al final también les dejo SEM, su último corto.

Al otro Lado: Cine de Terror Venezolano

Hace muchos años pasé por el pueblo petrolero Anaco, ubicado en el estado Anzoátegui. En aquel momento se me hizo, como todas nuestras localidades petroleras, un lugar muy rudimentario y primitivo, lleno de una pobreza que daba al traste con la riqueza que implica la explotación minera.

Hoy, gracias a la maravilla tecnológica que significan las redes sociales y el Internet, he descubierto otra riqueza: “Al Otro Lado” ópera prima de Luis Antonio Cerasa, junto a un equipo oriundo del lugar.

Según destaca en su blog Luis Cerasa, Al Otro Lado narra la historia de: “Un grupo de chicos quienes coinciden en sus incontrolables locuras juveniles, se proponen hacer una fiesta aprovechando el final de sus estudios de secundaria en una casa desocupada que está en venta desde hace algún tiempo por la extraña desaparición de sus dueños.

Desde hace diez años la policía no han tenido información del paradero de los dueños de la casa, la señora de servicio y su hija. La prensa sigue presionando y las autoridades designan a un especialista en investigaciones especiales para resolver el caso, el inspector jefe Víctor Rodríguez. El nuevo jefe reúne a un grupo de oficiales con el claro objetivo de resolver el caso.

El alcohol y los celos hacen estragos en la fiesta juvenil y algunos de los chicos entran en la casa en busca de intimidad para resolver las diferencias sin pensar que su osadía se convertirá en una pesadilla al abrirse dentro de la vieja mansión una conexión con otra dimensión de existencia desconocida. Ahora deberán superar el umbral de la razón y emprender una verdadera lucha por sobrevivir”.

Para el autor, el filme persigue la socialización del cine en pro de una realización que pertenezca no sólo al director y/o productor, sino también a su público y al gran colectivo que lo hace posible.

En lo personal me ha impresionado gratamente el trailer, impregnado de realismo y suspenso. Aquí se los dejo para que lo disfruten:



Ficha técnica:

Producción y Dirección general: Luis Antonio Cerasa, Director de Arte: Enio Velásquez, Director de Fotografía: Carlos Pedras, Maquillaje: Walter Sotomayor y Karla Verdi, Efectos especiales de Maquillaje: Samuel Cochrane, Erick Cochrane y Karla Verdi. Efectos especiales digitales: Roberto Mardini, Alvari Quiaro y Eduardo Medrano. Productor Musical: Unai J. B. Uriarte, Guión Original: Luis Antonio Cerasa, Adaptación del Guión: Ronald Rodríguez.

Jefe de Producción: Héctor Carrasco. Productoras: Vanessa Labarca, y María Teresa Uriarte. Productores de campo: Ariana Hernández, Leoher Luis Hernández, Juan Ramos. Logística: Cristian Ramos, Asistente de Producción: Yuneibys Moreno, Francisco Osuna y Marly Carrasco. Vzla, 2010.

Cine y Responsabilidad Social

¡Como cineastas creemos que nuestro trabajo va a influenciar a todo el mundo! Si no, ¿para qué es que queremos contar nuestras historias?

Recientemente, como ya los lectores de este blog están al tanto, yo y mi equipo de trabajo, decidimos hacer un video para contarle al mundo como nos sentimos con respecto al derrame de petróleo BP en el Golfo de México.

Este video inspiró la creación del website WhatAreYouDoingToHelp.info (todavia en construcción) para reconocer y honrar la gente e instituciones que están haciendo algo por ayudar. En las próximas semanas, el website se irá poblando de mini documentales en este tema: ¡La Ayuda!

¡Como comunicadores, cineastas, cuentacuentos, tenemos una responsabilidad con la sociedad! No estoy diciendo que por cada cosa que uno quiera decir hay que hacer un video, pero sí creo que cuando ocurren desastres e injusticias de gran magnitud, nosotros como artistas y productores, debemos pararnos y hacer sentir nuestro punto de vista.

Aquí está con ustedes nuestros resultado final: Oil Splash. Así me siento yo. Si te gusta, y te sientes así, por favor, comparte el video con todo el que conozcas, ponlo en tu website, en tu blog, en tu twitter y en tu facebook. Hazlo de tus favoritos en YouTube! Ayudanos a llegar a todo el mundo!

La empresa del Cine - por Javier Perez-Karam

Por Javier Perez-Karam


El cine para muchos es considerado un arte, para otros entretenimiento, y para el cineasta, pues, una forma de vida. ¿Qué hacemos cuando esa forma de vida se convierte en una empresa?

Antes que nada, permítanme presentarme. Este es mi primer post para El Cinescopio. Mi nombre es Javier Perez-Karam, soy venezolano de crianza, y estoy residenciado en Nueva York desde hace ya 8 años. He producido dos largometrajes, uno documental (Metralleta, 2007) y otro ficción (SubHysteria 2010), además de un sin número de cortos, comerciales, corporativos y demás. También dirijo y edito, y desde hace ya 6 años es la imagen en movimiento la que me ha alimentado. Estuve indirectamente involucrado en Bloodbath Test, el primer largo de los Hermanos Forte.

Como casi todos los cineastas que conozco, llegue al oficio por puro amor a la historia, a la forma cinematográfica. Ese romance es lo que me mantiene en este camino. Pero muchos han sido los momentos que he tenido que dejar a un lado el corazón y pensar con la cabeza, y con lo poco que he aprendido de negocios.

¡Hacer una película cuesta un dineral! Las más económicas (bajo presupuesto) pueden costar entre 1 y 5 millones de dólares. Las mucho más económicas (conocidas como las micro-presupuesto) puede salir entre 10 y 200 mil dólares. Estas últimas tienen a ser iniciativas ignoradas o críticadas por las masas, contando con un público mucho más reducido (como sus presupuestos).


He descubierto que para hacer una película, no sólo se debe ser un gran artista sino también un empresario, si no de los mejores por lo menos por encima de la media. Hay que hacer proyecciones de taquillas, hay que conseguir un abogado y un administrador, hay que hacer un Plan de Negocios para convencer a potenciales inversionistas de que su dinero dará optimos resultados y, aún más importante, que generará un retorno.


Ahora veo las películas con otro ojo. Las veo ahora sabiendo que muchos artistas han tenido que sacrificar mucho de su visión para poder hacer sus proyectos una realidad. ¿Eso significa que son menos artistas que los que no han sacrificado nada? Pues yo todavía no conozco a ningún cineasta que no haya sacrificado (he leido de algunos, pero todavia no les conozco). Yo creo que el sacrificio los legitimiza más como autores, que poco a poco tendrá que hacer menos concesiones a la gente con los reales.


Para mi ha sido sumamente difícil lidiar con el aspecto empresarial del cine. Algunos me han aconsejado aplicar a becas o ayudar gubernamentales. Mi investigación me ha hecho pensar que al final es un poco de lo mismo. Hay que escribir una propuesta, que se parece muchísimo a un Plan de Negocios, con la diferencia que a estas instituciones no les interesa la taquilla tanto como les interesara otras cosas, pero al final todos tienen un interés, que normalmente no es el mismo del artista.


Así que sí, yo soy cineasta primero, y me he convertido en empresario. Es probable que postee mucho sobre el negocio del cine, más que el arte. Será un poco para descubrir y compartir preocupaciones y curiosidades. Siento que todos los directores, productores y escritores debemos  estar al tanto de como funciona la economía cinematográfica... o podemos buscarnos un trabajo en un estudio o una televisora y dejar que nos den asignaciones. Pero eso sería menos artistico... ¿no?



Javier Perez-Karam es un cineasta residenciado en Nueva York desde el 2002. Recientemente estrenó su primer largometraje subHysteria (realizado bajo la direccion de Leonardo Zelig) y firmo un acuerdo de produccion y distribución con EUE/ScreenGems para la producción y explotación de una series web. Pueden seguirlo en twitter @perezkaram

UNIDAS POR SIEMPRE. BIENVENIDOS A VENIWOOD: Entrevista a Yosmar Istúriz

Por José Roversi 

 “LA IDEA ES DAR UN MENSAJE Y HAY QUE CONSEGUIR ENTRETENER PARA QUE ESE MENSAJE LLEGUE”

El nuevo cine popular venezolano está en marcha. Después del fenomenal éxito de Volver al Pasado (2009), película que se convirtió en un inusual fenómeno de ventas en Venezuela, vino su presentación en el Festival de Cine de Mérida. A Yoselyn Ramos, su joven protagonista, tocó representar a sus compañeros de Guatire. Marchó a Mérida sin ningún dinero, sólo con el pasaje de autobús y el hotel que eran cubiertos por los organizadores. Comió poco durante esos días y, de hecho, a su regreso a casa se dio cuenta de que había perdido peso. Esa noche, muchos veteranos del medio quisieron hacerse fotografías con ella. Tuvo que superar la emoción para poder hacer la presentación de uno de los premios. La muchacha, que hasta hace poco se dedicaba a la economía informal, ahora firmaba autógrafos. Ese día cumplía veintidós años.

Detrás de este fenómeno está Yosmar Istúriz (Guatire, 1973) y su Cooperativa Zamorana Iztúris Film. El joven, que trabaja durante la semana como obrero en una gran empresa panificadora es el arquitecto de esta revolución dentro de su localidad. La gente no solo se apresura a comprar sus películas en cuento salen a la calle; también quiere trabajar en ellas. No pide nada a cambio. Cree en la propuesta de Istúriz y su ilusión es hacer cine desde la base, algo con lo que “nunca habrían soñado antes”.

La Cooperativa Zamorana Iztúris Film está conformada por vecinos de Guatire. Rubén Lozano es uno de los actores que, junto a Erik Miranda, ha aportado realismo y profundidad a los populares personajes creados por el director de Volver al Pasado. Es un joven miembro de la Guardia Nacional de Venezuela. Por su manejo de las armas ha representado a un policía corrompido que coquetea con el crimen organizado. Tan creíble ha resultado su actuación, que muchos en Guatire le temen, confundiendo al hombre real con el personaje. Es también el caso de Eduardo Rivera quien a raíz de su interpretación en Volver al Pasado es conocido por propios y extraños como “El Comisario”.

Auristela de Istúriz es la esposa del director Guatireño. Dice que si hace dieciséis años, cuando se casaron, alguien le hubiera dicho que acabaría haciendo cine le habría entrado un ataque de risa. Habría pensado que le estaban tomando el pelo. Sin embargo, desde que Yosmar empezó con los primeros pasos en cine se ha ido involucrando cada vez más. Fue ella quien le animó a invertir toda la liquidación de su anterior trabajo para comprar una cámara y no tener que “andar siempre pidiéndola prestada a otra gente”.

Ahora, Yosmar Istúriz y su Cooperativa Zamorana sorprenden con una propuesta totalmente diferente. Unidas Por Siempre no es una película sobre la violencia que sacude las calles del país suramericano, sino una historia centrada en el drama de dos hermanas separadas y dos enfoques de vida radicalmente diferentes. Una apuesta de un grupo de jóvenes creadores que han demostrado, entre otras cosas, que el cine no es terreno para estereotipos o remedos estilistas, sino un campo abierto para la reflexión sincera y poderosa de quien lo hace lleno de pasión y orgullo propio.

Me imagino que el gran éxito de Volver al Pasado habrá marcado un antes y un después en tu carrera y en la de la Cooperativa Zamorana Istúriz Film…

Sí, bastante. Yo no me esperaba todo ese ruido que vino después de la película. Ya habíamos hecho tres películas anteriormente y todavía no nos conocían. Entonces decidimos que íbamos a hacer el estreno de Volver al Pasado en un cine en Guatire, de donde somos, y al día siguiente empezó la gente a llamar. Mientras más gente llamaba y más entrevistas íbamos haciendo más crecía la cosa. Vino a hablar con nosotros una señora de France Press y después un muchacho de El Mundo, de España.

Los buhoneros empezaron a venderla. Me empezaron a llamar para decirme que se estaba vendiendo la película: primero en la Av. Baralt, después en Altamira, luego de Ciudad Bolívar, etc. Así fue.

La buhonería nos ayudó, no económicamente, digamos, pero si nos ayudó mucho como promoción.

Pronto se estrenará en Venezuela Unidas por Siempre. Se trata de una nueva versión de una película que ya habían hecho.

Si, es verdad. Unidas Por Siempre es una historia que habíamos hecho previamente. La tenía allí. La habíamos presentado para amigos y familiares. Entonces, cuando estábamos grabando Volver al Pasado uno de los protagonistas, Rubén Lozano, la vio y me dijo: “Oye vale esa película es bien bonita ¿Por qué no la haces?”. Eso me lo dijeron otros miembros del equipo, como otro de los protagonistas de Volver al Pasado, Erik Miranda. Entonces decidimos hacerla.

He hablado con otros miembros de la Cooperativa, como Rubén Lozano y Yoselyn Ramos y me cuentan que la temática de Unidas Por Siempre es muy distinta de la de Volver al Pasado.

Sí, es otra cosa, no tiene nada que ver con la anterior. Hay un personaje que es un policía pero eso es porque en la historia detienen a dos personajes, pero hasta ahí. Se trata de dos hermanas, una rica y una pobre. La rica abandona a su familia por el dinero. Luego, cuando la madre de ambas muere, la llaman para que vaya y no lo hace. Allí surge entonces un conflicto entre las dos. A la hermana pobre le pasan muchas cosas, que tiene que ir enfrentando, que la hacen luchar.

Una historia en tu línea de cine con un mensaje, con moraleja. ¿Por qué este planteamiento de cine reflexivo, comprometido con la gente a un nivel personal?
Exactamente. La idea es dar un mensaje. Tú sabes que siempre se ha dicho que la televisión o el cine pueden ser educativos y, lamentablemente, en la mayoría de los casos, no es así. Hay muchos programas y películas que francamente no tienen nada que enseñarle a los jóvenes ni a los adultos. Por ejemplo, los jóvenes ¿Qué mensaje sacan de las telenovelas? Entonces sí hace falta un cine con mensaje; sí hay esa necesidad de hacer televisión y un cine que sean educativos. Y no sólo que deje un mensaje, sino que las personas que están en el medio de la TV o el cine, los productores y los directores, le abran las puertas al pueblo. Que el pueblo tenga la oportunidad de participar.

Lamentablemente esto no ocurre aquí. Si tú no tienes una buena “palanca” no puedes trabajar en televisión. Este es un problema muy viejo que continúa hoy día. Ahora están las televisoras sociales, como TVES, con la que hemos venido conversando un poco y con la que las cosas podrían ser diferentes. A ver si tenemos una oportunidad allí.

Cuando yo estaba en el colegio, por ponerte un ejemplo, casi nadie podía hacer cine. Esto ¿Ha cambiado desde tu punto de vista?

Las cosas han cambiado y hay bastantes oportunidades. Por ejemplo, se hizo la Villa del Cine. También hay televisoras comunitarias, como Catia TV, TV Petare y Ávila TV (en la que nos entrevistaron también) así como también Vive TV.

Acuérdate de cómo era antes: el que tenía una cámara en Venezuela tenía que ser casi rico. No era accesible tener una cámara de video. Si acaso una camarita fotográfica tenías por ahí. Ahora no. Es más fácil ahora que la gente tenga una cámara. El que quiera hacer cine, con pocos recursos, puede hacerlo: sólo hay que tener las ganas.

Hay mucha gente que dirá que no, que hacer cine sin recursos técnicos y económicos y sin una formación de primera en la materia no es posible. ¿Tú qué piensas?

Lo que pasa es que hay muchos directores y productores que se basan más en la técnica que en lo que le pueda gustar a la gente. En un curso que hicimos una vez nos pusieron un documental de un cineasta bastante conocido aquí. Y el hombre estaba allí para explicarnos. Y nos decía que nos fijáramos en este plano, en donde estaba la cámara, el Dolly, etc. Había puesto mucha atención a los detalles técnicos, pero había olvidado poner cuidado a la historia. El documental que nos mostró era aburrido, y eso no gusta. Hay que entretener también. Si no, no se pueden transmitir los mensajes.

Eso pasa con muchas películas aquí. Estuvimos aquí en la casa los miembros de la Cooperativa viendo una película venezolana reciente, hecha con muchos recursos. Cuando vimos la película nos quedamos asombrados: ¡Tantas cosas allí que no ocurren en la vida de personas como uno, que somos pobres o de bajos recursos! Por ejemplo, sale una señora que le dice al hijo:“Coño mi amor compre carne”. Entonces el hijo se sorprende: “Mamá ¿Vamos a comer carne hoy? ¡nosotros comemos carne nada más es en diciembre!”…

¡Y eso es embuste! Puras cosas irreales. Inventan unas historias que son totalmente falsas, que no tienen nada que ver con la vida real.

Yo trato de que los personajes sean reales. Si es un policía, que sea un policía lo más original posible. Si es un personaje que es rico, pues que actúe lo más parecido posible a un rico de verdad. Trato de hacerlo lo más natural posible.

Has mencionado en otras entrevistas la influencia que han tenido en tu trabajo las telenovelas brasileras. ¿Es por ese esfuerzo en transmitir realismo, credibilidad?

Las telenovelas brasileras me enseñaron bastante. Yo vi una novela brasilera –no sé si se acuerdan- llamada Chica Da Silva. A mí no me gustan mucho las novelas, pero me enganché con esa. Entrevistaron al autor y a alguno de los protagonistas. Uno de los personajes era un muchacho que debía ser lo más femenino posible y ser creíble. Pero el actor no lo era, necesitaba un modelo, un referente. Este actor declaró que observando jugar a su sobrina le vino la idea para meterse en personaje. Eso es la actuación. La actuación real, creíble. Eso es lo que yo intento más que cualquier otra cosa.

¿Qué es lo que pasa con los actores de las telenovelas brasileras? Si un actor va hacer el papel de una persona que vive en el campo, entonces esa persona va a agarrar el machete, y tiene que aprender a rozar el monte, comprender en carne propia la vida de ese personaje. El realismo es muy importante para ellos y se nota en el trabajo final. Por eso el éxito de estas telenovelas, porque directores y actores están enfocados en que las cosas salgan naturales. Esto pasa también en muchas producciones colombianas ahora.

Hablando con Rubén Lozano, uno de los protagonistas de Volver al Pasado, me decía que para la nueva película había tenido que luchar mucho para meterse en el personaje, porque era un personaje demasiado distinto al anterior, y que tú le ayudaste mucho a lograrlo. ¿De dónde viene tu comprensión de la experiencia del actor?

Mira lo que yo les exijo es que sean naturales. Eso es lo más importante. Cuando Rubén hace un papel, por ejemplo, de mala conducta, y la cosa le está costando yo le digo: “No, no. Estás exagerando mucho. Así no actúa un mala conducta”. Si lo que está costando trabajo es, por ejemplo, una palabra que no le sale natural sino forzada, entonces le digo: “Elimínala por una que te salga natural, que tú uses”. Estos son pequeños detallitos que uno el director debe ir viendo y así los actores se van profesionalizando más.

Por ejemplo Yeisy Rivas, la protagonista de Unidas Por Siempre, que nunca había actuado. Al principio tenía un poco de pena y en el guión debía llorar. “Trata de hacerlo la más natural posible; imagínate que es un ser querido el que está atravesando un momento difícil”. La muchacha se fue metiendo y metiendo en el papel hasta que empezó a llorar. Igual la señora que personificó a la mamá; ella estaba un poco nerviosa y le estaba saliendo forzado: “Imagínese que no puede respirar” – le dije- y poco a poco le fue saliendo más natural.

¿Cuando se estrenará Unidas Por Siempre?

Muy pronto. Pensamos que más o menos dentro de un mes. Estamos viendo donde lo haremos y el resto de los detalles. Ya los mantendremos informados.

Muchas gracias Yosmar. Saludos a toda la gente de Istúriz Film.
Con mucho gusto. Gracias a ustedes. Un abrazo.

CORTOS SIN PRESUPESTO: Tecnología y video

Hace unos días estuvo por estos lares nuestro amigo Vicente Ulive, quien además de venir a visitar a su familia y amigos aprovechó para promocionar sus cortometrajes Permanence y Cold Wave Boy en Bar Teatro y en la Librería El Buscón (Caracas). En dichos eventos Vicente compartió sus experiencias y conversó sobre lo que significa hacer cine guerrilla.

Lamentablemente no pude asistir, pero el tocayo me mandó un texto que leyó en ambos lugares, el cual les dejo aquí abajo. El texto es referencia obligada para aquellos que tratamos de hacer cine sin presupuesto.


(texto leído el 25/01 en el Bar Teatro y el 28/01 en la Librería El Buscón, Caracas).

Nuestra generación aún no ha entendido el inmenso potencial que pone la revolución digital a nuestros pies: un acceso irrestricto a todo tipo de medios, a la más refinada tecnología, con una inversión mínima o inexistente.

El cine “guerrilla” se caracteriza por su irreverencia: una ignorancia total y absoluta por el monopolio cultural que llevan a cabo los centros de poder privados y públicos. Sí tienes una idea, siempre hay formas de plasmarla. Los tentáculos del poder intentan arrullarnos con sus babosas redes de control, tratando de perpetuar ideas anacrónicas: no puedes hacer cine sin nuestro apoyo. No puedes publicar sin arrodillarte para besar nuestro resplandeciente anillo. ¡Patrañas!

Nos reunimos un grupo de amigos en un bar. Un escritor, un fotógrafo, un actor y un músico, atraídos por la idea de hacer algo juntos. Se decidió rápidamente: rodaríamos un cortometraje. Vaciamos nuestros bolsillos: con el tlín de las escasas monedas que rebotaron sobre la mesa, juntamos un presupuesto haitiano, una cifra risible de 400 euros que dos parejas se gastan fácilmente en una cena con vino.

Atacamos nuestra idea estrafalaria, garabateamos un guión ambicioso que contenía escenas imposibles de filmar: el protagonista saltando 40 metros en el aire para caer en un río, personajes que caminaban en las vías del metro al lado del tren.

El rodaje duró 8 días, la mitad del presupuesto se nos fue en la escena del bar, donde el equipo consumió ochenta cervezas. Pasamos noches en vela en los foros de Internet tratando de aprender cómo utilizar el Final Cut, viendo videos didácticos sobre cómo editar una escena, cómo limpiar el sonido. Los cliqueos obsesivos, control “Z”, deshacer, deshacer, deshacer; dominaron nuestra existencia.

Finalmente, logramos zafarnos de las garras de aquellos que creen que todo se puede controlar. La ortopedia del poder se manifiesta en todos los ámbitos, muletas institucionales y bocas que ríen con sorna ante nuestros esfuerzos, para ellos, nada “serios”.

¡Pero tenemos como! Podemos demostrar que su ídolo tiene pies de barro. Sin embargo, que no se nos malinterprete: esto no es una cruzada contra el sistema. Simplemente, reivindicamos nuestro espacio, nuestra libertad y nuestro derecho de explotar el poco talento que tenemos, por los medios que sea. Basta con estirar el dedo y arañar el teclado para sentir el perfume exquisito de un mundo virtual, sin reglas, que se abre ante nosotros como una virgen que expone su tesoro más preciado ante el púlpito de nuestros deseos. Todos tenemos acceso a esta plataforma. Todos somos parte del potencial mesiánico de Walter Benjamin, con el sólo apretar una tecla en el ordenador. Todos podemos robarnos un beso, sacrificando cenas onerosas para reunir unos cuantos cobres y plasmar nuestras ideas en imágenes.

Los dejamos entonces con una lista “poco seria” de cosas a tomar en cuenta para ampliar este camino:

La revolución sí será televisada. No hay tema demasiado complicado ni ideas que no se puedan rodar. Hay que pensarlo: en el guión está la salvación. Juega con lo que tengas a la mano, mira a tu alrededor: espacios, apartamentos, casas de los panas; tomas callejeras, personajes absurdos, cuentos inversosímiles. Las ciudades guardan secretos en todas sus esquinas. Mira, observa, escribe.

Si lo escribes, ellos vendrán. Los actores trabajan en función de las ideas del guión. Si el guión es interesante, ellos se sacrificarán y trabajarán sin cobrar. Ofrece experiencias inolvidables en vez de dinero: fiestas en las noches, chicas bonitas dando vueltas por el set, descargas musicales. Mantenlos contentos y ellos harán su trabajo.

Debes ser un negociante fino. Usa todo lo que tengas a tu disposición: ofrece fotos gratis, traducciones, diseños de páginas web, clases de salsa; cualquier cosa que pueda entusiasmar al equipo para abocarse a trabajar en el proyecto. Uno de los actores nos pidió que le pagáramos 400 euros por su actuación. Después de horas de negociación, lo convencimos con un mango, veinte euros, una bolsa de té importada y un bong usado. Siempre hay maneras.

Cine guerrilla significa que no hay tiempo para nada. No tienes seguro para los actores. No tienes permiso para rodar. Todo tu equipo tiene que estar listo para correr si llega la policía. Prepara cintas vírgenes que le entregarás a las autoridades si te dicen que tu película está decomisada. Practica el paquete chileno. Nunca pelees. Di que eres un estudiante de cine haciendo algo para una Universidad. Cálmalos, y cuando puedas, corre por tu vida y tu película.

Aprovecha la Internet. Utiliza el principio de “Internet libertaria”: si el programa o archivo existe en la red, tienes derecho a robártelo. Hazte experto en los sitios torrents. Baja todo lo que necesites. Busca las claves. Jamás hagas los updates o perderás el Final Cut Studio Pro de cinco mil dólares que te robaste. Recuerda: lo estás utilizando con fines no-comerciales. Yo prometo reembolsar o adquirir los programas cuando tenga dinero para ello, por ahora, hay que darle la vuelta.

Si no lo sabes, apréndelo. Sé autodidacta. No tienes dinero para un editor, así que tendrás que hacerlo todo tú. No desesperes: ingresa en los foros, estudia los videos que te explican para qué diablos funciona la herramienta cortar o cómo hacer subtítulos. Todo está allí: sólo tienes que conseguirlo.

Distribuye tu corto. Una vez listo, existen miles de concursos a los cuales puedes enviar tu trabajo. Aparte de eso, trabaja junto a las redes locales y alternativas para proyectar tu video. Rueda la voz, multiplica las iniciativas. Los sitios existen, si tu trabajo es bueno, la gente lo apoyará.

Concluiré diciendo que este año, junto a algunas personas de Panfleto Negro –porque Panfleto Negro es un grupo completamente abierto y anárquico-, estaremos intentado construir alternativas en torno a esta idea para-estructural. Si tienes algo que decir, ya sea en fotografía, literatura, música o video, es preciso entender que no estás solo. Somos muchos, y nos iremos agrupando alrededor de ideas diferentes para buscar, por todos los medios posibles, la manera de expresarnos. No tenemos que depender de nadie, ni de los entes privados o públicos. Sólo se trata de eso: tener una idea y encontrar la forma de llevarla a cabo, alejados de todos los centros de poder. Porque como decía la mejor filósofa del siglo XX, Mafalda, “una pulga no puede detener un tractor, pero sí puede llenar de ronchas al maquinista”.

Vicente Ulive-Schnell (ulive@msn.com)

Permanence (Subtítulos en ESPAÑOL) from m. holden warren on Vimeo.

LA CASA MUDA: MIEDO REAL EN TIEMPO REAL

El día de hoy, varios escritores y colaboradores de este blog recibimos un correo del productor uruguayo Gustavo Rojo, quien nos invitaba a promocionar una cinta de terror uruguaya llamada La Casa Muda. Sabiendo lo difícil que es la realización y promoción de una cinta independiente en estas latitudes latinoamericanas, me alegré mucho de la existencia del proyecto y salí corriendo a ver el teaser de la cinta. Particularmente me gustó mucho.

Hay que destacar que La Casa Muda fue rodada en un plano único, sin cortes, en tiempo real, con una cámara de fotos Canon Mark II. El costo de la producción fue de apenas seis mil dólares y los hechos que retrata están basados en un acontecimiento real ocurrido en una casa rural del Uruguay. Al respecto dice la página web de la cinta: “En la década de los 40 dos hombres fueron encontrados en una desolada casa de campo. Estaban muertos y mutilados. Inquietantes fotografías se encontraron en la escena del crimen. La investigación de la época no arrojó resultados, quedando inconcluso y perdido en la memoria colectiva del poblado Godoy. La Casa Muda está inspirada en este episodio, tratando de cerrar y contestar las preguntas del doble homicidio”.

Aquí les dejo el teaser de la cinta y más abajo toda la información de la película y su director Gustavo Hernández.




SINOPSIS Y DATOS

Laura (Florencia Colucci) y su padre Wilson (Gustavo Alonso) se internan en una lejana casona de campo para reacondicionarla, ya que su dueño Néstor (Abel Tripaldi), muy pronto la pondrá a la venta. Ellos pasarán la noche allí, para comenzar los trabajos al día siguiente. Todo transcurre con normalidad hasta que Laura escucha un sonido que proviene de afuera y se intensifica en el piso superior de la casona. Wilson sube a inspeccionar mientras ella se queda sola abajo a la espera de su padre…. Basada en una historia real ocurrida en un pequeño poblado del Uruguay, “La casa muda” centra su relato en los últimos setenta y ocho minutos, segundo por segundo, en los cuales Laura intentará salir con vida de una casa que encierra un oscuro secreto.

Dirigida por Gustavo Hernández, fotografiada por Pedro Luque (director de fotografía del mega éxito mundial “Ataque de pánico” de Federico Álvarez) y producida por Gustavo Rojo, con un increíble costo total de U$S 6.000, “La casa muda” se interna en el terror psicológico tan poco explorado en la región, contando una escalofriante historia en primer plano y con características que la hacen única en el mercado audiovisual mundial, ya que fue filmada en su totalidad con una SLR digital, más concretamente con la cámara Canon EOS 5D Mark II, lo que hace que “La casa muda” se convierta en el primer film latinoamericano, y el segundo film en el mundo en grabarse con una cámara de fotos. A su vez, la historia está narrada en un único plano secuencia de 78 minutos, sin cortes. Lo que la convierte en la primera película de terror en el mundo en ser realizada con este particular lenguaje narrativo.

“Plano secuencia” en términos cinematográficos se denomina a la secuencia filmada en continuidad, sin corte entre planos, en la que la cámara se desplaza de acuerdo a una meticulosa planificación, generando en el espectador la sensación real de compartir las vivencias junto al protagonista.

MIEDO REAL EN TIEMPO REAL, esa es la propuesta de “La casa muda”, película que no pasara desapercibida para todo aquel que se atreva a vivir esta diferente y perturbadora experiencia cinematográfica.

Por más información visite: http://www.lacasamuda.com/ o el grupo en Facebook.

Gustavo Hernández es egresado de la Escuela de Cine del Uruguay en el año 2002 como Realizador Cinematográfico. Se distingue por un ágil manejo narrativo y visual, destacando una sutil elaboración de los personajes en el campo actoral. Dirigió una decenas de cortometrajes, que fueron premiados en distintos festivales del mundo por sus síntesis narrativa y el empleo del humor (La Carta, Informes, El Corazón Delator, etc). Se ha destacado especialmente por la realización de videos musicales, dirigiendo a bandas nacionales muy populares (NTVG, LA VELA PUERCA, LA TRAMPA, JORGE NASSER) con resultados visibles en las grandes cadenas musicales de televisión. Gustavo Hernández se desempeñó durante años en roles de Dirección, Asistencia de Dirección y Edición en importantes productoras nacionales, sumando conocimiento y experiencia del medio publicitario.

Dirección...............................Gustavo Hernandez

Producción.............................Gustavo Rojo

Dirección de fotografia............Pedro Luque

Dirección de Arte...................Federico Capra

Guión....................................Oscar Estevez

Argumento............................Gustavo Hernandez y Gustavo Rojo

Elenco:

Laura............. Florencia Colucci

Nestor............ Abel Tripardi

Wilson............ Gustavo Alonso

Caracas + Guerrilla Filmmaking + Experience.

Por Michel Torrealba

“El cineasta independiente es, básicamente, un ser cadavérico, pálido, muerto de hambre, que hace 10 años que no ve la luz del sol, duerme con la ropa puesta, nunca se baña, y está dispuesto a lo que sea con tal de rodar su película. Incluso fingir accidentes de coche, vender sangre o semen, lo que sea”
PETER BISKIND – Edge of Outside

Sobre el experimento: Me encuentro en una encrucijada, en un punto muerto. Todo lo que pensaba que estaría haciendo a esta altura de mi vida se ha ido dilatando, y no estoy ni remotamente cerca. Hace ya 3 años que comenzamos con la productora, y si al principio creíamos haber comenzado con buen pie, ese otro pie necesario para dar el paso y lograr caminar, quedó estancado en cemento, porque entre trabajos mal remunerados, poco satisfactorios, y nada artísticos, hemos pospuesto una y otra vez la arrancada final, tal vez por necesidad, tal vez por comodidad, a estas alturas no lo sé con precisión, pero si me preocupa y entristece.

Después de un año 2008 para el olvido donde, gracias a la Ley de Murphy, todo lo que pudo salir mal, salió mal, el 2009 comenzó con muchísimo mejor ánimo: la primera semana de Enero, quedé seleccionado en una convocatoria de Cine Guerrilla: ¡Plomo!, para grabar mi guión Pecados en Nueva York. Lamentablemente, debido a diversos problemas (de mi parte), tuvimos que aplazar la grabación de la película para el próximo año, esto con la intención de mejorar, madurar y perfeccionar la idea.

¿Por qué un largometraje en vez de trabajar en corto? Muy fácil, es una simple decisión narrativa. La historia que deseo contar necesita de un desarrollo de personajes correspondiente con una larga duración, donde se puede hacer énfasis en ellos. Además, siempre pensé en estudiar cine para hacer largos, sin contar que para conseguir venta, distribución o exhibición, el largometraje es el formato ideal. No critico a los que hacen cortos, es mas, los respeto mucho, porque es muy difícil condensar una historia en poco tiempo, y manejar los códigos para ello. Por eso, así como existen cuentistas y novelistas, existen quienes dirigen cortometrajes o largometrajes. El problema es que, a diferencia de otras partes del mundo, donde esto es una decisión puramente artística, aquí en Venezuela los cineastas hacen cortometrajes como un escalón más hacia la vía de dedicarse a hacer largometrajes.

Así pues he aquí el experimento: Tomar la idea, convertirla en un buen guión y hacerlo película, al mas puro estilo independiente, con ”presupuesto cero” (o no-budget, como le dicen los gringos) y sin ningún tipo de ayuda o financiamiento del estado, con la ayuda de quienes deseen. La idea es que sea semi-colectivo, donde todo aquel que desee ayudar, colaborar, aportar ideas, críticas o sugerencias sea totalmente bienvenido, no importa que sea del medio o sepa algo de cine, cualquier aporte es agradecido, todo esto apostando como fecha de finalización un año, es decir, para mi próximo cumpleaños debería estar terminada. ¿Se logrará?

Sobre Cine Guerrilla:

Algunos ya saben a lo que va el Guerrilla Filmmaking, para lo que no lo saben, éste se caracteriza por muy bajo presupuesto, un equipo de trabajo reducido y la utilización de escenarios naturales, por aquello de no contar con el permiso para su utilización, en resumen, todo lo contrario a trabajar en producciones formales de gran escala.

Para mí, esta independencia tiene mas que ver con el estilo, visual y narrativo, de las producciones, con la actitud y mentalidad guerrillera, como dice la cita al comienzo: hay que estar dispuesto a hacerla como sea. Y es que no hay otra forma. Lo único que necesitas es motivación.

La democratización de los medios de producción ha ayudado a que se pueda acceder a hacer cine-video de forma mas fácil, directa, y con una calidad respetable. Actualmente, cualquiera con una cámara y una computadora podría hacer una obra maestra, afortunadamente, no todos pueden hacerlo, porque a las buenas ideas no se puede acceder tan fácilmente como a la tecnología. En un país donde la producción ha estado limitada casi en su totalidad al financiamiento del estado, es raro que muchos cineastas jóvenes no hayan concientizado que este es el futuro del cine en Venezuela, donde la crisis nos va a dejar cada vez con menos espacio para la expresión artística. Personalmente tengo mucho tiempo creyendo que este debería ser el camino a seguir para crear una industria respetable de cine en el país, y no esperar que papá gobierno (mas allá de cualquier postura política) nos ofrezca 1 o 2 millones de los fuertes para hacer nuestra peliculita, cosa que es casi imposible que ocurra con un cineasta novel, esto sin contar con lo viciada que está la selección de financiamiento de proyectos por parte de las autoridades encargadas.

Mientras que en otros lados, el Cine Guerrilla, se convierte en una opción, con lenguaje y espacio propio para su exhibición, aquí son pocos los que han arriesgado a hacer sus trabajos “con las uñas”. Extrañamente, los pocos casos que recuerdo en este momento, que se hayan exhibido en las carteleras, no vienen de “operaprimistas” o cineastas jóvenes, sino de ya cineastas establecidos, como Alberto Arvelo y su Havana Habana (la cual la circunscribió bajo el nombre de Cine Átomo, pero que es exactamente lo mismo que el Guerrilla) y Luis Alberto Lamata con El Enemigo.

Siguiendo estos pasos, y los de una larga lista de cineastas independientes a nivel mundial, actuales y clásicos, trataremos de concretar este proyecto a como dé lugar, siempre siendo fiel a nuestra visión, para así demostrar que sí se puede hacer cine de esta forma en Venezuela. No se cómo se va a hacer, ni con quienes, ni con qué… Solo sé que lo voy a hacer.

Sobre el blog:

Como mencionaba, tratando de que la experiencia sea no solo de expresión sino de aprendizaje, pienso que trabajar bajo la premisa de “esponja intelectual” sería el camino mas acertado a seguir, y para ello es imprescindible que, mas allá de comenzar con la promoción, se pueda permitir la colaboración y aporte de ideas, y la mejor forma de lograrlo es un con un blog que vaya recogiendo paso a paso el proceso de producción, desde el guión hasta la exhibición.

Inicialmente será a través del Facebook, sin embargo, mas adelante tendrá una dirección propia, cuando tenga algún nombre para el proyecto. Además, con lo detallista y quisquilloso que soy, me gustaría contar con un diseño apropiado para el blog, que corresponda con el tono de la historia. Claro está, aquí necesitaría contar con la primera ayuda, y cualquier amigo que quiera meter la mano con el diseño, sería muy agradecido.

Como siempre, termino extendiéndome mucho. Espero poder contar con su lectura al menos, trataré de actualizarlo una o dos veces por semana.

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PELÍCULA BloodBath Test se filmará en sólo dos semanas

EL NACIONAL - Sábado 11 de Julio de 2009 Cultura/8
Cultura

PELÍCULA BloodBath Test se filmará en sólo dos semanas

Cineastas venezolanos hacen guerrilla fílmica en Nueva York Leonard Zelig, productor de la cinta, habla sobre el método de rodaje y asegura que aplicarlo en Estados Unidos es más fácil.

NEREA DOLARA
ndolara@el-nacional.com

Hacer cine es complicado. Requiere recursos humanos y monetarios. Mucho de ambos. Pero cineastas en todo el mundo han buscado formas más sencillas de llevar sus historias a la pantalla. Estos métodos se han llegado a convertir en postulados, en movimientos. Y hay un nombre que reúne a varios de ellos bajo su connotación todoterreno: el cine guerrilla.

Es bajo estos términos que los hermanos venezolanos Vicente y Carla Forte filmarán en Nueva York BloodBath Test, guión ganador del Concurso de Cine Guerrillero Plomo! , organizado por Leonard Zelig.

Esta cinta, que Zelig ­su productor­ define como de suspenso, relata la historia de Eugenia, una mujer atrapada en un terrorífico juego que se repite a sí mismo. La película sólo tendrá dos semanas de rodaje. Actualmente el filme está en preproducción. Este proceso también tomará dos semanas, para ensayos y conversaciones con el equipo.

El director y coguionista, Vicente Forte, explica que el guión, idea original de su hermana, fue escrito a cuatro manos. "Tras ganar en el concurso empezamos a escribir juntos un guión sólido, que no sólo complaciera nuestros gustos personales sino también los del espectador. Lo enviamos y ganamos el primer lugar. Después de eso comenzó un proceso de revisión del guión que lleva casi un año. El guión ha evolucionado mucho, tanto que vamos por la versión número 17".

Zelig, director de SubHysteria, rodada en las mismas condiciones, trabaja en este proyecto, la producción ­junto con sus socios­ de otras tres películas y de dos series web, y responde algunas preguntas sobre el método guerrillero.

­El abaratamiento de los equipos de cine permite a muchos tomar una cámara y filmar. ¿Qué hace al cine guerrilla diferente del ejercicio de un muchacho cualquiera con una cámara? ­Si el muchacho es bueno, la única diferencia va a ser la experiencia del realizador; si el muchacho es malo, no hay nada de qué preocuparse. Pero sí, tal cual como lo dices, la tecnología está al alcance de todos, así que la competencia se hace aun más acérrima, por eso la insistencia mientras hacíamos el concurso Plomo! de que la idea fuera única. Es lo que define todo, la fuerza y la honestidad del guión. Luego le sigue la experiencia de los realizadores. Yo, por ejemplo, después de pasar muchos años estudiando el mercado, sé exactamente cuáles son el tipo de historias que se venden y de dónde provienen todas las fuentes de ingreso para un filme de esta categoría. En esta industria eres la gente que conoces, la diferencia entre ese muchacho y nosotros son las horas de vuelo. Él quizás puede tener la próxima Memento, pero si no sabe cómo ponerla en las manos adecuadas se quedará engavetada en su casa.

­El cine guerrilla no es el único movimiento de cine en su más mínima expresión. ¿Qué lo diferencia de los demás? ­Pienso que Dogma, Átomo, Mumblecore y cualquier movimiento de cine ultraeconómico es cine guerrilla. La raíz es la misma. Cambia el acercamiento pero el fin es el mismo: hacer una película de excelente calidad por la menor cantidad de dinero posible.

­¿Por qué decidieron hacer cine en Estados Unidos? ­Es muy difícil conseguir gente que trabaje por pago diferido (se le paga a los involucrados después de que la cinta comience a dar ganancias) en Venezuela, mientras que en Nueva York la gente se pelea por estar en un proyecto de pago diferido siempre y cuando crea en el proyecto. En Venezuela también se puede hacer un filme por 12.500 dólares, pero aquí es más fácil.

Vía / El Nacional

BONUS TRACK. El regreso de Perrone.

Desde hace tiempo estaba por colgar la información de Bonus Track, la última película del cineasta argentino Raúl Perrone, ícono del cine independiente y de bajo presupuesto. Tal y como lo señala en su blog Las ganas que te deseo, "El Perro" decidió plantearse nuevamente el desafío de retratar a un grupo adolescentes, tal y como lo había hecho en los noventa con su trilogía (Graciadió; Labios de Churrasco; 5 Pal Peso). En esta ocasión, el retrato es el de un grupo de jóvenes patineteros.

Dice la sinopsis del filme: “Luchito, Adrian, Mapu y Lucho, son pibes que encontraron en una tabla de skate algo distinto para hacer con sus destinos. Su punto de encuentro es el cine abandonado: un lugar de juego donde se medirán habilidades pero también amistades y traiciones. Un lugar de sexo, donde los pibes se exhibirán y las chicas elegirán”.

Dice el autor acerca de la película: “ (… ) recordé que alguien me dijo que antes de ser recuperado el cine ‘‘Gran Ituzaingó’’, todos los días era ocupado por pibes que entre otras cosas hacían skate. me entusiasmó mucho la idea de volver al cine que me había hecho descubrir películas a mis 13 o 14 años (…) me gusta la idea de saber cómo va a empezar la película, es lo único que sé, empecé a garabatear algunas ideas, fragmentos de cosas, pequeños momentos cotidianos; la cámara estática y contemplativa, escuchando esas historias... En realidad Bonus track es la autentica relación que mantienen Luchito, Adrián, Mapuche, Lucho, Carolina y los otros (…)”.

El Perro continúa asegurando que no se precisan millones para hacer una película. De ahí que su equipo de trabajo no excede nunca de las 5 o seis personas. Bonus Track no fue la excepción “(…) igual que ahora y después de algunas películas sigo creyendo que mucha gente en un rodaje estorba y cuando son pocas y tienen asignada una tarea todo se hace más artesanal, más místico. Sigo pensando que aquellos que precisan millones para hacer una película con equipos de más de 80 personas y con un montón de parafernalia, que eso no tiene que ver con el hecho de hacer películas (…)”

Aquí les dejo una muestra de fotografías del filme.

"Un guerrillero más tratando de hacer la diferencia". Entrevista a Leonard Zelig.

Para un cineasta, hacer la película que siempre ha querido hacer no sólo se trata de un logro profesional: es cuestión de conquistar un sueño. Hoy en día, con el abaratamiento de las tecnologías y la democratización de los espacios informativos, realizar una película y, promoverla, parece una tarea más sencilla que antes. En todo caso, hay personas que creen que hacer cine es posible, que ya no se trata del sueño de unos poco elegidos.

Los asiduos de este blog o de Blogacine de seguro han escuchado de Leonard Zelig. Leonard es uno de esos creadores que cree firmemente y de manera contagiosa que se puede hacer cine. Y además, es uno de los que cree que puede hacerse con lo mínimo indispensable. Hacer cine con lo que se tiene. Actualmente Leonard lleva adelante un concurso de cine al que bautizó Plomo!!! y escribe en un blog llamado Guerrilla Filmmaking, todo ello mientras lleva a cabo otros proyectos, entre ellos la filmación de su próxima película Subhysteria. Todas estas actividades las enmarca en el cine guerrilla, especie de sub-género que Leonard está utilizando para formar una red de realizadores.

La guerrilla, esa que se fue a las montañas, a la selva, a las cuevas, o se atrincheró en cascos urbanos marginales para combatir un sistema, demostró la ineficacia de la guerra formal. Los tiempos habían cambiado y, con ellos, las reglas de combate. La guerra tuvo que replantearse, pues el enemigo, uno sin recursos, era capaz de contener y repeler fuerzas armadas organizadas. Salvando las distancias entre en un tema tan atipático como lo es el de la guerra y el cine, creo que el cine independiente, ese que se hace sin el apoyo tradicional de un estudio, hace tiempo que se ha replanteado, se ha reorganizado, mutado si se quiere, dando origen a un cine minimalista en sus argumentos, un cine rápido en la realización, lleno de improvisación, de cero burocracia, uno donde el guión, a pesar de ser de vital importancia, se adapta a los medios que el cineasta posee. Es el cine de "si del cielo te caen limones, aprende a hacer limonada". Es el cine de "lo hago con lo que tengo, pero lo hago". Es el cine guerrilla.

EC: Primero, las aclaratorias de rigor. ¿Quién es Leonard Zelig y en qué anda?

LZ: Bueno yo vengo del teatro, además de un teatro, donde la escasez era más normal que la abundancia, por lo tanto siempre terminabas exprimiéndote el cerebro para crear un espectáculo que compitiera creativamente en el ruedo teatral venezolano, con grupos de gran trayectoria y con grandes financiamientos del estado. Cuando me mudo a New York en el 2002, me doy cuenta de que lo que cambio fue el background, pero el problema es precisamente el mismo. Decido darle duro al teatro por dos años hasta que noto una pequeña gran diferencia en la matriz newyorquina en comparación a la venezolana: deferred payment, lo que en español denominamos pago diferido, y en venezolano lo traduciría como "fiado". Cierta persona te hace un servicio y tú le pagas luego. ¿Se acuerdan de todos esos cartelitos que decían, "Hoy no fío, mañana sí"?, pues el deferred payment es precisamente lo contrario "Hoy fío y mañana también". Aquí en NY hay tanta gente tratando de abrirse camino en el mundo del cine, que tanto técnicos como actores son capaces de trabajar fiado cuando creen que un proyecto los puede ayudar a proyectar su carrera. Algo que si bien es cierto puede pasar en Venezuela, podría decirse que es atípico. Por ejemplo, en el año 2000, mi hermano, su novia, mi novia y yo decidimos irnos a Mochima por carnavales, nos llevamos una cámara e hicimos una burla de The Blair Witch Project llamado El Proyecto del Soldador de Manare, completamente improvisado y con un presupuesto de cero Bs. El resultado: un cortometraje, que después de más de 7 años de rodado verá la luz cuando comience a rodar en el circuito de festivales el año que viene. Se me había perdido el cassette y mi mamá me lo trajo en marzo del año pasado, ya está editado y pueden ver el trailer aquí.

Siguiendo con lo del pago diferido, al hacer ese descubrimiento decidí poner el teatro on hold, y dedicarme a lo que autodenomine "Cine Fiado". Debo reconocer que el auge del cine digital fue un factor determinante en mi nueva etapa como Cineasta Guerrillero. Mi primer proyecto, Blind Date, fue un cortometraje, enteramente robado, si robado, no rodado, en el metro de NYC, donde si te descubren te decomisan la cámara y los cassettes, costo $200, porque teníamos que comer. Mi segunda experiencia fue el largometraje experimental, tan experimental que aún lo estoy editando y lo rodé a mediados del 2005, The Sun Bearer: The Gathering, una película de ciencia ficción producida con $22,000 y rodada cross-country por más de 20 ciudades en los Estados Unidos acerca del último hombre vivo en el planeta tierra; fue una experiencia fantástica, alquilamos una casa rodante, las 7 personas del crew, incluyendo a mi mamá, firmaron un contrato de cine fiado, obviamente la idea de un viaje desde NYC hasta Las Vegas rodando por 19 días los ayudó a tomar la decisión. El resultado está por gestarse, estamos pensando lanzarlo tipo serie web, pero aún no tenemos fecha prevista, si quieren ver un abreboca clickeen aquí. El tercer proyecto fue el documental Metralleta, por motivos ajenos a nuestra voluntad se pre-produjo en una semana con un budget de 40,000 y se rodó en 3 semanas... luego de eso vino el corto de suspenso 434, que entre mi socio, Javier Perez-Karam y yo, improvisamos en una noche, porque estabamos aburridísimos en Burlington, Vermont, en las vísperas de la grabación de una conferencia de prensa corporativa… También empezará a proyectarse el año que viene y el tráiler lo pueden ver aquí.

Después de eso vino Secrets, que es el primer proyecto no guerrilla que hago en mi vida y el cual por múltiples razones, una de ellas el ser una película independiente convencional, se ha visto retrasado una y otra vez, contando con una nueva fecha de rodaje: primer trimestre del 2009.

Pero hablemos de ahora. En vista de los retrasos con Secrets, decidimos hacer un largo guerrilla style, el titulo: subHysteria, narra la historia de 16 personas que se quedan encerradas en un vagón del metro de Nueva York, debajo del East River por 36 horas y muestra de que es capaz el ser humano cuando cree que está a punto de morir. Estamos en plena negociación con distribuidores en Venezuela para estrenarlo allá el año que viene. El rodaje está pautado del 27 de octubre al 13 de Noviembre en NYC y el elenco estará conformado por actores profesionales de improvisación mas tres figuras venezolanas, que aún no puedo mencionar pero que estarán en ese vagón viviendo esta aterradora experiencia.

En mi tiempo libre, escribo el blog guerrilla-filmmaking.com y organizo el concurso de cine guerrillero para venezolanos ¡Plomo!

EC: ¿Qué es el Cine Guerrilla? ¿Cuándo Comienza? ¿Cómo? ¿Existen reglas, enunciados o características que definan este tipo de cine? ¿Es un género, una visión o un estilo?

El cine guerrilla podríamos definirlo como el hijo bastardo del cine independiente, una modalidad donde la filosofía es utilizar lo que tengas a mano, un equipo técnico mínimo, o esquelético como dicen los gringos, pocos actores, pocos días de rodaje, lo que hace que las escenas se rueden rápido muchas de las veces, porque te estás robando la toma de una locación donde no tienes permiso de rodar, hay mucha improvisación, tanto actoral como técnica, y los budgets son mínimos, aunque últimamente cualquier película hecha con un budget por debajo de $500,000 rodada en estas circunstancias, es catalogada como Guerrilla.

Cómo comienza es una de esas preguntas como ¿de quién es la Arepa, de Colombia o de Venezuela? Para los venezolanos no hay duda que la arepa es de Venezuela, pero es que los colombianos opinan lo mismo. Yo particularmente pienso que es un concepto que se ha venido desarrollando en los últimos cincuenta y tantos años, el padre, François Truffaut con su ensayo "Una cierta tendencia del cine francés" en 1954 que sirvió de base al grupo denominado La Nueva Ola Francesa, un movimiento en contra del sistema de cine francés que tenía como meta máxima no sólo la libertad de expresión, sino también libertad técnica en el campo de la producción fílmica.

Desde entonces el concepto ha sido, barbarizado, mutilado, execrado, idealizado... sin embargo se hizo sentir en los 70 en los Estados Unidos de la mano de Melvin Van Pebbles con su Sweet Sweetback's Baadasssss Song, en los 80 a través de John Sayles, Sami Raimi, Jim Jarmusch y Spike Lee, en los 90 con la llegada de Robert Rodriguez, Kevin Smith, Richard Linklater, Christopher Nolan y Darren Aronofsky, en la actualidad el cine de guerrilla es estelarmente representado por el Mumblecore Movement. Contrariamente a lo que la gente piensa el movimiento Dogma 95 no califica dentro del género de guerrilla por una sola razón, sus presupuestos eran de cine independiente. Festen (Dogma #1) costo 1.3 millones de dolares, sin embargo la técnica de rodaje es un tributo al cine de guerrilla.

No sé si al leer todos los nombres de los cineastas en el párrafo anterior se dan cuenta de como el cine guerrilla es una suerte de catapulta, pues de todos los mencionados no hay uno solo que siga haciendo cine guerrilla; sin embargo, la gran diferencia entre llegar a Hollywood como un cineasta guerrillero a como un cineasta contratado es el control que puedes tener sobre tus proyectos. El cineasta guerrillero que hace el cross-over es respetado y escuchado, algo cada vez más raro en la industria, sino observen como la franquicia de Batman fue rescatada por Christopher Nolan, quien obstinadamente dijo, o la hacemos a mi manera o no la hago... 1.3 billones de dólares después los ejecutivos de Warner están bien contentos con el riesgo que tomaron con Nolan, e inclusive están hablando de una tercera entrega donde se chismosea que Johnny Depp encarnaría al Acertijo y Philip Seymor Hoffman al Pinguino. Ja! y pensar que hace 10 años Nolan estaba contando los centavos para terminar su película de guerrilla Following que costo $7,000

EC: ¿Es el Cine Guerrilla el derivado necesario del cine independiente?

LZ: Como mencioné antes, es el hijo bastardo, y es la única alternativa que tiene el cineasta altamente creativo de demostrar de qué está hecho y de qué es capaz. La crítica y las masas los ponen en la misma cesta, es nuestra tarea, y es lo que trato de hacer en mi blog, demostrar que en tiempos en los cuales una película "independiente" como El Ilusionista es hecha con 16.5 millones de dólares, definitivamente el cine guerrilla debe salir de esa cesta y poco a poco se está logrando.

EC: ¿Crees que de verdad se trata de una alternativa viable para hacer cine de calidad?

LZ: Te voy a responder con 20 títulos: Sweet Sweetback's Baadasssss Song, Return of the Secaucus Seven, The Evil Dead, Stranger than paradise, She's Gotta Have It , Slacker, El Mariachi, Clerks, Pi, Following, The Blair Witch Project, Final, Manito, Open Water, Pieces of April, Primer, November, Looking for Kitty, The Puffy Chair, Sorry, Haters, Once...

EC: ¿Crees que hoy en día existe un verdadero cine guerrilla?

LZ: Definitivamente ahora más que nunca; como mencioné antes el movimiento mumblecore es el más publicitado, pero la nueva ola de cine digital está haciendo que cada día se produzcan más y más películas, la mayoría de ellas son guerrilleras, y para serte honesto, la mayoría de ellas son terribles también, pero el género está vivo y coleando y de vez en cuando se ven unas películas fantásticas que consiguen una distribución limitada y que, generalmente , recuperan su inversión y hasta tienen ganancias y todo.

EC: ¿Puede competir el Cine Guerrilla independiente con el de los grandes estudios?

LZ: No creo, el cine de guerrilla tiene su público determinado, y esa audiencia no es muy amigable con Hollywood, y Hollywood no es muy amigable con el cine guerrilla, precisamente porque no puede controlar el contenido y a los autores... se han dado casos, The Blair Witch Project y Open Water, son los más recientes, pero definitivamente el género Guerrrilla es salvaje y a Hollywood le gusta tener sus proyectos bien mansitos.

EC: ¿Tiene cabida en la Televisión un video guerrilla?

LZ: Los 20 títulos que te mencioné antes, todos llegaron a TV; el cine guerrilla tiene cabida en todos lados y de hecho donde más ganancias hay es en DVD, ya que los proyectos que no llegan a la gran pantalla, en su mayoría sean auto-distribuidos o no, al menos salen en DVD. Algunos son terribles, pero hay gustos de gustos.

EC: ¿Cómo encaja Leonard Zelig en todo esto?

LZ: Yo soy un guerrillero más tratando de hacer la diferencia, y tratando de vivir de lo que me gusta, y la fórmula es sencilla: haces una película excepcional por $10,000 y la vendes en 25,000 a una distribuidora independiente + 30,000 del DVD + 70,000 de la venta a algún canal de cable, cuando sacas cuentas, tienes suficiente dinero para hacer tu próxima película y vivir de lo que te gusta.

También se me ha metido entre ceja y ceja, mostrarle a mis compatriotas venezolanos que películas como El Enemigo son excelentes, pero que igual puedes hacer algo tan bien o mejor con el 10% del presupuesto de El Enemigo, y créeme, no tengo nada en contra de la película ni mucho menos en contra de Luis Alberto, al cual admiro profundamente, no la he visto y me dicen que es excelente, pero me incomoda que esa sea la imagen que el venezolano tiene de una película de bajo presupuesto, cuando aquí se están haciendo películas por $2,500. Así que exhorto a cualquier cineasta que tenga acceso a una una cámara, un micrófono y una locación maravillosa, a que se invente una historia en torno a esa locación y escriba un guión, si el guion es fantástico, créeme, me ha pasado, los actores se traen su propia comida al set, cuando la tenga lista que me contacte, que aquí estamos en esta esquina tratando de ayudar a los cineastas emergentes.

En Venezuela se gesta una tendencia de Cine Independiente

Colaboraciones
Por José A. Rivas G.

En las salas de cine de nuestro país se han estrenado más de 30 películas en los últimos dos años. De este boom del cine venezolano, tan sólo 6 han sido producidas sin la ayuda del Estado. Una de ellas es la recién estrenada El Enemigo, una muestra de cine independiente y de bajo presupuesto que parece dar una mirada diferente a los temas usuales en nuestra cinematografía.

Hablar de cine independiente es hacerlo sobre la base de una definición que todavía no está muy clara. En la tierra de Los Ángeles, California, podría significar dotar de este título a todas las producciones realizadas fuera del sistema de estudios de Hollywood. En el seno de los Independent Spirit Awards, premios que se otorgan desde 1984, significa un límite de 20 millones dólares como techo para la participación en los galardones.

Pero en los filmes indie, como por analogía al medio musical, también se ha llamado esta tendencia en el séptimo arte; se han presentado incoherencias que alarman a algunos directores. «Los grandes estudios crean divisiones en las que producen películas más baratas, a las que llaman independientes y con esa excusa pueden pagar menos a actores y directores», asevera John Sayles en una entrevista que El País de España le hiciera a este director independiente.

Sin embargo, en nuestro país, los únicos estudios que existen –sin tentar la comparación con los de Universal Studios, recientemente reducidos a cenizas– son los de la productora del Estado, La Villa del Cine. Además, según cifras de la Asociación Nacional de Autores Cinematográficos (ANAC), una película venezolana ronda entre los 600 mil y un millón de dólares.

Entonces, desarrollar visiones particulares sobre temas que muchas veces son poco tratados, es realizar cine independiente en Venezuela, sin financiamiento estatal y con los recortes presupuestarios que esto significa. Después de todo: «Ser independiente no significa hacer películas de bajo presupuesto sin el apoyo de un estudio… es una manera de innovar a fuerza de inspiración y necesidad», como sentenció con vasta sabiduría Martin Scorsese en los Spirit Awards de 1990.

PNI o NPI (No poseo información)
A raíz de la promulgación de la Ley de Responsabilidad Social en Radio y Televisión, en enero de 2005, en el país se empezó a hablar de Producción Nacional Independiente (PNI). Esta figura, según el Artículo 13 de dicha ley, debe estar desligada de los prestadores de servicios de radio o televisión y “poseer experiencia o demostrar capacidad para realizar producciones nacionales de calidad.” Sin embargo, se aclara que “todo lo relacionado con la producción y los productores nacionales cinematográficos se regirá por la ley especial sobre la materia”.

En la reformada Ley de la Cinematografía Nacional, que entró en vigencia el 28 de noviembre de 2005, se establecieron nuevos mecanismos de financiamiento y fondos para apoyar la producción nacional. Sin embargo, no se hacen distinciones para los productores independientes y según Roman Chalbaud, incluso fueron modificadas algunas de las reivindicaciones que los gremios habían logrado años atrás: «Es una lucha contra el poder, el poder de la Motion Picture (MPAA). Cuando se fue aprobar la Ley de Cine en 1992, el señor Jack Valenti [para entonces presidente de la MPAA], llamó al señor presidente, que era Don Carlos Andrés Pérez, y le dijo: ‘es absurdo que haya una Ley de cine en Venezuela’. Eso fue intervencionismo. Pero el señor Carlos Andrés Pérez cayó y quitaron esos articulados que tanta falta nos hacen, porque sin esos artículos, ¿qué hacemos?». Así puede leerse en una transcripción del Foro Derechos Culturales celebrado en el CELARG el 13 de octubre de 2004.

Entre los artículos a los que se refiriera Chalbaud, está el 57, que en principio favorecía la inversión privada en el cine, posibilitando la deducción de dichas inversiones en la declaración del IVA. Sin embargo el artículo publicado en Gaceta Oficial terminó cambiando este incentivo, para que tan sólo las inversiones privadas fueran incluidas «como gasto en la determinación del impuesto sobre la renta».

Por eso, durante la realización del Foro “Políticas Públicas en el Cine”, organizado por el Ministerio de la Cultura en marzo de 2007, la mesa de trabajo correspondiente a la inversión del Estado convendría la modificación del artículo 57: «de forma que estimule realmente una mayor inversión de la empresa privada, permitiendo el descuento, hasta un tope a ser fijado, del impuesto sobre la renta, para lo cual se preparará redacción concreta y se someterá a estudio de MinCultura y el SENIAT.» Hasta el momento no se ha realizado tal estudio.

Quizá sea por lo que Andrea López, directora de Los Olvidados de
Clemente (2005), asegura en una entrevista publicada en el blog El Cinescopio: «Hacer una película independiente es asumir la responsabilidad de una obra que va a decir algo que quizá al establishment –en este caso los entes financiadores oficiales- o los distribuidores-exhibidores monopólicos, les molesta y por lo tanto, no van a poner ni medio en tu propuesta.»

A la hora de sobrevivir, cada “bolívar” cuenta
«En este país la única justicia que priva es el poder y el billete, con cualquiera de esas dos cosas eres inocente así hayas jodido a media humanidad», dice un veterano confidente al protagonista de “Reincidente” (1977).

Éste revelador monólogo de la película del director Clemente de la Cerda, a su vez inspiración del documental de Andrea López, parece denunciar uno de esos axiomas que aborrece cualquier gobierno. Según la documentalista: «hacer pelis independientes implica riesgo, una actitud subversiva. Esto debe tenerlo uno claro y asumir lo que conlleva.»

Los realizadores del largometraje Señor Presidente (2007) deben haber
abordado su proyecto con esto en la mente. Sobre el mismo, el crítico Alfonso Molina,
escribiría en su blog Ideas de Babel: «El venezolano Rómulo Guardia adaptó al cine
la novela del premio Nobel guatemalteco para establecer un vínculo significativo —no
confeso— entre su historia y sus personajes con el régimen que actualmente gobierna
Venezuela.» El mismo que revocara la concesión de Radio Caracas Televisión,
productora de la película junto a Angostura Films.

Parece ser cierto, lo que John Sayles, también en el artículo Robin Hood del
celuloide de El País de España, considera: «todo el cine que se hace es político porque
lanza mensajes sobre el statu quo y cómo mantenerlo. Lo que ocurre es que refleja
cómo la sociedad se ve a sí misma. ¿Hace cuántos años que no ves una película en la
que alguien aborte?»

A la pregunta, parece haber querido responder Freddy Fadel con su 13 segundos (2007). Según su sinopsis, publicada en la web oficial del filme: «Un relato inspirado en hechos reales donde cinco bebés y sus madres ponen al descubierto sus miedos en una apuesta entre la vida y la muerte; una cruel realidad los llevará a descubrir que, a la hora de sobrevivir, cada segundo cuenta».

El cineasta ha emprendido sus dos producciones con financiamiento privado. Piensa que «no podemos esperar que todo lo dé ‘papá Estado’, algunas cosas tendrá que dar por lo difícil que es hacer cine, pero hay que caminar también por otro lado». Confiesa que no cree en las etiquetas de cine comercial y cine de arte; cree en el cine de público, de audiencia. «Me parece que el objetivo del cine es entretener. Esa disociación no debe existir, todo tiene su arte. Hacer reír es tan artístico y tan complejo como hacer llorar o 'pensar', entre comillas», declaraba para El Universal en un artículo del 26 de marzo de 2007.

Una de los personajes principales en esta película es el interpretado por Lourdes Valera, que al ser inquirida sobre su participación en el largometraje, reveló que no estaba de acuerdo con el aborto. «Estoy más de acuerdo con la educación para que la gente no tenga que llegar a abortar, que se den métodos preventivos (…) y sobretodo en mi caso que hice tantos tratamientos de fertilidad en la vida real.» Lo cierto es que «cuando tú tienes tu plata para hacer tu película, tú la puedes hacer como te dé la gana», afirma Valera con respecto a la visión que generó polémica a partir de la película. Continúa: «Freddy lo que quería contar era un no al aborto. (…) Aquí a la gente, de repente, le pegó un poquito porque el que está a favor del aborto lo veía como una visión muy cerrada de Freddy. Yo simplemente creo que era su dinero, que él era el director y que él lo contaba como quería contarlo.»

Llama la antención, que en el blog de un insider del circuito comercial venezolano, “Luz!… Cámara!… Splat!”, se anunciaba para agosto de 2007 la siguiente confidencia: «13 segundos estará alcanzando los Bs. 3.000 millones en recaudación este fin de semana, convirtiéndose así en apenas la segunda producción nacional en llegar a esa cifra después de Secuestro Express».
Precisamente ésta cinta, estrenada en 2005, bajo el apoyo de la estadounidense Miramax para su distribución, ha sido una de las más taquillera en la historia del cine venezolano, casi llegando al millón de espectadores. Siendo una película realizada sin el apoyo del Estado, estuvo exhibida en salas de Estados Unidos, México e Inglaterra, por nombrar algunos de los países extranjeros donde consiguió comercialización. Pero hay quien la incluye en el mismo saco de las películas de groserías, malandros y prostitutas.

Una realidad impactante, un cine impactante
«A partir de Soy un Delincuente (1976) se genera como una matriz de expresión
en el Cine Venezolano donde la marginalidad, la delincuencia y el desequilibrio del
aparato jurídico venezolano se tornan muy evidentes, se manifiestan de una manera
muy contundente. Es que a partir de ese ejemplo, repito, es que puede haber surgido
este cine de guerrilleros, prostitutas y malandros», afirma el crítico Alfonso Molina en
el documental Los Olvidados de Clemente de Andrea López.

Este trabajo de no-ficción bautizado en los espacios de “Estrenar el Cine Nacional” de la Cinemateca, no ha sido el único documental realizado de forma independiente en los últimos años. La visión emotiva y conmovedora propuesta en Tocar y Luchar (2006) de Alberto Arvelo, comenzó siendo un encargo del Sistema Nacional de Orquestas Infantiles y Juveniles de Venezuela, con el apoyo del CNAC y producido por Cinema Sur y Explorart Films. Esta casa productora fue también la encargada de Más Allá de la Cumbre (2008), acaso el segundo documental que logra colarse en las carteleras comerciales de nuestro país.

Pero, aunque en las salas de cine, espacio por excelencia del séptimo arte, es donde puede medirse el éxito comercial de una película, sería ilusorio afirmar que es allí el único lugar donde el público venezolano ve sus películas. El fenómeno de la piratería, mal que bien, ha permitido la difusión de trabajos atrevidos, realmente independientes, incluso, inocentes. Este es el caso de Azotes de Barrio en Petare.

Al preguntarle a su director, Jackson Gutierrez, acerca del fenómeno que causó su película, no duda en afirmar que la piratería es algo muy grande. «Incluso, cuando salió Atrapadas” (una miniserie que realizó para ÁvilaTV) yo no se la zumbé a los buhoneros, y ya estaba en los buhoneros. Fui a un pana mío que es buhonero y ya tenía como 100 mil copias y eso es algo que se extiende ya a nivel Internacional. Los buhoneros se encargan de llevarla afuera del país. Pero eso es algo que yo no critico mucho porque gracias a ellos fue que me llevaron a la fama.»

Pero, aunque el que cría fama se acuesta a dormir, en la época de “Azotes…” Gutierrez tuvo que ajustarse, ya que el largometraje hecho en video fue de bajo presupuesto. «La hice nada más con 200 mil bolívares, salí a la calle, me compre una handycam de Hi8 y reuní un grupo de panas y salí a grabar mi vaina.» Pero está seguro de algo: «A mí me dan nada más 200 millones y haría tremenda película.»

Para los que, como en el documental de López, cuestionan «¿por qué íbamos a plantear nuestros trapos sucios para que los vieran en otras partes? ¿por qué esas cosas tan feas que tenemos, las van a saber en otras partes?», Esther de La Cerda, hermana de Clemente, ofrece su respuesta: «Él lo dijo: es que no es cuestión de que no lo sepan, es cuestión de corregirlas.»

Sin embargo, el disentimiento ha sido plato de todos los días y Gutierrez, quien ahora es productor en ÁvilaTV, responde a sus opositores: «Yo le diría a esa gente, que me perdonen la palabra, pero es de ignorantes esconder las cosas que se viven en el país. Porque uno lleva la realidad para que los jóvenes reflexionen, (…) que no agarren ese mal camino. A los padres, que tienen que ponerle un ojo a los jóvenes para que vean qué es lo que se está viviendo en los barrios y estén pendientes de ellos. Y las personas que critiquen que no la vean y listo, que no le compren la película a los piratas y no la vean».

Y es aquí donde surge otra propuesta de cine serie B, ése que se hace con bajo presupuesto, actores desconocidos y escasos valores cinematográficos. Pecho Canníbal, cuyo trailer en YouTube la proclama como «la película venezolana más impactante, impactante», es un largometraje de «ciencia ficción» protagonizado, escrito, editado, producido y dirigido por William Sarquiz. Este cantante de música llanera se avoco a la realización de una especie de Indiana Jones o Cocodrilo Dundee criollo, que se enfrenta, en idioma indio-spanglish, a un sinfín de adversidades.

«Yo le voy a decir mi verdad, yo tengo una opinión muy personal y muy independiente. (…) Eso es muy triste contar una historia bonita en un escenario deprimente por decir los barrios de Caracas, las casas de cartón o las casas marginales de Caracas. (…) Si colocamos una historia bonita, dentro de una locación bonita, la gente va a salir ganando porque se va a llevar una buena impresión, acá en Venezuela y en el exterior, (…) pero mientras tanto, vamos a estar sufriendo la depresión, a la gente falta estimularla para que vayan al cine a ver una película interesante contada por los directores venezolanos.», expone Sarquiz en una especie de decálogo que bien pudo llevarlo al Festival del Cine Venezolano realizado en Mérida el pasado noviembre de 2007.

El Enemigo del cine nacional
El Enemigo (2008) está basada en la obra de teatro Un corrío muy mentado, de Javier Moreno. «La obra me conmovió profundamente, pues sin dejar de mostrar con dureza la realidad de unos sentimientos, no perdía de vista la posibilidad de la compasión cuando eres capaz de reconocerte en otro. Y lo hace sin sentimentalismo», explica sobre el origen del largometraje, su director, Luis Alberto Lamata, en una entrevista que hiciera Vicente Forte Sillié para el blog El Cinescopio.

El también director de la épica histórica financiada por La Villa del Cine, Miranda Regresa (2007), vislumbra que «el futuro del cine es que tengamos muchas puertas que tocar. (…) Hay una gran cantidad de figuras que debemos considerar, de manera que si la Villa del Cine no te acepta tu proyecto, puedes ir al CNAC, y si el CNAC no lo considera, pues que exista la opción de hacer cine independiente. Hay que
crear las conexiones y las redes para crear el cine independiente.»

La protagonista de El Enemigo, Lourdes Valera, a modo de conclusión: «Es una película que toca un tema que duele mucho en el país, que lamentablemente sigue ahí latente que es la delincuencia. Cómo todos los días muere alguien en un hospital, en una clínica, y cómo a veces algunas personas actúan como el enemigo. Si tú actúas como el enemigo, eres el enemigo. »

YOU TUBE para independientes

Esta puede ser una buena oportunidad para los independientes. You Tube acaba de incorporar a su sistema The Screening Room, una plataforma que busca promocionar películas nunca antes proyectadas a largas audiencias. El Screening Room cuelga cuatro filmes diferentes cada dos semanas, dándole al creador 15 días gratuitos de publicidad en la súper visitada página web. Además, la propuesta le permite al espectador contactar al autor del filme y comprar, de asi desearlo, la obra proyectada. Según la información de You Tube el espacio está abierto a obras de "calidad" y creadores de todos los rincones del planeta. Sin duda se trata de una opción a considerar por autores y distribuidores.

Si quieres leer las bases generales del proyecto y obtener a información de contacto presiona AQUÍ.

Los olvidados de Clemente. Entrevista a Andrea López

Clemente de la Cerda fue uno de los realizadores más respetados y prolíficos de la cinematografía venezolana. En veinte años rodó alrededor de diez películas, la mayoría de ellas caracterizadas por la denuncia social y la crítica cruda de los problemas de los estratos sociales más marginados. Títulos como El Rostro Oculto, El crimen del Penalista, Retén de Catia y Soy un delincuente, figuran en la filmografía de este director, el cual fue relegado al olvido durante mucho tiempo.

En el 2005, como una manera de indagar la poca difusión de uno de los directores más importantes de nuestra cinematografía, la documentalista venezolana Andrea López produjo el documental Los olvidados de Clemente. En él nos muestra a partir de testimonios, fragmentos de películas, imágenes de archivo fotográfico y hemerográfico, el recorrido del destacado cineasta y su postura ante la realidad socio-política del país. El documental devela el olvido como consecuencia de la menguada industria cinematográfica nacional.

Hace unos días Andrea tuvo la amabilidad de enviarme el documental. Después de verlo me pareció justo y necesario hacerle una entrevista. Aquí les dejo las preguntas y las respuestas.


EC: 1.-¿Cómo nace la idea de rodar Los Olvidados de Clemente?

AL: La idea de grabar un documental sobre Clemente de La Cerda surgió de la inquietud que me producía la ausencia de nuestro cine en las escuelas en las que me formé. Me inquietaba sobre todo la poca –o nula difusión- de la obra de un autor que hizo doce películas en veinte años (con la excepción de Chalbaud, algo imposible para cualquier cineasta venezolano) y que batió récords de taquilla aún compitiendo con películas estadounidenses. Clemente fue un autor autodidacta, que logró que la empresa privada (Blancica) financiara buena parte de su obra y murió creyendo en poder instaurar una industria cinematográfica en Venezuela. No sólo Clemente formaba –o forma- parte de esta amnesia de nuestras escuelas y público en general; sino también muchos de los actores y personal artístico y técnico que trabajó con él.

Quería indagar acerca de las causas de este olvido.

El momento político también me estimuló mucho. Me empecé a plantear este documental en el año 2002. Revisar la filmografía de Clemente, signada por la violencia y una profunda descomposición socio-política en el contexto de la primera nacionalización petrolera, exigía una revisión en la re-nacionalización de Chávez.

EC: 2.-Entiendo que es un documental totalmente independiente. ¿Puedes compartir con nosotros lo que implica rodar una película de esta naturaleza?

AL: Grabar una película indepediente es saber que se va a sufrir. En Venezuela son pocos los sectores que invierten en el cine, y la demanda es muy alta. Plantearte hacer una peli sin recursos de algún ente, institución o productora, equivale a decir que tu vas a costear los gastos y todo el trabajo que implica hacer una película sin recursos...es decir, aaaaños... pues es uno quien debe costear la película y por lo tanto trabajar a cómo de lugar, así sea en otra área profesional. Por otra parte, cuando se es novel e independiente, uno debe ocuparse de prácticamente todas las áreas: guión, producción, dirección, edición...etc; asuntos que implican sacrificar la calidad, pues es difícil que una persona haga todo, prácticamente todo bien; aunque al fnal, se tenga la satisfacción –o el trago amargo- del aprendizaje.

En el caso de Los Olvidados de Clemente, hubo muchas cosas a favor. Tuve la suerte de que conseguí trabajar en un proyecto de investigación sobre protesta popular en Venezuela que llevaba la Facultad de Ciencias Económicas y Sociales de la UCV. En este trabajo, tuve que revisar y reseñar todas las protestas populares publicadas en prensa durante la década de los setenta y primera mitad de los ochenta; esto me permitió no sólo darme una idea del contexo socio-político del momento, sino también enterarme de su sintonía con la filmografía de Clemente. Logré también comprarme una camarita Hi-8 y empezar a grabar con la ayuda de los panas. Sin la colaboración desinteresada de Sergio Marcano, Luis Rodríguez, Eleazar Moreno, y sobre todo de Eleonora Ahrensburg, quien ha colaborado y ayudado siempre en la producción de campo de mis trabajos, no habría logrado nada.

En el 2003, conseguí trabajar en la extinta Fundabarrios, experiencia que me permitió empaparme del contexto de Clemente, conocer la recepción de su obra en la actualidad y lograr grabar en los espacios en los que él, 30 años antes, había filmado.

Una vez en la sala de edición, gané la primera edición del Concurso Nacional de Documentales promovido por el Conac (concurso al que lastimosamente, no se le dió continuidad), y con ello pude costear todo el trabajo de post-producción: la edición, la corrección de color, derechos de imagen, la música original, la mezcla de sonido, las caratulillas, las copias en DVDs, el estreno y una cámara nueva de Mini Dv, además de mi tesis de grado. Me dieron en ese momento, finales del 2004, 25.000 bolívares fuertes.

Hacer una película indepediente es asumir la responsabilidad de una obra que va a decir algo que quizá al establishment – en este caso los entes financiadores oficiales- o a los distribuidores-exhibidores monopólicos, les molesta y por lo tanto, no van a poner ni medio en tu propuesta. Hacer pelis independientes implica pues, riesgo, una actitud subversiva. Esto debe tenerlo uno claro y asumir lo que conlleva.

EC: 3.- ¿Cuál es el lugar de Clemente de la Cerda en nuestra filmografía?

AL: Yo creo que es muy importante. Clemente de La Cerda es y ha sido uno de los cineastas más prolíficos y populares en el cine venezolano. Es sin duda, una referencia del cine latinoamericano en el género de la violencia social y de las figuras de poder y convivencia de los desposeídos, junto a películas como Los Olvidados (Buñuel, 1950), Pixote (Babenco, 1980), Rodrigo D No Futuro o la Vendedora de rosas (Gaviria, 1990-1998).

Sé que la Cinemateca, que ha prometido desde hace aaaaños sacar un cuaderno dedicado a este cineasta venezolano, al parecer, por fin...al fin, ha contactado a José Roberto Duque, para proceder a hacerlo y publicarlo. Ojalá sea cierto, pues sí hay material de y sobre él.

EC: 4.-En el documental se nota una especie de polarización en torno a la obra de Clemente de la Cerda. Unos aseguran que se trata de un cine sensacionalista que se regodea en la miseria, la delincuencia y la prostitución. Otros aseguran que Clemente de la Cerda trataba estos temas para explicarlos, para entenderlos, incluso para solucionarlos. ¿Cuál es tu opinión?

AL: Mi opinión es que trataba de exponer el fenómeno de la violencia para explicarla. Las películas de Clemente en esto son muy claras. Puede que uno comparta o no su visión de las cosas, o que repudie sus justificaciones o su estética. En todo caso, sus películas son bastante claras, hay un sistema político y social corrompido que ejerce y genera violencia hacia los explotados o desposeídos. Esto es harto visible en Soy un delincuente (1976), Reincidente (1977), El Crimen del penalista (1979), Compañero de Viaje (1980), Los Criminales (1982) y Retén de Catia (1984). También está presente en Isla de Sal (1964) y el Rostro Oculto del mismo año.

La polarización entre la crítica y el público corriente, también tuvo que ver con los orígenes literarios de las películas de Clemente. No hay que olvidar que sus películas más exitosas estaban basadas en novelas testimoniales, un género también desprestigiado por los sectores intelectuales, pero de masiva demanda. El libro de Soy un delincuente de Gustavo Santander bajo seudónimo de Ramón Antonio Bizuela, tuvo más de 9 ediciones publicadas. Similar número llegaron a alcanzar Grupo Táctico Operacional GATO de Alexis Rosas y Retén de catia de Gustavo Santander bajo seudónimo de Juan Sebastián Aldana.

En un país donde la justicia no existe, las películas cierran y legitiman hipótesis que crean una catarsis en el espectador.

EC: 5.-¿Abusó Clemente de la Cerda de una temática?

AL: No creo. Un artista tiene el derecho de hacer el cine que sienta necesario. Más aún si tiene sintonía con las masas. En el caso de Clemente, su tema era la violencia socio-política. Ciertamente a ciertos públicos burgueses e intelectuales esto no les gustaba: hay toda una discusión sobre los aspectos formales, pero en fin... Clemente fue un cineasta con mucha popularidad, sigue siéndolo entre los mal llamados piratas del DVD.

Pienso que más bien las cosas se empezaron a poner mal cuando se dejó influir por necesidades ajenas de mercado sembradas por algunos prejuicios intelectuales. No hay que olvidar que Clemente enferma y muere haciendo una peli por encargo que nada tenía que ver con él, la comedia televisiva Agua que no has de beber (1984).

EC: 6.-¿Dónde se consiguen las películas de Clemente de la Cerda?

AL: El Archivo Fílmico de la Cinemateca Nacional guarda la mayoría de sus películas. El Rostro Oculto no existe, de Sin Fin hay fragmentos, de resto están ahí completas. De El Crimen del penalista, película que se filmó fuera del país, existe una copia en VHS en el Achivo Audiovisual de la Biblioteca Nacional.

Blancica las distribuyó en VHS en su momento y estas copias hace pocos años, podían rentarse en las hoy extintas “Tiendas del Cine” (Cinemateca Nacional) y Librería del Ateneo de Caracas.

Los vendedores del DVD distribuyen algunas de sus pelis más taquilleras: Soy un delincuente, Retén de Catia y Reincidente.

EC: 7.- ¿Murió Clemente de la Cerda a causa de la crítica?

AL: Creo que hubo una mezcla de cosas, de vivencias adversas a nivel familiar, gremial y laboral. Un sector de la crítica lo tildó de hacer un cine lúmpen a nivel temático y estético. Se dejó persuadir también por la idea de realizar un cine estricamente comercial traicionándose a sí mismo y demostrando poca versatilidad. La verdad es que empezó a enfermar en el rodaje de Agua que no has de beber y que murió al día siguiente de su estreno. La peli fue un rotundo fracaso.

EC: 8.-Hoy por hoy, ¿qué opinión te merece el cine nacional y sus instituciones?

AL: Percibo, como en los años de Clemente, que ha habido un nuevo despertar del cine nacional. No sólo los vendedores del DVD registran ganancias en su difusión, sino que también se han terminado, exhibido y aprobado financiamientos para producción de peliculas de veteranos y noveles.

Respecto a las instituciones de Vzla, pienso que son pocas, están muy centralizadas y sumamente burocratizadas. Cuando uno presenta un proyecto en el CNAC, son más las hojas de justificación de costos, avales, hipotecas...pura plata. Esto se entiende en un país tan corrupto como Vzla, pero vale también la obra ¿no?... Si bien se están haciendo intentos: se ha dado créditos a nuevas generaciones y se han aperturado más salas de la Cinemateca; el gran peligro radica en el financiamiento y la exhibición de propaganda. Es importante hacer notar que la Cinemateca ha ido cercenando espacios como la nula transferencia de nuestro cine a DVD, el cierre de su Tienda de video y la eliminación de la publicación Encuadre.

Este año se han exhibido muchas películas venezolanas de temática y géneros diversos, lo que a mi juicio significa un buen precendente; porque si bien es cierto que hay que atender a la calidad, también lo es que en Venezuela nunca ha habido escuela en términos de producción cinematográfica. Las que hay son muy incipentes. Entonces, en la medida en que logremos producir como para mantenernos en la cuota de pantalla está bien, porque es un piso para un desarrollo posterior. La postura crítica es válida, pero si no hacemos cine pues ¿qué espacio de difusión y exhibición vamos a ganar? No habría ni crítica....

EC: 9.- ¿Le gusta al venezolano su cine? ¿Crees que ha descuidado un poco lo suyo para ver películas extranjeras?

AL: Yo creo que a cierto público venezolano sí le gusta su cine. Las taquillas de Manuela Sáenz y Miranda de Diego Rísquez , así como Secuestro Express (Jacubowicz, 2005) o La Abuela Virgen (Barrera, 2007) así lo demuestran. En todo caso, yo creo que la clave está en producir más, exhibir y distribuir más. Si no hay conexión con el público estamos perdidos. Por otro lado hay que definitvamete prestar atención a la educación y cultura cinematográficas en el país...no ayuda que todo lo que se vea sea el enlatado hollywoodiense, o la repetición de telenovelas censuradas como el caso de Una Abuela Virgen.

Aplaudo inciativas como las de la Cinemateca –sin la propaganda- o la de Gran Cine, pero ambas siguen estando presentes en espacios muy elitescos. Especialmente loable me parece la labor de los llamados “informales”, aunque también considero que estos son una réplica del monopolio distribuidor-exhibidor...pues, al fnal, son ellos los mayores beneficiarios –en términos económicos- de la obra, no los realizadores-productores.

EC: 10.-Sé que andas por México. ¿Qué haces por esos lares?

AL: Me estoy formando en el área de guión, en el Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC) de México.

EC: 11.-Háblanos un poco de tus próximos proyectos.

Bueno, la verdad ando en llamas...je, je, je. Estoy trabajando varios guiones aquí en la Escuela y terminando un documental que he grabado durante tres años que se titula La Cuarta Gracia y que versa sobre la vida de Zulay Contreras Miralles, mujer que habita la Plaza Las Tres Gracias de Los Chaguaramos (Caracas) desde hace quince años, víctima del crack, la piedra.



Ficha Técnica
Título Original: Los Olvidados de Clemente
Guión, Producción y Dirección Andrea López
Asistencia de Producción: Eleonora Ahrensburg
Cámara: Andrea López, Sergio Marcano, Luís Rodríguez
Foto Fija: Eleonora Ahrensburg
Digitalización: Eleazar Moreno Ortiz
Montaje: Javier Beltrán Ramos, Eleazar Moreno Ortiz
Diseño y Mezcla de Sonido: Eleazar Moreno Ortiz
Grabación de la Voz en Off: Manolo Betancourt
Música Original: Leonardo Gil Babylon Motorhome

El documental Los olvidados de Clemente puede ser descargado del blog de La cooperativa El Perro Andaluz 101 de Jesús Odremán. Para hacerlo vaya a esta PÁGINA.


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