Hoy se estrena Cyrano Fernández

Después de un largo periplo que abarcó varios años, finalmente llega a la pantalla la nueva obra del director Alberto Arvelo, Cyrano Fernández

Basado en la clásica obra Cyrano de Bergerac, Cyrano Fernández es una versión libre y cruda de uno de los relatos más sensuales y violentos de la literatura universal. La historia de un triángulo de amor entre Cyrano (Edgar Ramírez, Roxana Padilla (Jessika Grau en la que fue su primera faena en el cine) y Cristian Santana (Pastor Oviedo), ocurre en el barrio San Miguel, ese laberíntico y poderoso escenario urbano que adquiere la importancia de un cuarto protagonista

La película se estrenará en prácticamente todo el país y se convertirá en el quinto estreno nacional en lo poco que va de año, después de Más allá de la cumbre, El tinte de la fama, Por un polvo y María Lionza: Aliento de orquídeas. Junto con Puras joyitas serán 6 las producciones Venezolanas que compartan cartelera

Por cortesía de Carlanga les dejamos el trailer:



Vayan a verla y luego nos cuentan qué les pareció...

¿Qué harías POR UN POLVO? Entrevista a Carlos Malavé.

Ya está en las carteleras venezolanas Por un Polvo, la ópera prima de Carlos Daniel Malavé. La película, una comedia de acción nada convencional, narra la historia de un cineasta que por una suerte de enredo se ve involucrado en un negocio de estupefacientes. La cinta está protagonizada por Jean Paul Leroux, Jessika Grau, Jesus Cervo, Roberto Moll, William Goyte y Guillermo Canache. Para aquellos que quieren saber más sobre Por un Polvo, les recomiendo "Sexo, drogas y Guaguancó", el artículo que sobre el filme escribió nuestro compañero Juan Espinoza.

Por mi parte, insisto con la entrevista. Siguiendo un poco con el mismo formato con el que he venido trabajando, les copio la que nos concediera Malavé vía correo electrónico.

El Cinescopio: Antes de iniciar las preguntas sobre Por un Polvo, tu ópera prima, háblanos un poco de Carlos Malavé, el cineasta, el director. ¿Quién es? ¿Cuál es su formación? ¿Qué camino ha recorrido hasta su primer largometraje?

Carlos Daniel Malavé: Yo vengo de una familia de abogados que no tienen nada que ver con el arte. Durante mucho tiempo fuí la "Oveja Negra", bueno, creo que en toda familia hay una, pero nunca me apasionó estudiar ninguna carrera común como derecho, medicina, etc. Desde muy pequeño me llamaba la atención la televisión y el cine pero lo que realmente quería ser era futbolista profesional. Pasó el tiempo, no hice mucho por ser futbolista y empecé a estudiar publicidad como una manera de acercarme a los medios audiovisuales.
Un tiempo después me di cuenta que no me acercaba si no más bien me alejaba el estar estudiando publicidad y empecé a hacer cortos por mi cuenta, todos muy pero muy malos, no tenía formación cinematográfica y menos de televisión, pero de tanto grabar cosas con una beta movie y con una de vhs se me dió la oportunidad de estudiar en COTRAIN y empezar directamente en el segundo semestre. Allí empezó de alguna manera mi contacto con el cine y estamos hablando que para esa época yo contaba ya con 25 años por lo que se puede decir que comencé tarde en esto de estudiar cine con formalidad.
Salí de COTRAIN en el 97 y allí empecé a buscar trabajo en el medio. Nadie creyó en mi por lo que con un dinero que conseguí prestado de mi padre monté una pequeña sala de edición muy casera y empecé a editar todo lo que se moviera, esto me dió dinero para comprarme una mejor máquina y luego ya fuí entrando un poco más en el medio. Ese año 1999 un cortometraje mio que se llama Crónica de un secuestro inverosímil fué nominado a varios premios ANAC, este fué un corto que hice en 16mm con el dinero ahorrado y con el cual tuve la oportunidad de recorrer algunos festivales. Luego realicé otro corto también en 16 mm con un dinero que gané del desaparecido premio del consejo municipal libertador y completé con un premio en metálico que me dió el CONAC por un corto que hice cuando estudiaba en Cotrain. LLegar al largo me tomó siete años de preparación, pero no escribiendo el guión o buscando financiamiento, sino aprendiendo y sintiéndome seguro de que podía contar una historia de dos horas.

EC: ¿De qué va Por un Polvo? ¿Quién escribió el guión? ¿Es una comedia? Cuéntanos tu experiencia como director de una co-producción internacional.

CDM: En dos platos es una comedia de acción pero multi-género porque hay de todo, es un experimento y cuenta la historia de un cineasta fracasado que por cosas de la telecomunicaciones se ve envuelto con una bella asesina que sufre de asma, su novio que es un matón profesional con problemas de próstata y un gran capo de la mafia que además es misógino. El guión me tomó poco tiempo, fué realmente rápido, lo hice en un mes!
Ser director de una película que tiene coproducción internacional no es nada fácil ya que debes cumplir con ciertas condiciones que a veces pueden resultar un dolor de cabeza como por ejemplo actores internacionales, técnicos etc. y cuando levantas una producción enmarcada en el bajo presupuesto esto puede ser contraproducente, pero al final logramos salir airosos, en presupuesto y en tiempo.

EC: ¿En tu calidad de nuevo director, ¿cómo se empieza a hacer cine?

CDM: Ahora con el digital sólo debes tener algo que contar, luego tomas unos panas y sales a grabarlo, por supuesto que hay que formarse primero a nivel teórico, pero es algo que se puede aprender en poco tiempo. Lo demás es la práctica. No hay que pararse por presupuesto ni por nada. Poco a poco el tiempo y la práctica te irán dando la verdadera formación. Yo creo que lo más importante es tener algo que contar y hacerlo de manera atractiva para el público, sea éste de pequeña o gran audiencia.

EC: Siendo que recibiste financiamiento del CNAC, ¿qué opinas del Baremo propuesto por dicha institución?

CDM: Al comienzo puede parecer estricto y difícil de pasar, pero por experiencia propia en el CNAC nada es de piedra, quiero decir que en nuestro cine todo se está implementando, se está experimentando y lo del baremo es como tener algo en que basarse pero sé que al principio no todo se va implementar porque cuando empieces a contar los directores que han llevado más de 300 mil personas al cine estos no llegarán ni a diez y si vamos a los que han ganado festivales clase A no llegarán ni a seis o cinco, entonces con esa base se irá para abajo o para arriba según los concursantes de ese año.

EC: Con todas las películas que actualmente se están produciendo, ¿cree Carlos Malavé que se está dando un despertar en el cine Venezolano?

CDM: No, creo que sencillamente soy parte de aquellos que quieren que nuestro cine se vea y que algún día se convierta en una importante industria cultural. Yo pongo mi película como una más de tantas que hay que hacer, sean de autor, comerciales o experimentales.

EC: La tecnología ha permitido abaratar costos a la hora de filmar y producir. ¿Crees que el futuro del cine está en el cine independiente de bajo presupuesto?

CDM: En latinoamérica creo que es definitivo, por ejemplo varios productores en ARGENTINA, que es un país que hoy dia estrena hasta 60 películas nacionales por año, dicen que el formato PREMIUM para hacer películas en Latinoamérica debería ser HDCAM 24P de allí para abajo todo lo que capte una imagen en movimiento es válido. Lamentablemente VENEZUELA no esta en esa onda ya que mientras el costo promedio de una peli en lationamérica es entre 500 mil y 700 mil dólares, aquí lo mínimo es UN MILLÓN de dólares, creo con todo respeto a mis colegas directores, productores y técnicos que estamos locos!!

EC: ¿Qué opinas del fenómeno de la piratería y qué estrategia se ha diseñado para evitar que Por un Polvo caiga en la centrífuga de los vendedores informales?

CDM: Sé que hay un pacto de caballeros entre los que manejan la piratería y el cine venezolano por lo que es muy díficil que en los tres meses que preceden al estreno puedas encontrar la película en los tarantines. La piratería es un fenómeno mundial pero que en latinoamérica es alarmante. Al final las estrategias importantes deben venir de los gobiernos pero eso ni aquí ni en Perú o Colombia por citar algunos paises es matería de estado.

EC: ¿Cuándo sale al cine Por un Polvo?

CDM: POR UN POLVO YA ESTÁ EN TODOS LOS CINES DEL PAÍS Y SOLO LES PUEDO DECIR QUE ES UNA APUESTA TOTAL OJALÁ LES GUSTE!




Otras entrevistas en El Cinescopio:
Conversación con Luis Alberto Lamata. El Enemigo.
Todo ocurrió en un día naranja. Entrevista a Alejandra Szeplaki.
Entrevista dos veces impactante. William Sárquiz.
Entrevista a la medida: Ni tan largos... ni tan cortos. Héctor Palma.
"El cine nacional se está consolidando". Entrevista a Lorena Almarza.

NO COUNTRY FOR OLD MEN gana los Oscar

No country for old men, la cinta de los hermanos Coen, se llevó el premio de la Academia como mejor película del año. Igualmente, ambos hermanos se llevaron la estatuilla por mejor dirección. Daniel Day-Lewis ganó el Oscar al Mejor Actor Principal por su actuación en There will be Blood mientras que el español Javier Bardem fue premiado como Mejor Actor de Reparto por su trabajo en la ganadora No country for Old men. El premio a la Mejor Actriz le fue otorgado a Marion Cotillard por su extraordinario papel en La vie en Rose, la biografía de la célebre cantante Edith Piaf. Por su parte Tilda Swinton fue galardonada como Mejor Actriz Secundaria por su trabajo en Michael Clayton.

La lista completa de los ganadores puede encontrarla AQUI.

Resultados de los Independent Spirit Awards 2008

Ayer tuvo lugar la ceremonia y entrega de premios del Independent Spirit Awards, evento en el que se premia a las películas y realizadores más destacados del cine independiente. La ceremonia, organizada desde 1984 por Film Independent, una organización sin fines de lucro creada para brindar apoyo a esta categoría de cineastas, establece un límite de 20 millones dólares como techo para la participación en los premios Spirit.

“(...) Ser independiente no significa hacer películas de bajo presupuesto sin el apoyo de un estudio… es una manera de innovar a fuerza de inspiración y necesidad (…)”. Martin Scorsese (Spirit Awards, 1990).

En todo caso, salvando las distancias entre un independiente que cuente con 20 millones de dólares y otro que no, aquí les dejo la lista de los ganadores del premio en cuestión:

• Mejor Película: Juno
• Mejor actor principal: Philip Seymour Hoffman, The Savages
• Mejor actriz principal: Ellen Page, Juno
• Mejor actor secundario: Chiwetel Ejiofor, Talk to Me
• Mejor actriz secundaria: Cate Blanchett, I'm Not There
• Mejort Director: Julian Schnabel, The Diving Bell and the Butterfly
• Mejor Director de Fotografía: Janusz Kaminski, The Diving Bell and the Butterfly
• Mejor Guión: Tamara Jenkins, The Savages
• Mejor ópera prima: The Lookout
• Mejor Guión (primer guión): Diablo Cody, Juno
• Mejor cinta extranjera: Once (Ireland)
• Mejor documental: Crazy Love

Además les dejo el trailer de Juno, la película ganadora y candidata al premio de la academia.

Sexo, drogas y guaguancó

Sodomía, voyeurismo, decapitaciones, tortura, narcotráfico, enfrentamientos con armas de fuego, una que otra referencia al desempleo, un humor excesivamente televisivo, y algo pueril, y la frustración de no poder alcanzar los sueños dorados, son los elementos que a duras penas definen a las situaciones y a los personajes de la ópera prima de Carlos Daniel Malavé, Por un polvo.

Sin embargo, lo de Malavé no es un desacierto sino una apuesta a ganador, pues desde el primer fotograma ya sabemos que estamos en presencia de una película que no se va a tomar a sí misma demasiado en serio. Desde el mero principio la ‘autoparodia’ y las referencias a otras películas será en muchas ocasiones el hilo conductor de la historia.

La película es lo que se puede considerar como un 'thriller de enredos' en clave caribeña (si eso tiene alguna lógica): la típica situación del tipo común y corriente que se ve inmiscuido en una circunstancia nada típica o corriente. Alejandro (Jean Paul-Leroux) es un cineasta al que la falta de financiamiento en su último largometraje lo manda directo a las filas del desempleo y el rebusque en otra línea de trabajo como agente de viajes, que por cosas de las comunicaciones, se ve implicado en un negocio de estupefacientes que involucra a funcionarios públicos y carteles de la droga.

En medio de todo aquello aparece un elemento clave del cine de suspenso, mucho más de ese género seminal como lo es el film-noir: la presencia de la femme fatale; en el caso de Por un polvo, Vanessa (Jessika Grau) es el típico personaje femenino que mueve los hilos de la historia a su antojo gracias al ejercicio de su poder de manipulación sexual sobre los otros personajes masculinos.

Obviamente haber elegido a Grau, producto de esa factoría de mujeres perfectas como lo es el Miss Venezuela, además de ser actualmente imagen de una bebida alcohólica, es una movida inteligente por parte de Malavé, pues así tiene a una cara conocida que el público ha aceptado previamente a la proyección de la película.

La presencia de Grau es agradable, aunque en partes algo exagerada, mas no incoherente dado el grado de autoparodia de la película. Con esta cinta ha conseguido destruir la imagen de niña buena que ha creado su explotación comercial en publicidad y televisión.

Lamentablemente no pasa lo mismo con los otros personajes de la película. El protagonista, interpretado por Leroux, parece ser reciclado de mucho de lo que hemos visto de él, tanto en Secuestro Express como en Ni Tan largos ni Tan Cortos. Pero lo que si es una verdadera pata floja para la película es la presencia del actor Guillermo Canache quien repite durante todo el metraje a su alter-ego televisivo 'Canache', ese hombre que intenta ser el arquetipo del venezolano promedio pero que a fuerza de repeticiones ya se ha vuelto algo insulso.

Otro de los elementos que obvio para el cinéfilo impertinente es la cantidad innumerable de referencias hacia otras películas y directores que pudieron o no haber influenciado a Malave como cineasta. Sin embargo, la misma referencias es de carácter temático más que formal, por lo que aunque pensemos que vamos a ver algo remotamente parecido a una película de Robert Rodríguez o Brian Depalma (a quien Malavé ha citado como sus influencias), no es así, pues los recursos mismos con los que se realizó la película son en cierto modo modestos y hasta cierto punto limitativos.

Aún así Malavé logra hilar la historia, por muy exagerada que parezca en algunos puntos, en una estructura clásica, aun el desenlace que parece ser un poco autoindulgente con esa carencia de recursos típico del cine de bajo presupuesto, pero sale triunfante y hasta deja un buen sabor de boca. Y lo mejor de todo es que a pesar de no tomarse a sí misma demasiado en serio como película, sí se toma en serio su finalidad: entretener.

PASANDO POR GO SIN COBRAR DOSCIENTOS

Hoy día son pocas las cosas que logran sorprenderme de Hollywood. Digamos que de una forma u otra estoy curado en salud. Inmunizado de los grandes estudios. Ya son muy raras las historias que logran impactarme en esta época donde lo que abundan son los guiones fofos, las historias basadas en libros, en comics, en historias universales y en hechos de la vida real. Al parecer Hollywood es, hoy por hoy, la tierra de los remakes y las secuelas. Pero en el cine, como en la vida, no todo es blanco y negro: siempre hay espacio para la sorpresa.

Hasbro, el archiconocido fabricante de juguetes (Transformers, G.I. Joe, Clue) acaba de cerrar un trato de seis años con Universal Pictures. Al parecer, ambas empresas esperan producir en dicho tiempo, seis películas basadas en las creaciones de Hasbro. ¿La primera de las películas? Monopolio. Sí, han leído bien. Esta gente va a ser una película basada en Monopolio, el juego de mesa. ¿De qué demonios va a tratar la película? Llámenme corto de visión, pero no tengo la menor idea de por dónde va a ir el guión, si es que se han ideado uno. G.I Joe y Clue sin duda parecieran tener más sentido, al menos a nivel dramático. Pero a Monopolio no le veo otro destino que convertirse en el remake del reality show de Donald Trump.

La cosa no termina ahí. Para dirigir Monopolio, Universal Pictures tiene ya enganchado a Ridley Scott como director. Tiene sentido para la carrera de cualquiera que haya dirigido cintas como Gladiador, American Gangster, Hannibal y Black Hawk Down. Después de todo Monopolio es un juego donde lo épico y lo dramático confluyen notablemente. ¿O no?

En el 2007 Paramount Pictures produjo Transformers, bajo la dirección de Michael Bay. Ahora es Universal quien apuesta en grande a Hasbro, no con uno, sino con seis proyectos. La historia del cine está llena de infamia y falta de imaginación.

VIA / Eflux Media

Profesor a medio tiempo

Aquí está el teaser de Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal, sobran las palabras y la nostalgia.

Conversación con Luis Alberto Lamata en ocasión de su última película El Enemigo

“ (...) En una guerra moral, si actúas como el enemigo, eres el enemigo (...)”.

Para el mes de Marzo llega a las salas de cine venezolanas El Enemigo, la última película del director venezolano Luis Alberto Lamata. Lamata, quien viene de filmar para la Villa del Cine Miranda Regresa, ahora intenta una propuesta más autoral, más propia del cine independiente y de bajo presupuesto. Y es que El Enemigo, reflexión intimista sobre la violencia en la urbe caraqueña, fue financiada exclusivamente con aportes personales y la colaboración solidaria de artistas y técnicos. Además, la cinta fue rodada en tan sólo quince días, en video digital y con un equipo de trabajo bastante reducido.

Hace unos días tuve la oportunidad de conversar y entrevistar vía telefónica al señor Lamata. Aquí les transcribo el resultado de nuestra conversación.

EL CINESCOPIO: Hablénos un poco sobre El Enemigo. ¿Cómo nace esta idea?

LUIS ALBERTO LAMATA: El Enemigo está basada en la obra de teatro Un corrío muy mentado, de Javier Moreno. La obra de Javier Moreno me conmovió profundamente, pues sin dejar de mostrar con dureza la realidad de unos sentimientos, no perdía de vista la posibilidad de la compasión cuando eres capaz de reconocerte en otro. Y lo hace sin sentimentalismo. Al escribir el guión nos reunimos varias veces, pues siempre quise respetar la esencia de la obra y en especial un tono y un diálogo que le quitaban a la violencia urbana una banalidad a la que el cine a veces nos ha acostumbrado. El guión es mío, pero por supuesto inspirado en la obra de teatro y como toda adaptación tiene muchísimos cambios. Son dos medios totalmente distintos, con maneras de contar muy diferentes. En el proceso de traducirlo de un medio a otro la historia necesariamente cambia o toma unos quiebres distintos a la obra de teatro. En el fondo mínimo, la historia sufre transformaciones.

EC: Uno de los aspectos más interesantes de la película, además de haber sido grabada en escasas dos semanas, con un grupo y un presupuesto mínimos, es el hecho de haber sido filmada en video. Sus obras anteriores han sido realizadas exclusivamente en 35mm. Háblenos un poco de lo que significó este cambio.

LAL: Yo vengo de una generación que llegó al cine en circunstancias muy particulares. Hacer un cortometraje implicaba pasar por el cine, por el proceso fotoquímico. Mi primer cortometraje en 1984 lo hice entre otras cosas porque después de trabajar en una película no había como terminar de pagarme en efectivo y entonces el pago fue unas latas de película que habían sobrado. A partir de allí hice un corto en 35mm y todas mis producciones inevitablemente tuvieron que pasar por este formato, lo que hacía que hacer cine fuera un proceso enormemente complicado. Al nacer la tecnología digital se abren nuevas perspectivas porque se acerca mucho más al realizador la posibilidad de llevar adelante los proyectos. Esta vez, a diferencia de proyectos anteriores tenía a la mano la tecnología digital. El Enemigo se grabó con una cámara bien sencilla, en formato Divicam.

EC: Cuando vemos el trailer de El Enemigo, vemos una imagen pulcra, nítida, con una similitud increíble con el cine tradicional. Sin duda se nota un cuidado minucioso de la fotografía. ¿A pesar de lo que implica el video, uno de los formatos más sencillos y espontáneos que existen, cree que se necesita un director de fotografía para filmar con él?

LAL: Yo preferí trabajar con un director de fotografía profesional a pesar de ser una película de muy bajo presupuesto. Traté en lo posible de trabajar con un equipo profesional, mínimo, pero profesional. Casi todos ellos habían trabajado conmigo en los largos anteriores y son técnicos con experiencia tanto en 35mm como en video. El mérito de la calidad de la imagen se debe fundamentalmente a la obra de Alejandro Wiedemann quien fue el director de fotografía.

EC: Ahora que hizo El Enemigo en video, ¿diría que el futuro del cine es el independiente de bajo presupuesto?

LAL: El futuro del cine es que tengamos muchas puertas que tocar. Yo en algún momento de mi carrera, cansado, porque constantemente se me rechazaron los proyectos en el CNAC, tomé la decisión de no volver a meter proyectos: durante 5 años efectivamente no lo hice. Asumí que estaba cansado de esa rutina, del esfuerzo de ilusionarte con un proyecto, de presentarlo y entonces encontrarte que por muchas razones pues sencillamente no lo aprobaban. Me encontré que tenemos pocas puertas para solicitar apoyo en caso de que se te cierre alguna. El esquema del cine venezolano debe estar sentado sobre la base de que haya diversos caminos. Por ejemplo: me parece interesante que el Estado asuma directamente la producción de una parte del cine a través de la Villa del Cine. Creo que le da oportunidades a los profesionales de trabajar, de ahí pueden surgir proyectos interesantes, por supuesto habrán buenas y malas películas como en cualquier circunstancia, pero que en la medida que el Estado maneja unos recursos, pues que esos recursos sean utilizados en la producción de cine me parece fundamental. En paralelo creo necesaria la existencia de una institución como el CNAC, donde te apoyan un proyecto de tipo autoral. Ese respeto a la parte autoral me parece importante. Pero siento que la tercera puerta es importantísima, que es la que estoy explorando con El Enemigo, es cuando tú logras reunir esos recursos mínimos que te permiten realizar una película. Yo quisiera que ese dinero que el Venezolano deja en la taquilla y que va para esos fondos que generan recursos para el cine, fuera directamente a ese cine independiente a través de varias vías, como el apoyo a la post-producción o el pase de video a 35mm. Hay una gran cantidad de figuras que debemos considerar, de manera que si la Villa del Cine no te acepta tu proyecto, puedes ir al CNAC, y si el CNAC no lo considera, pues que exista la opción de hacer cine independiente. Hay que crear las conexiones y las redes para crear el cine independiente.

EC: A pesar de ser de bajo presupuesto, el reparto de El Enemigo cuenta con figuras bastante reconocidas: Lourdes Valera, Carlos Cruz, Daniela Alvarado, Caridad Canelón, Gledys Ibarra, Aroldo Betancourt y Elba Escobar, entre otros. ¿Cómo fue ese proceso de casting?

LAL: Se trata de compañeros con los cuales he trabajado en muchos proyectos, especialmente en televisión. Mi oficio, del cual vivo, el que permite hacer cine, es la televisión. Esos actores y actrices además de ser grandes profesionales son extraordinarios amigos. Gracias a su participación generosa es que la película es posible. Ellos entendieron las circunstancias del proyecto, creyeron en el guión y en los personajes que se le proponían y se hicieron parte de este esfuerzo que es un esfuerzo colectivo. Muchos de estos autores se han quedado esperando que los llamen a hacer cine. Estoy seguro que a la mayoría de ellos, si se les llama, estarían dispuestos a hacer cine. Incluso muchos de ellos ya han hecho cine.

EC: Indagando un poco sobre usted, descubrí que estudió historia y no cine. ¿Cree que la mejor manera de hacer cine es agarrar una cámara y filmar?

LAL: El cine se aprende con el oficio. En definitiva el cine se aprende en la trinchera. No hay otra manera. Este es uno de los problemas del cine venezolano: hemos hecho poco cine para llegar realmente a la calidad de películas que queremos. Yo creo que en el cine el asunto “cantidad” está muy ligado a la “calidad”. Mientras más oportunidades, mientras más cineastas mostrando su mirada, más oportunidades hay de tener mejores películas. Y esto es importante porque tiene que ver con la tercera puerta del cine independiente de la que hablaba. Un técnico de cine no puede aspirar a cobrar igual en una película de la Villa del Cine que en una independiente. Tiene que haber una conciencia de todo el colectivo cinematográfico de que es importante que exista ese cine distinto al CNAC y la Villa, pero no entendido como un cine antagónico porque al espectador no le importa de dónde salieron los fondos para una película. El financiamiento no tiene que ver con la calidad de la película. Por eso insisto que al defender el cine independiente esto no debe implicar una mirada antagónica al CNAC o a la Villa del Cine o frente a alguna productora internacional. El cine es tan complicado que pensar que una puerta es moralmente incorrecta es una tontería.

EC: Hablando del CNAC, esta institución está promoviendo un Baremo, nuevos lineamientos para la aceptación de proyectos. Muchos opinamos que los estándares propuestos son demasiados elevados, tanto, que se podría pensar que a los cineastas noveles se la va a hacer cuesta arriba la aprobación de sus proyectos. ¿Qué opina usted como director?

LAL: Yo siento que es fundamental que se creen mecanismos que aseguren que en cualquier entrega del CNAC haya un porcentaje importante de óperas primas. Pero insisto en que en términos económicos el medio debe entender que un esfuerzo independiente es distinto a cuando tú tienes un apoyo financiero. Cualquier parámetro que trate de normar todo lo que es la actividad económica del cine tiene que entender esta diferencia.

EC: Últimamente ha estado involucrado en numerosos proyectos: Miranda Regresa, las series de Miranda para la televisión, El Enemigo y, próximamente, la historia de Boves. ¿De dónde saca tanto tiempo? ¿Se trata de una cuestión de dedicación?

LAL: Te voy a ser sincero. Cuando uno toma la decisión de hacer cine, uno sabe que se está metiendo en un oficio de alto riesgo, extremo, como los deportes extremos. Si lo asumes sabes que vas a enfrentarte a una enorme cantidad de problemas y callejones sin salida. Yo retrasé el estreno de El Enemigo por Miranda Regresa, pero lo asumí plenamente. Consideré un reto interesante trabajar con la Villa. Pero la verdad es que este ritmo de trabajo ha sido el mismo desde los años ochenta. Lo que ocurre es que antes había menos películas y más televisión. Nunca he querido renegar del trabajo en televisión puesto que además de que se pueden hacer cosas interesantes es el que me ha permitido hacer el cine que quiero. Esto va más allá del asunto temático, porque las tres películas son muy distintas: Miranda Regresa es una crónica con un interés divulgativo plenamente asumido y El Enemigo es una película contemporánea, urbana, una reflexión sobre la violencia y sin embargo no es una película de malandros, pero si sobre las víctimas de los malandros; Boves es, si bien historia, mucho más personal, se acerca más a Jericó, por ejemplo.

Para el trailer y la información técnica de El Enemigo presiona AQUÍ.

Otras entrevistas en El Cinescopio:

Todo ocurrió en un día naranja. Entrevista a Alejandra Szeplaki
Entrevista dos veces impactante. William Sárquiz
Entrevista a la medida: Ni tan largos... ni tan cortos. Héctor Palma
"El cine nacional se está consolidando". Entrevista a Lorena Almarza

Patada, Kung Fu y Escupitajo: Enter the Dragon

Con cierta pena reconozco que nunca había visto Enter the Dragon (1973) hasta reciente fecha, pero ya pude conseguirla en un formato decente y la verdad es que lamento no haberla visto antes.

En primer lugar la película fue la última en que Bruce Lee actuó, (las películas posteriores a ésta son sólo una explotación pseudo-pornográfica de la imagen de Lee), y siendo ésta realizada en un momento pleno de Lee como artista marcial y como actor es probablemente la película que mejor capturó al señor.

Lo interesante de Enter the Dragon es su carácter originario de muchos de los elementos del género de las artes marciales en el cine posterior a ésta.

Su influencia parece seguir vigente aún después de todos estos años. Mientras veía la película me pareció sentir durante casi toda la duración que todas las situaciones ya las había visto anteriormente.

Desde The Quest hasta Mortal Kombat (tanto el juego como la película), creo que la fórmula de Enter the Dragon ha sido usada hasta el cansancio. Algo que siento que se repite con Fist of the Dragon (1972), una de sus primeras películas.

Mucho más impresionante es saber que tal impacto se logró con tan poco, son sólo 5 de las películas que Bruce Lee hizo dentro del género de las artes marciales, existe por otro lado una plétora de películas donde apareció que hasta ahora son desonocidas para gran parte de los mortales.

Pese a lo que puede parecer Enter the Dragon no es sólo un vehículo para mostrar las habilidades físicas de Lee (quien diseño todas las coreografías de pelea) sino que además es también un vehículo para mostrar parte de lo que era la filosofía de Bruce Lee.

Mucha gente no lo sabe, pero Lee fue un dedicado filósofo quien consideraba principalmente que el artista marcial debería ser más libre luego del entrenamiento formal, de hecho su estilo de pelea es un "estilo sin estilo". Si bien en la película es muy poco lo que se asoma de toda esta ideología es agradable saber que la película tiene el sello personal de Lee.

También destaca la música original del largometraje que fue compuesta por Lalo Schifrin ese panita que pasará a la historia por haber compuesto el tema de Missión: Impossible; pero que en realidad tiene un cuerpo de trabajo impresionante donde se incluye la música para películas tan distintas unas entre sí como Dirty Harry, Tango, The Amyteville Horror.

Robert Clouse dirigió a Lee nuevamente en Game of the Death, película inconclusa luego de la repentina muerte de Bruce Lee y que Clouse terminó a punta de trucos de cámara y dobles, lo que dió lugar a eso que se conoce actualmente como el Bruce-Lee-explotaition

Pero, ¿y de qué va la película?, Bruce Lee interpreta a "Lee" un dedicado artista marcial recluido en un templo shaolin es reclutado por una agencia internacional para que se infiltre en un torneo de artes marciales (coño y que más) a realizarse en una isla organizado por un hombre sospechoso de tener una red de trata de blancas y tráfico de opio. La cuestión se vuelve personal pues Lee descubre que en una edición anterior del torneo su hermana perdió la vida.

Un clásico, no tanto por su permanencia en el tiempo como obra particular, sino por su fuerza e influencias sobre prácticamente todo el género de artes marciales posterior.

Todo ocurrió en un Día Naranja. Entrevista a Alejandra Szeplaki.

Se estima que para el mes de Septiembre de este año se estará estrenando en la cartelera venezolana Día Naranja, el primer largometraje de la realizadora venezolana Alejandra Szeplaki. La película cuenta la historia de tres mujeres, Ana, Patricia y Sol, quienes, en tres lugares diferentes de Suramérica, se enfrentan a un destino común: la posibilidad de ser madres. Caracas, Buenos Aires y Colombia son el marco de las tres historias, las cuales se desarrollan en un sólo día. Un Día Naranja.

Según un artículo publicado por la Agencia Bolivariana de Noticias, la película fue financiada por el Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC), el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales de Argentina (INCAA) y las compañías venezolanas Estrella Films, Lagarto Films y Bolívar Films, entre otras.

Para hablar de Día Naranja y otras cuestiones de interés, Alejandra nos concedió una entrevista, la cual transcribo a continuación.

EC: ¿Quién es Alejandra Szeplaki? ¿Dónde coinciden la mujer y la cineasta?

AS: He tratado de responder a esta terrible pregunta varias veces, he abierto varias botellas de vino tinto, me siento frente a mi mac, me sirvo una copa y termino la botella sin poder siquiera redactar dos líneas coherentes. Has empezado la entrevista por un lugar que me intimida, no puedo responder muy bien, no soy muy buena redactando, pero juro hago mi mejor esfuerzo aunque he tardado más de un mes en responder, esta difícil, no soy una intelectual. Es muy difícil saber quien soy o hablar de mi, me da un poco de angustia, pero te puedo decir que soy alguien que ama el cine, cada vez que estoy triste voy al cine y en esa sala oscura siempre me siento mejor. Cuando estoy feliz también lo celebro viendo una película, cuando me siento perdida en la vida siempre tengo al cine como tabla de salvación. Trabajo en el mundo del cine desde muy joven, mi primeros salarios fueron gracias al cine y desde muy joven decidí que no quería hacer otra cosa en el mundo. Siempre me ha interesado el mundo de lo femenino, desde esta óptica femenina enfoco mi trabajo. También desde este lugar he hecho de mi trabajo una visión feminista de la imagen.

EC: ¿Crees que la mujer venezolana, además de las grandes actrices, ha tenido una participación importante en el cine venezolano?

AS: El cine venezolano está lleno de grandes mujeres, desde grandes mujeres que han escrito crítica de cine, hasta importantes directoras de cine, cuyas películas están entre las más taquilleras de cine nacional. Los galardones más importantes que ha conquistado el cine nacional han sido de películas hechas por mujeres. Pero entre los mejores productores ejecutivos del país hay varias mujeres, productoras generales, productoras de campo, además de otros cargos donde es más común que sean mujeres las responsables del cargo, me refiero a script, vestuario, maquillaje. Muchísimas de mis compañeras de oficio han decidido incluso hacer del cine su familia y no tener hijos porque el sacrificio de la profesión se los ha impedido. Este es un oficio duro y para las mujeres más. Pero el cine nacional existe gracias al trabajo y talento de muchas mujeres.


EC: Sé que tienes encima 35 documentales y 3 cortos de ficción. Háblanos un poco (brevemente) de esos primeros trabajos, así como de tus influencias.

AS: Nunca pensé que haría documental, de hecho era un género que nunca me interesó, pero el país comenzó a cambiar y estos cambios merecían ser documentados, esta energía quizás me llevo a trabajar en el género documental. Pero también aquí descubrí una libertad creativa inmensa, las cámaras de video son muy ágiles, el equipo es mínimo y es increíble la libertad que se gana, comparado con la rigidez del 35 mm, la edición inmediata es mágica. Es un género que hoy amo.

El corto de ficción, fue mi escuela. Al no tener estudios formales en cine en ninguna gran universidad, allí aprendí todo confrontándome conmigo misma, aprendí procesos técnicos, aprendí a dirigir, a amar mi profesión, a entender que este oficio es un apostolado al que debes dedicar tu cuerpo y alma y entregarte de verdad, sino no terminas los cortos, y que allí pones tu dinero, tus sueños, tus ideas, tus frustraciones, tu amor. Ahora cuando veo mis cortos, igual que antes, lloro de emoción, me conmueven mucho, porque les dediqué mi cuerpo y alma. Mis cortos fueron un espacio de libertad, experimentación, un espacio para encontrar un lenguaje propio. Buenos o malos al menos se que los he hecho con el corazón en la mano.

EC: Entiendo que tu obra siempre ha tenido una mirada intimista de lo femenino. ¿Qué significa mostrar ese lado de la realidad? ¿Crees que un hombre está en capacidad de mostrar a la mujer tal y como es?

AS: Hay hombres que han retratado muy bien el alma de la mujer. Pero en mi trabajo la mirada de la mujer, de lo únicamente femenino, está siempre presente, procuro buscarla y la atesoro, como una llama frágil. Nunca me interesó lo feminista en el sentido panfletario, más bien siempre he buscado lo pequeñito, lo cotidiano, lo que puede decir un gesto, una mirada, un movimiento de cámara, más que una gran declaración de principios. El mundo de la mujer me parece interesante, por esto lo he explorado en mi trabajo. El mundo de mis amigas, de las mujeres de mi familia. Casi siempre escucho música cantada por mujeres, leo literatura escrita por mujeres, no es algo impuesto, se da por sí mismo, es como una energía que me busca. Quizás porque los cuentos que se contaban mientras se cocinaba en la cocina de mi casa, eran los que me comenzaron a vincular con el mundo.
Lo lindo de mi trabajo, es que algunas cosas que he filmado han permitido a muchas mujeres hablar de cosas que se relacionan con los temas que tocan las películas. Esto ha propiciado discusiones o compartir sentimientos, y esto es mágico. Si alguna frase o imagen de las que creo, conmueve a una mujer y la nueve a hablar o compartir con otra, he logrado mi objetivo.

EC: ¿De qué va Día Naranja y en qué crees se diferencia del resto de tu obra?

AS: Un largo es tan diferente!, tanto dinero!. Tanto tiempo. En esencia yo creo que se parece mucho a mis otras pelis, claro más profesional, mejor hecha, con más recursos, espero que quede mejor y también menos radical!
La gente habla!!! (los otros cortos son mudos). Bueno ha sido un gran proceso de aprendizaje, desde el guión, que fue un trabajo de 2 años y medio que escribí gracias a la colaboración de una talentosa guionista argentina llamada Leticia Castro. No sabes lo que me di de cabezazos hasta entender que no podía yo sola, que yo no soy guionista. También que un largo es muy diferente a un corto, en el aspecto de planificación, producción, etc. Aprendí a trabajar con actores, a trabajar con un gran equipo de profesionales donde de cada uno aprendes muchísimo, también a tener paciencia; los procesos son muy largos. Bueno y el camino que me queda por delante será de aprender mucho más. Pero he aprendido de todo, de fotografía, de arte, de dirección, de actuación, de edición, de cámara, de producción, de post producción. Un largometraje es un gran trabajo en equipo. Sin un gran equipo no hay película y mi labor aquí ha sido coordinar el talento de muchas personas para lograr un lindo resultado. En lo que más se parece a todos mis trabajos, es que sigue siendo una gran escuela de vida.


EC: ¿Cómo lograste conseguir financiamiento para Día Naranja?

AS: Gracias al gran esfuerzo y talento del productor ejecutivo de la película Daniel Jerozolimski, quien ha conseguido el dinero para la producción en Venezuela y los acuerdos de coproducción con Argentina y Colombia, Ibermedia entre otros, aportes como Cines unidos, Bolivar Films, Adolfo Lopez Sojo, etc, así como un grupo de talentosos productores ejecutivos regionales como Hugo Castro Fau de Argentina, Alexandro Angulo de Colombia. Igualmente Daniel ha convocado un gran equipo de producción local que ha hecho posible que la película se filme. Como siempre, una sola persona no hace una película, sino un conjunto de talentosas personas, en este caso el equipo de Daniel, que ha trabajado para hacer de Día Naranja una realidad. Este gran equipo pasa desde jefes de producción como Marianella Illas hasta los asistentes de producción.

EC: ¿Crees que actualmente existe un renacer del cine venezolano?

AS: Sin duda, un renacer de temas, de taquilla, de talentos, un interés de la gente por nuestro cine, un Estado comprometido con que exista de verdad el cine nacional. Estamos en un momento más que alentador, un momento fantástico. Y me alegra estar aquí y ser parte de esto.

EC: ¿Qué opinas de la Villa del Cine como institución?

AS: Creo que como concepto es algo formidable. Un espacio que se abre para el cine nacional, algo totalmente novedoso. Una institución con grandes recursos para el cine y una posibilidad para hacer más películas. Allí en poco tiempo van a haber equipos de tecnología de punta que se ofrecerán a todo el cine a precios solidarios. Estudios de sonido, de filmación, talleres de costura, cámaras. La villa del cine generará empleo para cientos de colegas. Es un espacio que no existe en Latinoamérica. Es producto de un Estado que entiende y asume con letras mayúsculas, su compromiso con el séptimo arte.

EC: Has escrito crítica de cine. Algunos consideran a los críticos como seres insufribles. ¿Cuál es tu opinión?

AS: Si he escrito, crítica de cine. No lo considero un oficio de gente insufrible, sólo creo que los malos críticos de cine son seres insufribles, sin duda, pues escriben creyéndose dueños de la verdad absoluta. Esto siempre es, cuando menos, de muy mal gusto.
Nunca quise escribir de cine nacional, fue siempre mi única condición para aceptar escribir en prensa. Me niego a hablar mal de nuestro cine, no tengo objetividad con el cine venezolano, lo amo demasiado y cuando algo no me gusta, igual me duele demasiado, lo sufro mucho, soy parte de él.
Escribir crítica de cine es un oficio, bellísimo. Uno que te deja unos recuerdos preciosos, la gente me conoce más por mi labor de crítico que como cineasta. Es algo real, precioso, que los lectores, si tienen empatía como lo que escribes y con tu estilo, están pendientes de lo que reseñas, van a ver las películas si hablas bien de ellas, te leen cada semana. Es una pena que en Venezuela, la crítica en prensa es casi inexistente, los grandes periódicos cerraron las puertas y las columnas de sus críticos, el país se quedó sin este espacio de reflexión, es algo que da vergüenza.

EC: Empezaste a hacer cine muy joven. ¿Qué le dirías a aquellos que están empezando?

AS: Cuando empecé a hacer cine, entré por donde casi todo el mundo entra, como asistente de producción, trabajando gratuitamente en un cortometraje. De allí en adelante son muchos años trabajando duro en este medio. Es una profesión bella y fuerte. Yo nunca pensé que llegaría a ser directora, y bueno aquí estoy, he pasado por muchos lugares maquillaje, utilería, asistente de dirección, dirección de arte, he dirigido cosas bonitas y cosas feas, he llorado y me he estrellado y me han salido mis proyectos y he ganado premios. Esta es una profesión donde los sueños se pueden hacer realidad. El cine es mi lugar en el mundo.

EC: ¿Tienes una fecha de estreno para Día Naranja?

AS: Sueño con la gran frase: ¡pronto en cines! y espero que en septiembre esté en las pantallas nacionales!!

Otras entrevistas en Cinescopio:

Entrevista dos veces impactante. William Sárquiz.
Entrevista a la medida: Ni tan largos... ni tan cortos. Héctor Palma.
"El cine nacional se está consolidando". Entrevista a Lorena Almarza.

LOS GOYAS YA TIENEN GANADOR

La película ganadora de la XXII edición de los Premios Goya fue La Soledad, el segundo trabajo del español Jaime Rosales, realizador que además fue galardonado con el premio al mejor director. La mayoría de los diarios españoles reseñan que fue una noche de sorpresas, pues La Soledad no figuraba dentro de las favoritas. El duelo se presentaba entre El Orfanato, la cinta de horror de Juan Antonio Bayona y 13 rosas, del director Emilio Martínez Lázaro.

Los resultados fueron:

Mejor película: La Soledad
Mejor director: Jaime Rosales por La Soledad
Mejor actor: Alberto San Juan por Bajo las estrellas
Mejor actriz: Maribel Verdú por 7 mesas de billar francés
Mejor actor de reparto: José Manuel Cervino por 13 rosas
Mejor actriz de reparto: Amparo Baró 7 mesas de billar francés
Mejor director novel: Juan Antonio Bayona por El Orfanato
Mejor actor revelación: José Luis Torrijo por La Soledad
Mejor actriz revelación: Manuela Velasco por Rec
Mejor Guión Original: Sergio Sánchez por El Orfanato
Mejor música original: Roque Baños por Las 13 rosas
Mejor fotografía: 13 rosas
Mejor vestuario: 13 rosas
Goya honorífico: Alfredo Landa

Aquí les dejo con el trailer de La Soledad, la cinta ganadora.