Me mató, pero no fue suavemente: Killing them softly

Por Corina Freyre

De esas veces en que una película sorprende. De esas en las que uno cree que está gastándose los reales en una peli súper comercial y resulta que no. Esta fue una de esas veces en que creí una cosa y vi otra. Y lo que vi fue mejor. Esta fue la vez en que fui a ver Killing Them Softly. Escrita y dirigida por Andrew Dominik basada en la novela Cogan's Trade de George V. Higgins y protagonizada por Brad Pitt, parecía una entrega comercial de calidad. Es más que eso.

Es una propuesta en donde un buen guión y una edición impecables juegan sus papeles a la perfección para crear esta pieza que obliga al expectador a agarrarse de la película mientras ella corre a 130 km por hora.

La película abre y la presentación es de lujo. Sencillo: créditos, corte, personaje, corte, crédito, corte y así. Pero con cada corte hay un corte de sonido, brusco, volado, exquisito. Experimental.

Todo comienza con tres hombres y su plan para robar a la mafia cubriéndose en un antiguo robo interno  (el plan implica que los mafiosos sospecharán del mismo perpetrador de la vez pasada). Llevan a cabo su plan, todo sale perfecto. Es cierto, todos sospechan del mismo tipo, pero luego actúan y averiguan y ya no todo sale tan bien. Brad Pitt debe investigar la situación y deshacerse de él o los responsables. A partir de este momento las cosas se complican un poco más y comienza lo bueno (que no contaré para no arruinar la historia).

EL CHICO QUE MIENTE. O Una Verdad A Medias.

Por Daniel Dannery.

La búsqueda de la verdad es siempre un camino tortuoso, y es por eso que necesitamos mentir para obtener, o más bien necesitamos que nos mientan para saber que vivimos de la apariencia de la fortaleza.

En ese camino nuestras emociones más extremas logran unirse y podemos pasar del odio al amor, y viceversa, porque la verdad, dice un refrán: “Duele”. Pero necesitamos de ella, estamos en esa constante búsqueda de descubrir lo que somos, o lo que nos hace ser.

En ese sentido, y através de ese dogma de vida, existen instituciones, empresas y demás “edificaciones” que intentan hallar una solución a estos problemas; algo llamado NASA, cuyo propósito es el de buscar respuesta a una de las más grandes incógnitas del ser humano ¿Somos los únicos?

O ese libro de titulo elitesco “Más Platón y Menos Prozac”, que busca darnos cuenta que nuestras depresiones, histerias, obsesiones, filias, o lo que sea, únicamente son un producto de nuestras mentes mal sanas.
Y es por eso que también existe “Los Hombres son de Marte y las Mujeres de Venus”, porque no les basta a los hombres con verse el pene en el reflejo del espejo para saber que somos distintos a las mujeres, o quizás las mujeres no han entendido que los hombres aun llevan en sus genes a nuestros padres Cromagnones y no somos fieles pues somos cazadores con hambre, y a pesar de saciarla por momentos, siempre necesitaremos cazar más, y más, es la ley de la vida.
O en el caso que nos compete… la existencia de la revista “Estampas” que resulta la dosificación actual de lo que un pasado fue y nos legó “Sábado Sensacional” con su espacio de reencuentros familiares cargados emotividad y pasión humana, donde la verdad salía a flote, y toda una vida de mentiras y engaños desaparecía al ver a aquel padre dado por muerto, que finalmente luego de 40 años se unía emocionalmente a una hija, deseosa de volver a tener a una familia.

Estamos constantemente reprochándonos la verdad para disfrazarla de mentira, y es esto una forma de vida, es esto un conflicto, es esto nuestro mayor drama en la escasa y limitada línea de tiempo que nos separa de la muerte.
Lamentablemente “El Chico que Miente”, no sabe mentir bien, pues su verdad, no nos interesa para nada.

Y qué nos va a interesar, cuando estamos acostumbrados a escuchar las mentiras del líder a través de un televisor y a debatirlas, con aquellos que creen son ciertas, o a refutar que algunas verdades también son mentiras, o que la capa de ozono se ha deteriorado, o que en todos los países del mundo hay control de cambio, o que Michael Jackson está muerto. Y es ahí cuando tomamos un respiro, y en nuestra paranoia nos vemos en medio de una conspiración.

Ya nos han mentido suficiente, y no es necesario que venga un pelado de 11 años a recordarnos que la historia de este país se basa en la capacidad que tenemos a diario para mentirnos constantemente, y al levantarnos bien tempranito por la mañana, sacar el envase frío de la nevera para armar la vianda, o vernos al espejo luego del baño, para repetirnos como mantra tibetano: “Que todo ira para mejor”.

El chico que miente, pretende en un discurso al parecer contemplativo, sugerente y conceptual, dosificarnos la esperanza de creer que efectivamente hay un lugar para el perdón y la reconciliación… si, en Rusia también tienen años en lo mismo.

“El Chico que Miente” se convierte en una película de ambigua concepción ideológica que resalta el romanticismo de sus realizadores. No puedo sino sonreír, y pensar en aquella frase divertida que dice: "No ser comunista a los 20 es no tener corazón. Y seguir siéndolo a los 40 es no tener cabeza.” De alguna forma este empeño por reivindicar una lucha armada que ya se exponía en “Postales de Leningrado”; la anterior película de esta dupla conformada por Ugas-Rondon, vuelve a aparecer en pinceladas muy mal dibujadas en esta Road-Movie costera. Imágenes pudorosamente fotografiadas como el pendón de la revolución, o los grafittis en la carretera.

Personajes con motivaciones fetichistas, como el fotógrafo hurtador de figuras religiosas, que pretende en su construcción dramática discurrir en las verdaderas motivaciones de un “Artista” ante su obra. O los saqueadores de tubos, que intentan retratar la derrota de la revolución ante su afán de darle el poder al pueblo, sin llegar a nada, a una metáfora que el espectador, en base a la teoría Jungiana debe complementar con lo que puede leer a diario en la prensa nacional, y esto tampoco es que te pueda llevar a la verdad.

Podría funcionar de no ser, porque ninguna de estas microhistorias se desarrollan de una manera coherente, y terminan por ser pequeñas ideas forzadas en el relato, que más que ayudarlo a avanzar, como debería ser, frena y saca de contexto el verdadero conflicto de la historia, y es que no estamos hablando de una película coral (Magnolia, Crash, entre otras), donde quizás los personajes secundarios podrían darle peso al argumento inicial, o lo que es lo mismo, a la propuesta ideológica de su autor.

“El Chico que Miente” adolece de una sola cosa, y es la poca dramática de sus discurso, si bien la motivación del personaje es clara, la necesidad de utilizar como recurso un viaje iniciático debe tener un algo conciso en su estructura, y esto es así cual receta de bizcocho casero, ha de existir un cambio, un vuelco, una salida a todo el problema, y la pretensión metafórica de un collar como leiv motive no es lo suficientemente fuerte para culminar con este problema. Vamos, que el collar no es la carta del fraile que nunca llega a manos de Romeo.
Sin hablar por supuesto del recurso melodramático del Flashback para hacernos comprender el camino, el cual le da un aire a la historia de unitario televisivo.

No bastan los paisajes bonitos. El retrato de postal de una Venezuela que al parecer continúa siendo “hermosa” pese a todas las catástrofes naturales, políticas y sociales, por las cuales agoniza.
A pesar de esto, el logro de la fotografía es remarcable, pues en mi caso, logro comerme el cuento de que algunas de nuestras playas (de acceso popular, dichoso el que puede pagarse un fin de semana en los Roques) siguen teniendo vida. La escena de los manglares resulta ser una de las mejores del filme, donde el espectador atento, sufre la incertidumbre del chico ante un verdadero peligro, que a lo largo de la película no se deja ver con suficiente fuerza, como por ejemplo, la insinuación pederasta.

Las actuaciones carecen de la fuerza necesaria para lograr el cometido, y hablo de los roles secundarios, que son aquellos que más sufren el despropósito de unas escenas carentes de conflicto verdadero. El joven talento Íker Fernández, intenta aguantar todo el peso dramático de la historia, y lo logra a medias, por lo general, su rostro de empatía neutral ante un mundo que el intenta comerse con su viveza, resulta pedante y sin lógica ante todo el peso emocional que un personaje como el interpretado, necesitaba. Pero no dudo que en futuros proyectos y con estudios pueda lograr la madurez interpretativa. Finalmente la actuación es una cuestión de técnica, y a pesar que nuestra realizadora intenta darles protagonismo a no-actores, esto también resulta un arma de doble filo para el resultado final, aunque debo sincerarme y es que algunos de estos no-actores tienen más futuro en el medio, que muchos que se llenan la boca hablando de su capacidad artística.

Donde mas redunda la historia es en ese afán de hacernos comprender que somos un país joven que ha crecido victima de abusos, y carente de un rostro verdadero que nos haga encausar, para no volver a salirnos del camino. Sabemos como venezolanos que nuestra memoria es limitada, y adolecemos de lo que Cabrujas llamaba “El estado del disimulo” ¿y entonces donde está la solución planteada? Uno no sabe si el niño al final sonríe porque ha caído presa de las arenas movedizas de los medanos, o porque finalmente ha descubierto la mayor mentira de todas, no se puede confiar en lo que la revista “Estampas” publique.

Muerte en Alto Contraste (Bolívar, 2010)

(ó Agonía en Baja Resolución)

Por Daniel Dannery.


Leyendo la crítica de algunos dinosaurios del medio cinematográfico de Venezuela, uno no puede sino pensar en una renovación, no del cine, que ya ha dado sus pasos bien pisados en la actual cartelera nacional, sino del análisis cinematográfico, que clama incesantemente por una renovación, una voz que deje de ser tan complaciente y amiguera.

Me lo comentó una vez un estudioso del tema “En Venezuela no hay crítica”, en primer lugar creo que la crítica no se había dado del todo por la escasa producción, pero a una década ya por finalizar, es obvio que esto comienza a cambiar, ya sea por esos textos petulantes de algunos hombres de corbata, o por los comentarios críticos que cualquiera se puede encontrar al visitar un blog.

“Muerte en Alto Contraste” no es correcta, no es redonda, no se destacan ni la dirección de fotografía, ni la de arte, ni la música, ni las actuaciones, ni el sonido, ni el montaje; como alguien escribió por ahí. Como dijo el presidente Mexicano Luis Echeverría por allá en los 70: “Sino, Todo Contrario”.

Carece de gusto, de concepto, de lógica. Sí, “Las caras del diablo” se arropa en su mal justificada carencia de dinero, “Muerte en alto contraste” logra el mismo resultado sin la improvisación y con todos los recursos.

Bolívar retorna a un campo del que pareciese, ya no se siente del todo cómodo, lo que había logrado con “Homicidio Culposo” lo destroza con los pies, en este Thriller Policial con subtexto político.

Más de una década ha pasado desde que este realizador pudo ver estrenada una película, con la cual no le fue del todo bien: “Rosa de Francia”. Y uno se pregunta qué fue de aquel hombre que logró planos tan hermosos en “El Pez Que Fuma” (DP) o de aquel que se tomó de un argumento tan patético (En buen sentido) en “Domingo de resurrección”.

Obviamente el cine de este realizador ha envejecido muy mal, pero en estas muestras, uno se encuentra aún con detalles que a pesar de todo te dejan un gusto, de no muy mal sabor.

Mirar al pasado a veces se convierte en una pedantería o en una muestra de resistencia al cambio, pero en el caso de Bolívar es casi obligatorio hacerlo, de la misma forma pasa con Chalbaud, De Pedro, entre otros. Pues son ellos los que nos han legado una cultura cinematográfica, aunque en el futuro, no les vaya del todo bien.

Es difícil encontrarse con material como este, en el sentido de que uno como comentarista, no sabe por dónde empezar, o qué hablar. Y es que todo merece su tiempo, su análisis o al menos una lupa cuidadosa, para cuidarse de no decir cualquier barbaridad y no quedar mal, pero vamos, que si fueron capaces de estrenar cosas como “Des-Autorizados” o “Amorcito Corazón” y hacer que gente, haya ido al cine a verlas, y pagar por ellas, creo que yo podría decir cualquier cosa aquí y estaría libre de todo pecado, y al menos se ahorran un dinero.

Hay que estar claros que aunque la RAE le haya quitado la tilde a la palabra “Solo”, puedo decir que SOLO uno puede ver una película como ésta y aguantarla con mucha fuerza de voluntad y fe. En ambos sentidos.

Un conflicto claro presenta el guión firmado por Los Varela y Bolívar, una venganza que se a venido alimentando por 20 años, tras una masacre causada por motivaciones políticas. El personaje de Wildpret, ha tenido el tiempo suficiente para armar un plan y así acabar con todos aquellos involucrados en la muerte de sus padres, y esto es lo que nos muestra la película, un hombre que debe terminar a como de lugar con una cúpula extrema que velaba ante sus propios intereses, mientras la lucha izquierdista de la época, intentaba lograr una batalla contra el gobierno de turno, entre las montañas y disfrazados de guerrilleros. Aquí tenemos el subtexto panfletario.

Más allá de esto, el argumento podría resultar interesante, pero no todo acaba aquí, el espectador debe ir descubriendo la fijación de nuestro personaje principal ante los encantos mal fotografiados de Norelys Rodríguez, el único personaje, con el que no se conecta el público, y si somos meticulosos, ni el mismo Wildpret se siente cómodo. Una historia colocada para vender, digo, un cuerpo y un rostro que aporta su nombre para lograr un éxito seguro en taquilla.

Al menos si uno sintiese que Rodríguez se la pasa bomba en cada escena, sentiríamos cierta simpatía por el personaje, y por la historia forzada de amor que empieza a nacer a medida que la trama avanza. Pero cada escena resulta tan risible y patética que da vergüenza quedarse sentando viendo como cada diálogo y emoción de cartón se va desbordando al visionarla.
Y la culpa no es de Rodríguez, sino de un personaje sin tridimensionalidad, mal dirigido, que no sabe como moverse dentro del espacio.

Su cuerpo se pierde entre el grano de la noche, ante una luz bucólica que emana de un baño, mientras uno se va deshaciendo en la butaca pensando ¿Cómo para qué? Si es que ni una teta. Y luego pasamos al contraluz, donde las figuras de ambos se besan, mientras en el fondo las camionetas de Sabana Grande captan más la atención, ante un diálogo mal digerido que dicta: Mejor empecemos aquí para evitar la incomodidad en la habitación. Si lo que querían era hacernos sentir incómodos, pues lo han logrado con creces.

Norelys Rodríguez se pierde en un mundo que no fue dibujado para ella, su personaje, carece de conexión, y me atrevo a decir, que las peores escenas de la película son protagonizadas por esta historia de amor. Para muestra, la escena del sushi, o esos planos de película erótica barata clase B, que se dejan ver ante las rendijas de un ventilador de techo ¿Dónde está la poesía del cuerpo ahí?

El personaje de Wildpret, va desbordando sufrimiento a medida que avanza la historia, y uno se pregunta si esa cara estática es una mezcla de “Elipsis” “Un lugar lejano” y “Des-autorizados”, y el personaje es un metatexto con piernas con lo cual el actor simplemente se está riendo de nosotros.

Es cierto que sus emociones varían mientras da vueltas por el piso a lo comando, o en la tradición de Seagal demuestra su flexibilidad pendiendo sobre los marcos de una puerta. Pero creo que el cambio gestual se debe, ante el esfuerzo físico que ameritan las escenas de acción.

Como te extraño Schwarzenegger.

Obviamente quien se roba los mejores minutos, en nuestro camino hacia la búsqueda del tiempo perdido es Juan Manuel La Guardia, el personaje más real, mejor actuado, aunque hierva por momentos en la sobreactuación. Un digno regreso para este actor, que estaba en vías de desaparecer de nuestro imaginario.

Un personaje que retrata la Venezolaneidad, y con el cual el público sufre la identificación correspondiente, y es que sino eres cómo el, al menos te le pareces o conoces de alguien similar.

Más allá que la venganza dentro de esta historia sea el conflicto real que mueve todos los hilos para que la trama vaya develándose, es en este Pepe Grillo moderno, donde recae toda la sustancia dramática de la cual debe estar conformado un personaje. Un pasado lejano y cercano bastante claro, un presente desolador y un futuro que no se vislumbra, y es ahí de dónde el personaje se engancha para intentar enmendar, lo que posiblemente no tenga solución.

El resto de los personajes son relleno puro, del mejor algodón y necesarios para el final. Algunos mejores que otros, otros particularmente estáticos.

“Muerte En Alto Contraste” define la primera película Ochentosa Venezolana grabada en pleno siglo XXI, su fotografía así lo define, noches azules al mejor estilo Monkey Island, escenas eróticas bañadas en el más tenue anaranjado rojizo, un grano en la imagen que nos hace recordar esas copias en VHS de la colección de la Cinemateca Nacional. Lo mismo podría hablarse de la dirección de arte, una apología al mal gusto, al peor, al barato. Al menos Malavé se sincera en sus escenas al mostrarnos las paredes sucias, y eso le da un tono realmente amateur. Pero aquí, un florero con cuatro flores artificiales rosadas, ante un fondo de persiana azul, en un Two Shoot de cafetín, nos habla acerca de que tan lejos está ésta película de ser realmente el magistral regreso de un cineasta.

Sin hablar claro, hasta de las fuentes usadas para tipografiar el título de la película. ¿Se acuerdan de esa serie tipo comando llamada “A-Team”? Cualquier coincidencia, es pura casualidad.

El montaje por momentos es correcto, en otros, simplemente ridiculiza más aun este nuevo formato de llevar “Crónica Policial” a la pantalla grande, abusando del efecto cromático y exponiéndolo ante un ojo que se pierde en una espiral, no como los créditos de “Vertigo”, sino como el agua que sigue su curso natural al bajar la palanca.

¿Quién fue el jurado del festival de cine de Mérida y Margarita? ¿En qué manos está el criterio estético, de lo fundamental del arte, en este país? ¿Todos los ácaros se han comido las famélicas hojas amarillas de las ediciones caseras de la “Critica del Juicio” de Kant? ¿O es que no había nada mejor que premiar, y en vez de declarar desierto tenían que resolver con lo hubiese?

Es una lastima que el regreso de Bolívar no fuese con bombos y platillos, aunque eso es lo que nos hagan creer, pero nosotros ya no nos dedicamos a chuparnos el dedo y bajar la cabeza cada vez que alguien dice que el Mesías del cine nacional va a llegar.

Igual el intento de “Muerte en Alto Contraste” de posicionarse ante los éxitos de este año, tiene su merito, aunque al diseñador del Poster, creo que no le pagaron lo suficiente.

El Infierno (Estrada, 2010)

Por Andrea López.

Finalmente llegó a la cartelera mexicana la película El Infierno del cineasta mexicano Luis Estrada. Tal y como era su propósito, el filme se exhibió durante las celebraciones del Bicentenario de la Independencia, en las que el gobierno Panista, bastante impopular por su incapacidad para controlar los altos saldos de violaciones a los DDHH y de ejecutados (aproximadamente 23 mil entre 2008 y 2010); se gastó la cantidad de 250 millones de dólares en propaganda que incluyeron, entre otras actividades, el financiamiento de numerosas películas de corte épico y heroico

Tal y como reseñamos en un post anterior, el filme tuvo por objeto ilustrar la guerra actual de México y llamar a la reflexión de ¿hay algo que celebrar?. Pues bien, el resultado no podía ser otro: En su octava semana, El Infierno alcanzó el récord taquillero de más de 76 millones de pesos mexicanos, es decir, poco más de seis millones de dólares; y ha recibido elogios en importantes medios internacionales como The Guardian, El País, Los Ángeles Times, entre otros; así como de las no menos importantes reseñas en medios mexicanos tales como Milenio y Reforma.

Y es que si bien las dos primeras partes de su trilogía también ofrecieron una reflexión sociopolítica del país; El Infierno es, a nuestro juicio, la tercera y mejor lograda película de Estrada.

El guión tiene como personaje central al Beny, un jornalero mexicano que regresa del “sueño americano” al México del que salió porque estaba mal pero que ahora encuentra peor: Crisis, desempleo, muerte, corrupción, narcotráfico, en fin: Violencia. Y es que, si bien El Infierno no asoma más de lo que puede uno saber a través de la prensa y los medios, el retrato del narco es hiperreal y está narrado con el tono inteligente de la comedia. La eficacia del discurso se hace entonces total, no hay otro modo de acercarse a tan trágica realidad porque el impacto sería insoportable de digerir.

De modo que a lo largo de sus 143 minutos de duración los espectadores nos sumergimos en la experiencia del Beny: Vejado por las autoridades fronterizas, asaltado en el bus que lo hace llegar a su pueblo (ahora llamado San Miguel “Narcángel”) enamorado de la viuda de su hermano (importante cuadro del narco), tío y padrastro de un chico que como todos los de su edad entran en las pandillas y al que intenta (¿en vano?) salvar.

Sin ninguna oportunidad de ganarse la vida dignamente, el Beny empieza a trabajar para el cartel de la familia Reyes en el que rápidamente adquiere dinero, bienes, mujeres y ascenso social. Trabaja con él un antiguo amigo de infancia: “El Cochiloco” magistral y conmovedor personaje interpretado por el destacado actor Joaquín Cosío al que ve morir tras buscar venganza para con su hijo muerto y que desde el principio le advierte: “Me cae que esta vida es el maldito infierno”, “Esto (México) es el Infierno, no chingaderas”.

En el filme no hay nada que quede por fuera ni fuera de lugar: Miseria, aspiraciones, corrupción por parte de la Iglesia, El Estado, los programas de protección a testigos, la policía, el Ejército, los gringos que venden armas y la descomposición instalada en todo el tejido social.

Además de ser una buena película: redondo y amarrado guión hecho a dos manos por el propio Estrada y Jaime Sampietro, excelentes actuaciones, impecable trabajo de producción, dirección, fotografía, sonido, edición, vestuario, dirección de arte hiperreal, musicalización genuina y fidedigna, etcs; El Infierno se erige, a nuestro juicio, en una importante reflexión socio-histórica marcada por un profundo nihilismo respecto a la actualidad y futuro mexiquense.

Llamó mi atención durante la primera función a la que asistí, cómo el público se emocionaba ante la salida del protagonista, a mi parecer un tanto anárquica y extrema: tomar una metralleta y matarlos a todos: políticos, narcos, guardaespaldas, arzobispos, militares y policías; en un festejo patriótico y chovinista que no distingue el ruido de los cohetes con el de las armas. Ese público caracterizado por un nacionalismo fuerte, aplaudía y vitoreaba ahora en la sala la aniquilación de todas sus instancias de representación.

Finalmente Estrada, fiel a sus principios y militancia ha declinado la postulación de su película al Oscar delegándola a Biutiful, filme de su compatriota Alejandro González Iñárritu; y ha preferido postularla a los Goyas. Después de todo y como conclusión personal, creo que el cineasta rechaza concursar ante una instancia que pertenece al principal beneficiario de la guerra “contra” el narco: Los Estados Unidos. Como bien dicen por allí, mientras México pone los muertos, los gringos se llevan la lana.

Sin duda, El Infierno pasará a la historia como una de las películas más importantes del cine mexicano y quien sabe si no del cine latinoamericano. Desde una humilde butaca, le auguramos mucho éxito en los Goyas y desde luego, su pronta salida en BluRay. Definitivamente es una película que hay que tener en casa.

Al otro Lado: Cine de Terror Venezolano

Hace muchos años pasé por el pueblo petrolero Anaco, ubicado en el estado Anzoátegui. En aquel momento se me hizo, como todas nuestras localidades petroleras, un lugar muy rudimentario y primitivo, lleno de una pobreza que daba al traste con la riqueza que implica la explotación minera.

Hoy, gracias a la maravilla tecnológica que significan las redes sociales y el Internet, he descubierto otra riqueza: “Al Otro Lado” ópera prima de Luis Antonio Cerasa, junto a un equipo oriundo del lugar.

Según destaca en su blog Luis Cerasa, Al Otro Lado narra la historia de: “Un grupo de chicos quienes coinciden en sus incontrolables locuras juveniles, se proponen hacer una fiesta aprovechando el final de sus estudios de secundaria en una casa desocupada que está en venta desde hace algún tiempo por la extraña desaparición de sus dueños.

Desde hace diez años la policía no han tenido información del paradero de los dueños de la casa, la señora de servicio y su hija. La prensa sigue presionando y las autoridades designan a un especialista en investigaciones especiales para resolver el caso, el inspector jefe Víctor Rodríguez. El nuevo jefe reúne a un grupo de oficiales con el claro objetivo de resolver el caso.

El alcohol y los celos hacen estragos en la fiesta juvenil y algunos de los chicos entran en la casa en busca de intimidad para resolver las diferencias sin pensar que su osadía se convertirá en una pesadilla al abrirse dentro de la vieja mansión una conexión con otra dimensión de existencia desconocida. Ahora deberán superar el umbral de la razón y emprender una verdadera lucha por sobrevivir”.

Para el autor, el filme persigue la socialización del cine en pro de una realización que pertenezca no sólo al director y/o productor, sino también a su público y al gran colectivo que lo hace posible.

En lo personal me ha impresionado gratamente el trailer, impregnado de realismo y suspenso. Aquí se los dejo para que lo disfruten:



Ficha técnica:

Producción y Dirección general: Luis Antonio Cerasa, Director de Arte: Enio Velásquez, Director de Fotografía: Carlos Pedras, Maquillaje: Walter Sotomayor y Karla Verdi, Efectos especiales de Maquillaje: Samuel Cochrane, Erick Cochrane y Karla Verdi. Efectos especiales digitales: Roberto Mardini, Alvari Quiaro y Eduardo Medrano. Productor Musical: Unai J. B. Uriarte, Guión Original: Luis Antonio Cerasa, Adaptación del Guión: Ronald Rodríguez.

Jefe de Producción: Héctor Carrasco. Productoras: Vanessa Labarca, y María Teresa Uriarte. Productores de campo: Ariana Hernández, Leoher Luis Hernández, Juan Ramos. Logística: Cristian Ramos, Asistente de Producción: Yuneibys Moreno, Francisco Osuna y Marly Carrasco. Vzla, 2010.

The Expendables (Stallone, 2010)

A veces con nada se logra mucho. Sylvester Stallone es el vivo ejemplo de ello, ahí tienen Rocky (1976) que el mismo Stallone escribió y protagonizó cuando era un desconocido y que le valió reconocimiento del público y de la mal llamada crítica, de eso ya hace 34 años. Fue finalmente el primero, el público, el que puso a Stallone en el pedestal en el que ha estado más o menos presente durante el resto de su carrera, una carrera algo irregular pero prolífica.

Un "fast forward" y estamos frente a The Expendables, un proyecto que hecho durante el apogeo de ese cine que intenta emular, homenajear ¿plagiar?, hubiese resultado en una película grotescamente asombrosa, o por lo menos eso es lo que yo imagino. En cambio la película que tenemos ahora es casi un vestigio de ese cine de acción de un tiempo pasado. Si hay algo que deja claro The Expendables es que ese cine no se hace ni se volverá a hacer. Es sencillamente imposible, el mundo ha cambiado, en apariencia por lo menos. Y el público es quizás menos ingenuo, pero no por eso es más exigente y allí radica lo que para mi es el primer y único verdadero error de The Expendables como película.

Lo poco que se esfuerza aún con lo sencillo que parecen ser sus metas.

Y es que el problema de The Expendables no es la acción, en ese departamento cumple con las expectativas, su problema es lamentablemente en el departamento de la historia y su guión, allí es donde The Expendables no pasa la prueba. La historia es poco original y repetitiva y el guión es una excusa para mantener hiladas las casi que perfectas secuencias de acción.

Entonces nos queda un espectáculo casi vacío. Demasiado vacío para el gusto de quien escribe, por lo menos. No es que las películas de Stallone (aquí estoy metiendo no sólo las que escribió y dirigió sino algunas donde también actuó pero que indudablemente se crearon en torno a su imagen y en las que tuvo en más de una ocasión poder de decisión sobre el producto final) tengan un subtexto increiblemente complejo, pero sus dos últimas películas (Rocky Balboa, 2006; Rambo 2008) son evidentemente superiores a The Expendables porque no se conformaron con llenar los requisitos de la nostalgia del fanático de estas franquicias, fueron más allá. Porque si Stallone decidió hacer otras dos películas sobre esos personajes icónicos es principalmente por una cuestión de nostalgia.

Pero entonces regresamos a The Expendables, cuyo concepto como dije antes se ve monstruoso: reunir, más o menos, a un grupo de estrellas de acción de las últimas 2 décadas junto a algunas caras nuevas y ponerlos en el escenario de la típica (nada novedosa) trama de acción clásica, queda lamentablemente en eso: en un concepto.

Primero: el guión no sirve al poder visual y al atractivo de estas estrellas. Un ejemplo de esto: la escena donde aparecen juntos Sylvester Stallone, Arnold Schwarzenneger y Bruce Willis parece más un spot para Planet Hollywood que una de las secuencias clave de la película y lo es porque es aquí donde se da uno de los primeros giros de la trama. La escena es eso, una excusa para poner a estos tres monstruos en pantalla incluso hay algunos diálogos con una clara intención metalinguistica que te sacan de la película ("quiere ser presidente"), ¿pero con qué objeto? Es gracioso, si. Pero al mismo tiempo se siente alienante.

Es por eso que quizás sólo los incondicionales de Stallone y el grupo de mercenarios disfrutará de la película a un nivel fetichista.

Porque si por un lado la historia y es guión es lo más flojo de la película por el contrario las escenas de acción y cada uno de los actores tienen su momento de lucimiento en particular, a pesar de que Stallone y Jason Statham son, por así decirlo, los personajes principales no impiden que los otros actores de este ensamblaje brillen.

En definitiva: no es tan buena como esperaba y no es tan mala como podría haber sido. Faltó algo, faltó el corazón que tienen Rambo (2008) y Rocky Balboa (2006).

......

Una de las cosas que me causaba más curiosidad de la película era todo el asunto de la alegoría al presidente Chávez. La alegoría está ahí, a pesar de que Stallone afirmó que su película "era solamente entretenimiento", que decidas hacer una alegoría de ese tipo tiene una intencionalidad. Cual es la intención en este caso, yo de verdad que no puedo descifrarlo. Primero porque como dije anteriormente yo creo que el público no es tan ingenuo como antes.

De hecho hubiese deseado que Stallone se dejara de pendejadas y hubiese sido directo en vez de una alegoría me hubiese gustado ver una referencia directa, así hubiese sido con el único propósito de provocar polémica. En cambio sólo nos queda un coqueteo, un amague. Le faltó más valentía.

En definitiva debe verse, para mi fue como viajar en el tiempo hacia el pasado. Y la escena de Bruce Willis, Sylvester Stallone y el Governator es surreal, sencillamente surreal, por un momento parece que los tres se van a echar a reir, es imposible.

Recomendada con reservas.



Nota mental: Quiero un pana como Dolph Lundgren

Kick-Ass (Matthew Vaughn, 2010)

A estas alturas todos los superhéroes pertenecientes a franquicias conocidas han sido adaptados (o están en via de, ej. Thor y Green Lantern) al medio cinematográfico, el resultado han sido películas de todos los colores y sabores. Ud puede elegir. El caso es que un género que no es considerado más allá del carácter meramente comercial que posee ha dado algunas propuestas interesantes, tanto como muestra de un buen espectáculo como de una mejora en el sub-genero mismo (ej. Spider-man 2, The Dark Knight, X-men 2), también hemos tenido algunas películas que parecen haberse quedado a medio camino (ej. Superman Returns, Hulk, Hellboy) y otras que sencillamente es mejor ni siquiera recordar (ej. Elektra, Fantastic Four, Ghost Rider).

El caso en particular de The Dark Knight (Nolan, 2008) es interesante pues demostró que el subgénero de los superhéroes no esta destinado únicamente a los fanáticos de este tipo de historias sino que el público en general puede fácilmente disfrutar de una pelicula basada en historietas y supehéroes especialmente si está está hecha con una maestría ejemplar, así por lo menos lo demuestra el billón de dólares que se llevó en taquilla.

Sin embargo en todo este tiempo no ha existido, o por lo menos desde mi percepción, una película que mire de manera autocrítica al género en si. Y es que a veces hace falta hacer una de introspección. Mientras The Dark Knight llevaba los niveles de "seriedad" y realismo hasta los límites. Kick-Ass llegó para hacer precisamente lo contrario: para darnos una patada en el trasero y recordarnos que al final, después de los efectos, los disfraces, las grandes coreografías de acción, todo es sencillamente una película. Ni más ni menos.

La historia de Kick-Ass viene a ser un híbrido producto de una amalgamación de todos los lugares comunes que suponen el género en estos últimos 10 años. De hecho y para apegarse un poco a los paradigmas está basado en un cómic pero es allí donde radica su verdadero brillo propio al funcionar como una sátira, no sólo de las películas basadas en superhéroes y sus similares, sino en el mismo arte de las historietas. Y la sátira es básicamente una patada en el trasero en las convenciones. Todo esto se originó en el cómic (altamente recomendable desde ya) escrito por Mark Millar (Wanted, Civil War y Superman Red Son) y dibujado por el gran John Romita Jr. (Spider-man, Wolverine y Daredevil)

Pero al mismo tiempo en que nos desnuda el género, forma parte de el. Y esa es quizás su mayor contribución y tal vez al mismo tiempo su única debilidad. Esto lo digo porque personalmente después de un gran comienzo, una excelente desarrollo, Kick-ass termina un poco complaciendo al público y eso de alguna forma contradice todo lo que nos vino diciendo durante los dos primeros actos de la historia. Pero ojo, esto último es sólo una opinión personal de quien escribe, que no vaya a detenerlos de ver la película. Por que Kick-ass es una película que hay que ver.

Y podría hacerles una lista de todas las cosas excelentes que están contenidas en el metraje, pero sólo voy a limitarme a tres que todavía me tienen al borde del asiento.

Lo primero es Chloe Moretz, ¡POR DIOS!. ¿De donde ha salido esta niña?. Esta pequeña se roba la película. Es sencillamente excepcional y lo hace con encanto, carisma, humor y unos cuantos miembros mutilados en el camino. Porque espero que esto sirva de advertencia para quienes son sensibles ante el retrato de la violencia en trabajos de ficción como el cine: Kick-ass es eso, una patada en la sensibilidad del espectador, pero no desde el mal gusto o al servicio de la provocación.

La dirección de Vaughn ha colocado elementos que en otro contexto podrían inclusive haber sido reprobables y los ha filmado de manera elegante y dinámica. Ahora me pregunto que pudo no haber gustado de este pana para que lo despidieran de X-Men 3: The Last Stand (Rattner, 2006).

Lo segundo es Nicholas Cage. Si, ¡Nicolas Cage!. Si bien puedo estar un poco parcializado por mi admiración ciega por Cage, tengo que aceptar que últimamente su cuerpo de trabajo no es el más impresionante, con Kick-ass, Cage ha demostrado que si existen películas para ese tipo de interpretación que a veces raya la sobreactuación, porque dadas las características de la historia en cuestión, es precisamente de un interprete como Cage que se beneficiará.

Pero ojo, no es en la sobreactuación de Cage donde radica lo brillante de este papel, es en esos pequeños momentos, donde un simple diálogo o una simpla mirada dicen más que todo el disfraz y todo el entorno. Eso es otra cosa que la película tiene, que por momentos es un show grotesco de violencia y acción y en otros es un melodrama con todas las de la ley. Es precisamente el contraste lo que destaca en la película en Cage.

Y lo último, en lo personal uno de los aspectos favoritos de su servidor, es el apartado musical. Porque es precisamente donde aquí reluce toda la vena referencial tanto hacia el mismo cine que antecede a la cinta como a la cultura popular en general, dandole un cierto aire de universalidad que sin duda servirá para llegar hasta el más incredulo de los públicos. No tengo la capacidad para describir que tanto hay en la musica de Kick-ass pero solo les digo esto: Ennio Morricone, Elvis Presley y The Prodigy. Tarantino FUCK OFF!

En definitiva, una de las películas del año. Una visita obligada a la sala de cine, especialmente en estos momentos donde a los que hacen cine se les parece haber olvidado ese pequeño detalle llamado público. Las únicas reservas que tengo es que quizás la violencia (física y verbal) puede alejar a ciertas personas sensibles, de resto creo que Kick-ass irá haciéndose un lugar.




Un dato curioso: Matthew Vaughn el director (Layer Cake, Stardust) financió la película independientemente y luego de terminarla comenzo a venderla entre los estudios. Le echo bolas, considerando que todo esto fue durante pleno apogeo del último colapso económico.

La guerra suave contra Irán de Guarataro Films para Telesur

Vía / Guarataro Films

La guerra suave, golpeando y seduciendo es un documental que habla de la guerra cultural de Occidente contra Irán.

Es éste un tema que tiene mucho que ver con la línea de investigación de Guarataro films sobre la industria cultural. En La guerra suave se realiza un análisis del uso del cine y el espectáculo con objetivos propagandísticos y políticos. Se muestra como el cine, la televisión, los videojuegos e incluso las estrellas del rock son utilizados en la lucha política. Pero sobretodo se destaca como a través de la industria del entretenimiento se generan valores y antivalores. La clave para que la propaganda sea efectiva es que no se perciba, que nos seduzca. Nuestras series y películas favoritas y nuestros mitos musicales trabajan en esa guerra. Una guerra luminosa, sonriente y llena de ritmo.

La guerra suave es la lucha por las mentes y los corazones de los iraníes. Y también de los nuestros.

La guerra suave es un documental que complementa La revuelta verde, descifrando el laberinto iraní el cual trata sobre la manipulación de la política, los medios, las nuevas tecnologías y el terrorismo contra Irán. La investigación para la realización de ambos trabajos se realizó durante seis meses entre el 2009 y el 2010.

La guerra suave on-line:
Parte 1

Parte 2

DAYBREAKERS o del cómo convertir una idea brillante en un simple Blockbuster

Este artículo contiene spoilers

Daybreakers es un buen intento. Una idea súper novedosa y original. Un guión con un potencial ilimitado. La promesa de una película de culto. Pero diantres, el resultado, a pesar de satisfactorio, es otro: una cinta convertida en un simple blockbuster. Una mera empresa de entretenimiento.

Sin duda Daybreakers va a mover al público al cine. El argumento, sencillamente maravilloso, ha creado una distopía genial: los vampiros han llegado a ser la mayoría en el mundo; la minoría humana está siendo perseguida, apresada por su sangre, llevada a “centros de ordeño” donde se les extrae el preciado líquido vital. Pero no es suficiente. La escasez de humanos pone en jaque el consumo de sangre y la nueva raza se ve amenazada con la extinción.

Después de revisar el cine de vampiros, no se puede negar que se trata de algo nuevo e interesante. Por fin una cinta trata de responder las preguntas que genuinamente se hace todo el que se haya puesto alguna vez a pensar sobre las consecuencias de la existencia del vampiro: ¿Y qué sucede cuando los vampiros sean la mayoría? ¿Pueden llegar a serlo? ¿Y qué sucede cuando ya no haya más humanos? Pero no pienso repetirme. Si se analizan esas preguntas y se comparan con el argumento señalado, se prevé un resultado grandioso. ¿Por qué no lo es?

Daybreakers es una película de vampiros con un tema que a pesar de poder ser explotado con profundidad, con maestría, es simplemente enfocado como una película de taquilla. Muchas coincidencias innecesarias, muchas secuencias de acción innecesarias, un desenlace innecesario y predecible, en fin. Innecesario. Frustrante. Es como ver  uno de esos niños genios que al crecer terminan siendo luego en su adultez el mejor gerente de un Mcdonalds.

Ethan Hawke es Edward Dalton, un vampiro hematólogo al servicio de un gigante corporativo cuya misión es conseguir un sustituto alimenticio para su raza. Sin embargo, Dalton no está muy claro acerca de su identidad y desde hace tiempo no consume sangre humana, situación que le pone en peligro de degenerar, hasta quedar convertido en una bestia hambrienta incapaz de pensar (de más está decir que aquellos vampiros que no tienen recursos para comprar la escasa y carísima sangre que hay en el mercado, terminan de esta forma). Pero Dalton no está a gusto siendo vampiro. Todavía parece añorar ser humano. Y en tal sentido se enfrenta a dos dilemas: el primero, no está seguro si debe buscar un sustituto a la sangre, o más bien una cura a su condición, la dicotomía “Enfermedad Vs. Raza superior”; y el segundo, no sabe si conseguir un sustituto remedie la situación, pues las empresas “ordeñadoras” planean seguir explotando a los pocos humanos que queden aún si consiguen un sustituto de la sangre, una manera más que rentable de obtener ganancias gracias a un monopolio exclusivo.  Hasta aquí la cosa va de mil maravillas. Uno se regocija hasta este punto  (como cuando se ve la primera mitad de Inteligencia Artificial, luego destrozada en la segunda restante). La cuestión viene después, cuando el hematólogo hace contacto con los humanos. Pura técnica de guión comercial hollywoodense. Puras coincidencias. Pura resolución de taquilla.

Técnicamente la película se destaca. La fotografía y la escenografía futurista son de lujo y la coloración azul y blanca impecables. Los efectos especiales, pues son buenos, como era de esperarse para una película de taquilla. Las actuaciones están medianamente bien, salvo ciertos momentos melodramáticos en los que los actores no dan pie con bola (Willem Dafoe, Sam Neill, Michael Dorman, Ellie Landon, Isabel Lucas). En fin, la dirección y la producción hicieron su trabajo.

Hay una carambola en la película que no dejo de pensar que es gratuita. Una suerte de crítica que no fue pensada pero que surgió de pura suerte. Todo el asunto del gigante corporativo queriendo aprovecharse de la tragedia en ciernes, su especulación con la sangre; la degeneración del vampiro promedio a consecuencia de no tener los medios para comer y su consecuente degeneración, persecución y exterminio; que sólo se salven aquellos  vampiros con recursos para vivir, los mismos que rigen la sociedad, los mismos que persiguen a la raza humana... Me suena a postura política. A mensaje oculto tipo zombies de “George Romero”.

Lo que sí es cierto es que la película toma bastantes elementos del vampiro del romanticismo: son pálidos, no pueden sobrevivir a la luz del sol, no se reflejan en los espejos, los humanos los combaten con estacas y ballestas; todo ello combinado con los elementos de una sociedad del futuro: cambio del ciclo circadiano, modernos túneles subterráneos para caminar en el día, automóviles protegidos de la luz, alarmas contra amanecer… Un vampiro clásico en una sociedad del futuro.

En todo caso, Daybreakers es un logro frente a la nueva generación de películas románticas para adolescentes, como las de Stephenie Meyer: Crepúsculo, Luna nueva y Eclipse.

Todo esto es lo que creo. Aunque me odien.


Vía / Der Vampyr

TRAILER EN DOSIS. ZOMBIES.

Por Sergio Marcano

El terror sin duda es uno de mis géneros favoritos. Pero el subgénero de zombies subyuga mi imaginación y aterroriza mis sentidos.

Hoy comparto con los interesados 3 trailers de películas de zombies que, a mi parecer, prometen altas dosis de adrenalina y entretenimiento.

THE DEAD

Diririgida por Howard j. Ford y Jonathan Ford

La película en cuestión narra la historia del teniente Brian Murphy que se ve solo y sin equipo, asediado por infinidad de muertos vivientes, y como, cuando ya todo está perdido, recibe la ayuda de un soldado de la zona Daniel Dembele.
Juntos deberán hacer frente a las hordas de no muertos mientras buscan la salida del infierno que parece extenderse por todo el continente.



THE HORDE

Dirigida por Yannick Dahan y Benjamin Rocher

Al norte de Paris, un grupo de policías corruptos intenta vengar la muerte de uno de los suyos en un edificio que sirve de escondite para el gangster culpable. En medio del enfrentamiento entre ambos, algo inimaginable sucede, una horda de criaturas sanguinarias y caníbales invaden el edificio atacando salvajemente a todos. Inesperadas alianzas nacerán cuando vean su vida en peligro.



PORTRAIT OF A ZOMBIE

Director Bing Bailey.

Los zombies deambulan por las calles de Dublín. Un equipo de cine de Estados Unidos llega a Irlanda para hacer un documental sobre la familia Murphy, cuyo hijo mayor, Billy, se ha convertido en un muerto viviente. Pero los restantes miembros de la familia están empecinados en cuidar de él, para gran disgusto de los vecinos y el jefe de la mafia local. El equipo de documentalistas pronto se queda cautivado por como se desarrolla la historia de Billy…



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Sergio le agrego a tu post este trailer de una pelicula de zombies hecha en chile llamada Muerte Ciega. Definitivamente los zombies todavia presentan tantas posibilidades ahi tenemos un ejemplo reciente con Zombieland.

Muerte Ciega esta dirigida por Cristian Toledo y Lucio Rojas. Después de un accidente en una mina, una extensa área es afectada por un extraño virus que transforma a los humanos en territoriales animales violentos. Inmediatamente el área es puesta en cuarentena. Años después un grupo de mercenarios y científicos es enviado para investigar lo que realmente ocurrió.

Una Casa pa' maita y Hermano presentes en la web

Dos de los estrenos próximos del cine venezolano ya tienen su propia casa en la web.

El primero es la película triunfadora del último festival de cine de Mérida donde se alzó con lo seis premios más importantes, incluyendo Mejor Película, Mejor Dirección, Mejor Guión, Mejor Actriz Principal y de Reparto, Cheila, Una Casa pa' maita del realizador Eduardo Barberena.



La otra pelicula que estrena pagina web es el largometraje Hermano de Marcel Rasquin.



El estreno de Cheila... esta pautado para Abril (el estreno se movio de su fecha en febrero) al igual que el de Hermano el 26 de Febrero según leí en el twitter, si la fecha es otra por favor corrijan.

***

Amorcito Corazón de Carmen Roa también ostenta su propia página.

The Wolfman (Joe Johnston, 2010)

Ni siquiera el Hombre Lobo, el menos versionado de los monstruos de la Universal, se salva de esta ola de remakes que actualmente domina el cine más comercial, el proyecto prometía ser una nueva (e interesante) vuelta de tuerca de la historia clásica del licántropo, cuando Mark Romanek (One Hour Photo) iba a dirigir el guión de Andrew Kevin Walker (Se7en), sin embargo el largometraje terminó siendo una película que se nota atropellada y sin ningún riesgo, ni siquiera el mínimo que se le exige a veces a las películas de terror.

Sin embargo para la cantidad de problemas que se reportaron a lo largo de toda su producción (incluído un retraso en su estreno de casi dos años) The Wolfman es una pelicula bastante entretenida. Y el problema es quizás de nosotros como público y lo poco exigentes que nos hemos vuelto.

Pero para no entrar en detalles sobre gustos y colores, la película dirigida (en encargo) por Joe Johnston (Jumanji, October Sky) presenta algunos detalles que son destacables. En primer lugar la selección de los actores es interesante (Emily Blunt), extraña (¿Benicio del Toro?) y efectiva (Anthony Hopkins y Hugo Weaving). Entonces ¿por qué no hay una actuación destacada y por que parecen todos planos?. El problema principal podría deberse al guión, porque los personajes son casi, casi unos estereotipos. Los únicos que parecen habérsela pasado bomba son Anthony Hopkins y Hugo Weaving, que al final terminaron haciendo lo que siempre hacen.

Por parte de Benicio del Toro se le ve desganado y ¿aburrido?, y Emily Blunt no tiene practicamente ningun peso en la trama, y no hay nada mas triste que un personaje prescindible.

Dije anteriormente que quizás el problema es el guión; y llego a esta conclusión luego de ver los créditos y notar que ahora junto al nombre de Andrew Kevin Walker está David Self autor de los guiones para peliculas como Thirteen Days (Roger Donaldson, 2000) y Road to Perdition (Sam Mendes, 2002) quien para hacer algunos ajustes al guion de Walker.

El primer problema que tuvo la producción de The Wolfman fue que el director original, Mark Romanek, dejó el proyecto aludiendo a diferencias creativas con los productores. Especulando un poco, me imagino que la intención de Romanek era rodar esta nueva version de The Wolfman como una especie de thriller al estilo de por ejemplo la interpretacion que dirigió Tim Burton sobre la Leyenda del Jinete sin Cabeza (Sleepy Hollow, 1999) que casualmente también contaba con un guion de Andrew Kevin Walker.

Sin embargo la pelicula que tenemos actualmente no se parece en nada a Sleepy Hollow, no en la parte del desarrollo de su historia o su estructura dramatica. Pero claro es sólo una especulación. En cambio tenemos mas bien una película bastante lineal, sin mucho suspenso ni sorpresas, me imagino debe haber sido esta el aporte de Self al guion de Walker, y ahí creo que radica su mayor debilidad. Claro también hay que considerar que no existen muchas variaciones del tema del hombre lobo y como esto era precisamente un remake directo del clasico dirigido por George Waggner en 1941 no fue mucho a lo que aspiraron tampoco, se nota la falta de ambicion sobre todo en lo que a la historia se refiere.

Eso no impidió que se hiciera una película que visualmente atrae, desde la ambientación hasta la fotografía que si bien son bastante agradables a la vista, tampoco supone nada nuevo u original.

El otro detalle que si creo que merece una mención aparte es el maquillaje tanto para el hombre lobo como para las victimas de sus ataques. El encargado de esta tarea es el legendario Rick Baker, quien es por sus propios meritos (Baker tiene en su resumé la creacion de maquillaje para 6 peliculas sobre hombres lobo, asi que si hay alguien que sepa como hacer que este tipo de maquillaje funcione, es el) el que practicamente le da vida al hombre lobo, utilizando ademas metodos tradicionales de maquillaje fisico. SI pude observar que en algunas secuencias se utilizo algun tipo de efecto por computadora, pero en general la presencia del hombre lobo transformado se sintio bien real porque era precisamente Benicio del Toro debajo del maquillaje.

De todas maneras si quieren ver una transformacion que hasta el dia de hoy todavia mantiene su grado de impacto y su atencion al detalle remitanse a An American Werewolf in London (John Landis, 1981)



USA, Color, Film.
Dirigida por Joe Johnston.
Escrita por Andrew Kevin Walker y David Self.
Música: Danny Elfman.
Intérpretes: Benicio del Toro, Anthony Hopkins, Emily Blunt y Hugo Weaving.

Percy Jackson & the Olympians: The Lightning Thief (Chris Columbus, 2010)

Se acerca el final de Harry Potter, una de las franquicias mas rentables de los últimos años, tanto que la ultima adaptación del libro se hará en dos películas separadas. Hay que exprimir a esa gallina de huevos de oro hasta el final. Entonces es obvio que quedará un hueco en lo que a blockbusters se refiere para esta década. Es por eso que a lo largo de estos mismos años se ha visto como, sin muy buenos resultados, se ha intentado establecer una nueva franquicia similar a la de Potter [City of Ember (Gil Kenan, 2008), Eragon (Stefen Fangmeier, 2006) y The Golden Compass (Chris Weitz, 2007)]

Lamentablemente lo único que esas películas guardan en relacion con la saga de Harry Potter es su origen literario y sus elementos de fantasía porque la aceptacion de estas ha sido más bien fría. En mucho creo que tiene que ver con el hecho de que para las películas de Potter se han elegido a importantes directores que han traido su experiencia al resultado final (Alfonzo Cuarón, Mike Newell y Chris Columbus)

Por eso ante el inminente final de la franquicia del joven mago no era de extrañar que para este nuevo intento de establecer una nueva serie de películas recurrieran a alguien ligado a las películas basadas en los libros de J.K. Rowling. En este caso se dirigieron a quien fue uno de los cerebros gestadores de la misma, Chris Columbus.

Columbus que dirigió y produjo las tres primeras de la trilogía de Potter es el encargado de iniciar (?) la saga de Percy Jackson y los Dioses del Olimpo con Percy Jackson y el Ladron del Rayo basado en el primer libro de la serie escrita por Rick Riordan. Columbus no es ajeno entonces a este tipo de películas inclusive fuera de su trabajo para Potter ya había escrito el guión para The Young Sherlock Holmes (Barry Levinson, 1985) y dirigió la adaptación de la novela de Isaac Asimov, Bicentennial Man (1999).

Probablemente los productores pensaron que Columbus era el mas indicado para darle un empujón a este nuevo intento en copiar el modelo de Harry Potter (libros infantiles convertidos en bestsellers deberían garantizar una franquicia de películas exitosa, o no?). Obviando las diferencias entre publicaciones de ambas novelas (Harry Potter y la Piedra Filosofal se publica por primera vez en 1998, la película se estrena dos años después; mientras que Percy Jackson y el Ladron del Rayo [el libro] se publica en 2005 y son 5 años los que deben pasar para ver su versión fílmica), el resultado de esta película no está ni cercano al primer exito de la saga de Potter.

Aunque es obvio que con el auge de los efectos especiales este tipo de películas es precisamente un terreno más que idóneo para su despliegue, Percy Jackson falla irremediablemente en un apartado que mal que bien la saga de Potter ha sabido resolver efectivamente. Y esa es la historia como tal, que en el caso de Percy no atrapa ni emociona. No hay una verdadera construcción de personajes lo suficientemente efectiva como para que nos preocupe lo que les pasa.

La historia de Percy Jackson es una modernización, por así decirlo del mito griego de Perseo, pero a la vez hay otras variaciones y licencias literarias para hacer los relatos mas interesantes. No he leido los libros pero su transferencia a película me parece bastante fría y sin importancia. Es así como que no hay una verdadera intención de hacer una historia interesante, lo que me parece una verdadera atrocidad pues si estan, en pocas palabras, robando la riqueza de los mitos griegos le menos que podrían haber hecho es hilarlos de una manera ingeniosa. Sencillamente parece que no están tratando lo suficiente.

En todo caso la película es, como cabría esperar, una excelente muestra de las capacidades técnicas del cine industrial estadounidense. Pero a la vez es un perfecto ejemplo de lo poco arriesgados que son cuando tomamos en cuenta el apartado del guión.

Y es una lástima particularmente porque en lo que se relaciona al cast eligieron a algunos actores interesantes como Sean Bean (Boromir en la trilogía del Señor de los Anillos) quien aquí interpreta a Zeus, Uma Thurman bien desaprovechada como Medusa y Steve Coogan como Hades, Rey del Inframundo quien dura en pantalla tan poco que prácticamente se puede considerar su participación como un cameo.

Una de las cosas que básicamente me molestó es que Chris Columbus dirigiera una película tan fría. Si bien no es un maestro, bajo su ojo han sido filmadas varias películas que todavía mantienen algo de su frescura y si bien algunas son producto de su tiempo, son todavía más interesantes que esta última que ha dirigido.

De su filmografía rescato sin pensarlo aquella película navideña que convirtió a Macauley Culkin en una celebridad de la noche a la mañana, Home Alone (1990); Mrs. Doubtfire (1993) que si bien se basa enteramente sobre la actuación de Robin Williams tiene una dirección que nunca distrae, y controlar a alguien como Robin Williams no debe ser nada fácil. Y por último su debut como director Adventures in Babysitting (1987) en la que una jovencísima Elizabeth Shue pasa un rato infernal cuando lo que debió haber sido la fácil tarea de cuidar a tres niños deviene en una carrera por escapar de unos mafiosos en medio de la peligrosa noche de Chigago, una película que todavía conserva ese espíritu de las comedias estadounidenses de los años 80. Hasta un numero musical blues tiene la película.

Lamentablemente nada de lo que hicieron (y hacen) aún disfrutables a esas películas se encuentra por ningún lado en Percy. Creo que esta es otra franquicia que no pasara de la primera película. Espero que la otra película sobre el amigo Perseo que se estrena este año tenga algo mejor que ofrecer que esta blandengue adaptación moderna de su mito.

USA, Color, Film.
Dirigida por Chris Columbus.
Escrita por Craig Titley a partir del libro de Rick Riordan
Cinematografía: Stephen Goldblatt.
Música: Christophe Beck.
Intérpretes: Logan Lerman, Sean Bean, Pierce Brosnan, Uma Thurman, Rosario Dawson, Steve Coogan y Katherine Keener.

Caracas TQQJ - Teaser

Esto si es una sorpresa, en el estilo de las peliculas Paris Je T'aime (2006) y New York I Love You (2009), nos llega Caracas TQQJ. Supongo que la dinamica se mantiene y seran varios cortos desarrollados todos en la ciudad de Caracas.

En la pagina oficial hay mas detalles sobre los directores. Este es un 'must see' del 2010.

LA CASA MUDA: MIEDO REAL EN TIEMPO REAL

El día de hoy, varios escritores y colaboradores de este blog recibimos un correo del productor uruguayo Gustavo Rojo, quien nos invitaba a promocionar una cinta de terror uruguaya llamada La Casa Muda. Sabiendo lo difícil que es la realización y promoción de una cinta independiente en estas latitudes latinoamericanas, me alegré mucho de la existencia del proyecto y salí corriendo a ver el teaser de la cinta. Particularmente me gustó mucho.

Hay que destacar que La Casa Muda fue rodada en un plano único, sin cortes, en tiempo real, con una cámara de fotos Canon Mark II. El costo de la producción fue de apenas seis mil dólares y los hechos que retrata están basados en un acontecimiento real ocurrido en una casa rural del Uruguay. Al respecto dice la página web de la cinta: “En la década de los 40 dos hombres fueron encontrados en una desolada casa de campo. Estaban muertos y mutilados. Inquietantes fotografías se encontraron en la escena del crimen. La investigación de la época no arrojó resultados, quedando inconcluso y perdido en la memoria colectiva del poblado Godoy. La Casa Muda está inspirada en este episodio, tratando de cerrar y contestar las preguntas del doble homicidio”.

Aquí les dejo el teaser de la cinta y más abajo toda la información de la película y su director Gustavo Hernández.




SINOPSIS Y DATOS

Laura (Florencia Colucci) y su padre Wilson (Gustavo Alonso) se internan en una lejana casona de campo para reacondicionarla, ya que su dueño Néstor (Abel Tripaldi), muy pronto la pondrá a la venta. Ellos pasarán la noche allí, para comenzar los trabajos al día siguiente. Todo transcurre con normalidad hasta que Laura escucha un sonido que proviene de afuera y se intensifica en el piso superior de la casona. Wilson sube a inspeccionar mientras ella se queda sola abajo a la espera de su padre…. Basada en una historia real ocurrida en un pequeño poblado del Uruguay, “La casa muda” centra su relato en los últimos setenta y ocho minutos, segundo por segundo, en los cuales Laura intentará salir con vida de una casa que encierra un oscuro secreto.

Dirigida por Gustavo Hernández, fotografiada por Pedro Luque (director de fotografía del mega éxito mundial “Ataque de pánico” de Federico Álvarez) y producida por Gustavo Rojo, con un increíble costo total de U$S 6.000, “La casa muda” se interna en el terror psicológico tan poco explorado en la región, contando una escalofriante historia en primer plano y con características que la hacen única en el mercado audiovisual mundial, ya que fue filmada en su totalidad con una SLR digital, más concretamente con la cámara Canon EOS 5D Mark II, lo que hace que “La casa muda” se convierta en el primer film latinoamericano, y el segundo film en el mundo en grabarse con una cámara de fotos. A su vez, la historia está narrada en un único plano secuencia de 78 minutos, sin cortes. Lo que la convierte en la primera película de terror en el mundo en ser realizada con este particular lenguaje narrativo.

“Plano secuencia” en términos cinematográficos se denomina a la secuencia filmada en continuidad, sin corte entre planos, en la que la cámara se desplaza de acuerdo a una meticulosa planificación, generando en el espectador la sensación real de compartir las vivencias junto al protagonista.

MIEDO REAL EN TIEMPO REAL, esa es la propuesta de “La casa muda”, película que no pasara desapercibida para todo aquel que se atreva a vivir esta diferente y perturbadora experiencia cinematográfica.

Por más información visite: http://www.lacasamuda.com/ o el grupo en Facebook.

Gustavo Hernández es egresado de la Escuela de Cine del Uruguay en el año 2002 como Realizador Cinematográfico. Se distingue por un ágil manejo narrativo y visual, destacando una sutil elaboración de los personajes en el campo actoral. Dirigió una decenas de cortometrajes, que fueron premiados en distintos festivales del mundo por sus síntesis narrativa y el empleo del humor (La Carta, Informes, El Corazón Delator, etc). Se ha destacado especialmente por la realización de videos musicales, dirigiendo a bandas nacionales muy populares (NTVG, LA VELA PUERCA, LA TRAMPA, JORGE NASSER) con resultados visibles en las grandes cadenas musicales de televisión. Gustavo Hernández se desempeñó durante años en roles de Dirección, Asistencia de Dirección y Edición en importantes productoras nacionales, sumando conocimiento y experiencia del medio publicitario.

Dirección...............................Gustavo Hernandez

Producción.............................Gustavo Rojo

Dirección de fotografia............Pedro Luque

Dirección de Arte...................Federico Capra

Guión....................................Oscar Estevez

Argumento............................Gustavo Hernandez y Gustavo Rojo

Elenco:

Laura............. Florencia Colucci

Nestor............ Abel Tripardi

Wilson............ Gustavo Alonso

CRUCEMOS LOS DEDOS: Furia de Titanes

En algún momento manifesté mi opinión con respecto a la insistencia del cine comercial en enfocarse en remakes, secuelas y adaptaciones. Así, que no voy a repetirme. Lo pueden leer AQUÍ.

Lo cierto es que el 26 de Marzo de este año la Warner estará estrenando otro remake: Furia de Titanes. Al igual que su predecesora de 1981, dirigida por Desmond Davis, esta cinta estará basada en el mito griego de Perseo. Aquí les dejo el tráiler. Se ve bien, así que crucemos los dedos.

Distrito 9 (Neill Blomkamp, Suráfrica-Nueva Zelanda, 2009)

Así son muchas veces las películas importantes, en un principio desestimadas o sencillamente pasan desapercibidas ante el público y ante la mal llamada "crítica".

Quien sabe si pase lo mismo con Distrito 9 en esta época donde el internet, las redes sociales y el boca a boca acortan distancias y momentos. Quizás el reconocimiento de Distrito 9 como una pieza de arte, si, una pieza de arte tarde menos que con otras películas importantes del género de ciencia ficción como Robocop o 2001: Una odisea espacial.

Quizás pueda parecer arriesgado entrar al terreno de las comparaciones, mucho más cuando se hace en un género tan difícil de conseguir como la ciencia ficción, pero la verdad es que Distrito 9 tiene todos los elementos para ser una película a revisitar en el futuro.

Distrito 9 no es una obra maestra, lejos de serlo, y si uno pudiera adivinar cuales eran las intenciones de los realizadores quizás entre ellas estaba precisamente el no hacer una obra maestra; sino sencillamente contar una historia de la manera más entretenida posible.


Ahora no se deje engañar por lo que digo, Distrito 9 no es por ningún lado donde se mire un entretenimiento barato (y no estoy hablando de su modesto presupuesto de estimado en unos 30 millones de dólares, bastante bajo para el estándar actual) sino que hay una inversión importante en la construcción de los personajes y del hilo argumental de la pelicula, que aunque a veces poco original o increible no distrae del hecho de que de verdad nos importe lo que le pasa a dichos personajes. Y en la película existen muchos personajes que son un efecto especial.

Sin querer revelar mucho de la historia el argumento de Distrito 9 es sencillo y muchas veces utilizado, ¿que pasaría si nos encontráramos con una raza alienígena?, sin embargo mucho más allá del mero espectáculo se tocan temas como la intolerancia, la naturaleza violenta del ser humano entre otros, con una obvia referencia al apartheid de Suráfrica (donde se desarrolla la historia, específicamente Johanesburgo) para cuando la película ha alcanzado su clímax narrativo hemos observado un magnifico ejercicio de como contar una historia, donde lo importante son los personajes y su drama interno o externo.

Y como toda buena película de ciencia ficción es algo insatisfactoria no porque no alcanzara lo que prometía con su premisa, sino porque al terminar la función una vez más nos encontraremos reflexionando sobre nuestra propia naturaleza. Y eso después de todo es lo que hacen las buenas películas.

DEL CINECLUBISMO A LAS SALAS COMUNITARIAS EN LA GAN

El próximo día Jueves a las 7 de la noche se llevará a cabo el estreno del Reportaje Documental "Del cineclubismo al cine comunitario", dirigido por el documentalista Sergio Marcano y financiado por la Cinemateca Nacional.

Creo que el título del documental refiere de manera directa el tema, así que lo que queda es ir.

Particularmente creo que la iniciativa de tocar un tema tan olvidado y tan importante de nuestro cine debe aplaudirse y apoyarse.

Gracias a Sergio y a su equipo por la invitación.

MILK: LA GRAN GANADORA. Por José Roversi

Hay eventos, hay momentos en la vida, que uno recordará siempre por las más diversas razones. Mi mamá nunca olvidará la llegada del hombre a la luna (cuando la miró con sus amigas, por última vez, minutos antes de ser tocada por la mano del hombre) o el terremoto de Caracas. Mis primos mayores no olvidarán la muerte de Renny Ottolina o la de John Lennon, y así para cada generación. Algo parecido pasa con las películas. Yo siempre recordaré el momento y lugar precisos en que vi algunas de ellas. A mediados de los años ochenta, en un cine de la avenida Los Leones de Barquisimeto, vi la película “Starman”, la historia de un enviado extraterrestre que en la tierra conoce el dolor y el amor. Y aquella película me causó una impresión profunda. Con diez años no entendí el por qué. Con treinta y tres lo entiendo, o eso creo.

Hace una semana me pasó lo mismo. Y perdonen si no les hablo de esta cinta como de un sofisticado y virtuoso logro cinematográfico, sino como una experiencia absolutamente humana.

Intensa, sí, porque en sí misma la película guarda estrecha relación con lo que creo es ya una tendencia, irreversible y virtuosa, del tiempo que vivimos y del que nos tocará vivir: la toma de una nueva conciencia.

“Milk” no es una biografía ni es una hagiografía o “vida de santos”. No es un manifiesto político o ideológico. No es un melodrama sentimental diseñado para conmover. Es una historia narrada con una sinceridad y naturalidad tales que, desde mi punto de vista, penetra en nuestras conciencias y nos cuestiona, nos obliga a ver hacia adentro. Esto es un logro que trasciende, por mucho, el mundo del cine y del espectáculo, o el de la política.

Pensemos por un momento que los hechos narrados brillantemente en “Milk” ocurrieron hace treinta años, que aunque en tiempo histórico es el equivalente de nada, en tiempo biológico a veces puede equivaler a una vida entera. Me pregunto que tanto hemos avanzado en la comprensión de nosotros mismos como mucho, infinitamente mucho más, que ciudadanos protegidos por leyes sabias y buenas, con derechos y deberes. Me pregunto si el triunfo de la razón basta, si es suficiente, para cambiar nuestro interior. Hasta ahora hay muchas preguntas. Ya vendrán las respuestas.

Si el cine puede (no debe) tener una función social, como honestamente lo creo, esta película, tal vez sin proponérselo, la tendrá. Que la vean los jóvenes en Bogotá, Caracas, Montreal o Milán y que, a la vez que teorizar y debatir sobre los aspectos fundamentales de los derechos humanos, los sientan con toda intensidad…

“Milk” no ganó el Oscar a la mejor película, pero eso ya no le hace falta…

Swing con Son. Estreno 24 de Abril

El estreno de la película dirigida por Rafael Marziano y que versa sobre la legendaria orquesta de Billo Frómeta, se hará en salas comerciales a partir del 24 de abril. La película cuenta con excelentes interpretaciones y valiosos testimonios, vale decir que el sonido es dolby. Aquí los enlaces de los trailers, que estarán próximamente en las pantallas.

http://www.youtube.com/watch?v=3dU1YiCWC6Y

http://www.youtube.com/watch?v=JwLQmBAcXRw

http://www.youtube.com/watch?v=eMZ6xats3bU

http://www.youtube.com/watch?v=u-FsnJnz0HQ