jueves, 29 de noviembre de 2007

Los cines y las elecciones

Como especie de servicio público, abuso aprovecho este espacio para comentarles que el próximo domingo el funcionamiento de los cines en nuestro país se realizará de manera diferente a la acostumbrada. No cuento con la información correspondiente de las salas de Cinex, ni de las salas independientes, pero al menos les puedo mencionar sobre las salas de Cines Unidos (los cines son en Caracas, excepto donde se indique)

Este domingo no abrirán:
Metrocenter
Galerías Paraíso
Humboldt
Guatire Plaza (Guatire)
Centro Sur (Maracaibo)
Abrirán en horarios restringidos hasta la función de las 5PM:
El Marqués
Galerías Avila
Abrirán en horarios restringidos hasta la función de las 7PM: el resto de los cines

Actualización: debido a que la mayoría de los centros comerciales ha decidido cerrar o funcionar limitadamente, Cines Unidos y Cinex (según me indican) no abrirán ninguna de sus salas este próximo domingo. Si la situación llegase a cambiar lo informaremos por aquí...

Este domingo, salgan a votar y apoyen a su preferencia (Si, No, Quizás, Quién sabe) y luego despejen la mente viendo una película (o amárguense la vida viendo Globovisión, VTV o cualquier canal de noticias)

martes, 27 de noviembre de 2007

LA CLASE, SR. PRESIDENTE y NI TAN LARGOS, NI TAN CORTOS.

Muchas cosas se podrán decir de los colaboradores de este blog, pero que somos mezquinos no es una de ellas. Todo lo contrario, siempre hemos tenido las puertas abiertas para que la gente participe, opine y hasta escriba. Hoy le toca subir a la palestra a Sergio Marcano, un joven cineasta y amigo de la casa, que nos ha enviado sus reflexiones personales en torno a tres películas venezolanas recién estrenadas: La Clase, Sr. Presidente y Ni tan largos Ni tan cortos. Y es que aquí nos hacemos del lema de Kotepa Delgado: "Escribe que algo queda".

NOTA: Cualquier reclamo, crítica, sugerencia, alabanza o adulación, pueden hacérsela llegar a Sergio por medio de la herramienta de comentarios, pues de allí la cosa irá a parar a nuestra reluciente, magnífica y recién instalada barra de "últimos comentarios", añadida gracias al genio de JJ Espinoza.

NI TAN LARGOS, NI TAN CORTOS
SR PRESIDENTE
LA CLASE


Por Sergio Marcano

Como fiel espectador del cine venezolano, asistí a la convocatoria planteada por los últimos estrenos del cine nacional –Ni tan largos, ni tan cortos y Sr. presidente- y la verdad es que no había sentido la necesidad de escribir. Sin embargo, luego de la visualización de La clase y de algún modo en sumatoria de las experiencias audiovisuales, surgieron en mi algunas preguntas –aún sin respuestas- que me hicieron volcarme a la escritura, en plan francamente auto reflexivo: ¿Para qué sirve el cine nacional?, ¿Tiene o debería tener algún tipo de funcionalidad?, ¿A que público va dirigido?, ¿Existe una verdadera necesidad expresiva detrás de las obras audiovisuales que se hacen en el país? ¿Deberíamos estar haciendo el cine que hemos hecho? ¿Quizás algún otro? ¿Entretener, ideologizar, comunicar?...

A mi parecer –hablando como el realizador en que quiero convertirme- el cine está ligado a una necesidad expresiva, una necesidad que puede servir de reflejo de nuestras experiencias, de nuestras maneras de percibir al mundo, anhelos, sueños, pensamientos, ideas o teorías, todo esto sin perder de vista que el cine es un acto comunicativo que tiene como fin último ser visto por la mayor cantidad de espectadores posibles.

En las tres últimas películas que se han estrenado, básicamente lo que me despierta más curiosidad es su pertinencia histórica, o si debería tener alguna en todo caso.

Hablar de Ni tan largos, Ni tan cortos en este momento me resulta un poco difícil, pues la verdad es que la película no logro ni gustarme, ni molestarme lo suficiente como para tener algo que decir al respecto. Así que confieso que lo que más me gustó de la película fue la reacción que tenían los otros espectadores a mí alrededor cuando la veían. Recuerdo que cuando terminó el primer mediometraje, la gente, que no comprendía que la película hubiese terminado en tan corto tiempo, comenzó a gritar molesta reclamando la devolución de su dinero. Y en la segunda historia –ya calmados los ánimos- lo mejor fue oír las risas, que despertaba en los espectadores, la manera de hablar de los personajes, su coloquialidad, y muy específicamente todas las groserías propias del hablar del venezolano. Lo que me hace suponer que al menos en un 50% los mediometrajes del Sr. Héctor Palma cumplieron cabalmente su cometido.

Por otro lado, supongo que para muchos es comprensible que, por la sesgada postura ideológica que caracteriza a RCTV, ellos mismos se financien –con todos los hierros- Sr. Presidente, una película que habla sobre un régimen de ultra derecha, totalitario, fascista, adueñado de una sociedad carcomida por la paranoia y el miedo, eso si, en un país desconocido de latinoamérica. Como también supongo que, para muchos otros, sea comprensible que La Villa del Cine haga su intento por hablar hoy en día de las diferencias de clases, abismales, irreconciliables, que como bestias corroen ferozmente la faz de nuestra sociedad en estos momentos.

Y aunque podría pensarse que mi preocupación concreta está ligada a que el cine se convierta, bajo manos inescrupulosas, en un instrumento ideologizador –que intente moldear la manera de pensar y de sentir de nuestros espectadores-, para servir a Dios al Diablo, a Mahoma, Buda y sus opuestos, la verdad es que mi preocupación está más ligada a la vacuidad
que subyace en ambos discursos, en la superficialidad ideológica que caracterizan los guiones de ambas propuestas, armados con tratamientos argumentales manidos, fáciles, plagados de clichés, sin maña, sin sorpresa alguna, llenos de reflexiones epidérmicas, que lejos de despertar el análisis, la discusión y/o la reflexión política, terminan empujándolo a uno como espectador, a un abismo infinito de desencuentro, estupor y aburrimiento. Un verdadero rosario de desventuras y desaciertos narrativos, tan sólo proporcionales a la evidente falta de pasión que caracterizan a ambas propuestas, que a mi parecer, esquivan y bordean, pero no se adentran verdaderamente a la esencia de lo que pretenden retratar, ni siquiera –a diferencia del cine político de los 70 y 80- cumplen la misión de servir como reflejo de lo que somos los venezolanos de a pie, de los problemas que vivimos en las calles, en las urbanizaciones y en los barrios, en esta inquieta sociedad que es hoy en día Venezuela. Algo francamente triste y decepcionante.

¿Será que los venezolanos estamos condenados –mayormente- a no tener un cine inteligente, sensible, creativo, verdaderamente intimista o de simple y llano entretenimiento? No lo sé.


Para terminar les dejo un par de diálogos que robaron particularmente mi atención y que probablemente ilustren un poco las cosas a las que me refiero:

Sr. Presidente:
Una mujer que no se maquilla y no se opera, bien se ve que no tuvo madre.


La Clase:
…la clase media, ellos si saben vivir, fíjate en sus calles y urbanizaciones, siempre limpias y no trafican con drogas…

Residente extinto

¿Cuál es el verdadero problema de adaptar un videojuego en forma de largometraje? Bueno creo que lo principal es caer en el error de pensar que son dos medios similares cuando en realidad son más las diferencias que las semejanzas, a pesar claro está de que son medios audiovisuales.

Sin embargo el videojuego necesita de nuestra participación activa, el espectador (el jugador en todo caso) puede hasta ciertos límites definir el desarrollo de la historia de un videojuego, independientemente de que su final y su desenvolvimiento esté ya programado.

Desde esa premisa probablemente todos las adaptaciones cinematográficas que he visto que están hechas a partir de videojuegos caen en el mismo error, muy pocas y quiero decir poquísimas excepciones no caen en la norma y se van precisamente por lo meramente importante: la historia.

La historia de Resident Evil es quizás original en el mundo de los videojuegos, probablemente a eso se deba su popularidad. Pero una vez llevada esa historia al terreno cinematográfico uno se de cuenta que esa historia ha sido mil veces contada, y de mejor forma además.

Sólo con ver cualquiera de las películas que hizo George A. Romero acerca del fin del mundo a causa de una epidemia de zombies, uno se da cuenta que el juego en si toma muchos detalles de esas cintas. Es por eso que cuando se adapta por primera vez Resident Evil lo que uno siente es "deja vu".

Hasta las cosas que podrían ser consideradas como adiciones originales del universo del videojuego han sido sacadas directa o indirectamente de las películas de Romero. Lo único que parece salvarse de ese saco es toda la trama concerniente al personaje de Alice (Milla Jovovich), pero está tan mal planteado que realmente no termina de convencer.

La tercera parte de Resident Evil, llamada Extinción no ofrece nada nuevo, pero a diferencia de su antecesora, Resident Evil: Apocalypse, ya no es divertido ver a la ucraniana dar patadas a los no-muertos.

El factor sorpresa sigue manteniéndose a duras penas cuando te sugieren que va a haber otra película pero que se va a desarollar en Japón.

Muchas espectativas por esta película pero ninguna de ellas satisfechas, a medida que salen películas de zombies, o subgéneros del mismo las películas de Romero en comparación parecen mejores. Mejores actuadas, mejores contadas, etc.

Nunca pensé que iba a decir esto de una película pero Resident Evil: Extintion no se trata de nada realmente. La dirección es cuando menos regular, eso es alarmante viniendo de Russell Mulcahy, el tipo que dirigió unas de las películas más cool que existen: Highlander. Es eso o quizás ya no me impresionan este tipo de película

lunes, 26 de noviembre de 2007

Píxeles pseudo-épicos

Debo reconocer con cierta vergüenza que mis conocimientos en literatura inglesa son nulos, por decir algo. La historia del poema épico anónimo Beowulf en que se basa la última película de Robert Zemeckis era, hasta la visión de este largometraje, desconocida para mi.

En ese caso creo que la primera virtud de lo último de Zemeckis tiene un mérito de dar a conocer a todos los neófitos en literatura inglesa tan entretenida historia. Eso por un lado.

Ahora ya mencionado el carácter educativo de la película puedo comenzar por asegurar que sigo preguntándome que le pasa a Robert Zemeckis y su afición por la animación por computadora. Es decir no es que la animación por ordenador tenga algo de malo, pero es que simplemente en esta película parece usada sólo con el pretexto de hacer interesante un relato que dramáticamente ya es lo suficientemente cautivante.

Reconozco que no vi El Expreso Polar (2004), primero porque la animación por computadora, o por lo menos la que está usando Zemeckis, no se me antoja para un largometraje eso y que no creo que haya otra película navideña que supere en diversión, entretenimiento y, valga la redundancia, calor navideño una de las mejores películas decembrinas jamás filmadas: Duro de Matar (1988), pero eso es harina de otro saco.

El cineasta-terrorista, Cecil B. Demented (un personaje ficticio creado por John Waters) asegura que el "estilo" no es más que una falla en la técnica. Y tomando en cuenta tal aseveración creo que Beowulf tiene mucho estilo.

Primero y principal, y esto ya es viéndolo desde el lado más purista del asunto. Beowulf (el poema) lidia con elementos ya de por si fantásticos (demonios, dragones, etc.), al llevar eso a pantalla a mi se me ocurriría hacerlo de la manera más realista posible a la Lord of the Rings, por citar un ejemplo reciente, aunque pude haber mencionado Willow (1988).

Pero que es lo que pasa con el estilo de animación adoptado para la adaptación de Beowulf, desde su irrealidad trata de ser realista, a pesar de haber pasado 3 años desde El Expreso Polar, la técnica sigue siendo rudimentaria, eso es notable en el movimiento sobre todo y en los ojos de los personajes, por denotar detalles específicos.

Sin embargo, y al mismo tiempo, detalles como la piel, el fuego, el agua, los cabellos tan perfectos nos llevan a una percepción hiperrealista de todo lo que vemos, tanto los personajes como los escenarios. Quizás las unicas cosas que no son afectadas son las criaturas fantásticas.

La pregunta clave es: ¿Para que filmar esta película en animación (por captura) si vas a buscar un efecto de "realidad", para mi simplemente no tiene sentido, y estoy hablando obviamente desde el punto de vista del espectador, porque como animador no tengo opinión válida y como director menos. La animación es realmente impresionante, eso hay que aceptarlo. Pero en lo personal pasé más tiempo preguntándome cuanto habrá tardado rendear un minuto de película que prestando atención a la historia misma.

De igual forma es imposible hablar de "interpretaciones" porque el mismo problema se interpone. No obstante no todo está perdido: la música de Alan Silvestri, habitual en los largometrajes de Zemeckis, es soberbia; y aunque a veces se escapan algunos sonidos electrónicos y guitarras electricas, por encima se anteponen unos coros espectaculares que terminan de dotar de vida a los millones de píxeles que vemos en pantalla.

Otra cosa que me molestó como cinéfilo al fin es que no entiendo porque si en el caso de Anthony Hopkins, Brendan Glesson, Angelina Jolie y hasta cierto punto John Malkovich y Crispin Glover se usaron los rasgos de los actores que le dieron vida a los personajes para su animación, no se hizo lo mismo con el actor que le dio voz a Beowulf, Ray Winstone. El tipo tiene tremenda presencia, no era necesario crearle un nuevo culo (cuando vean la película entenderán).

No sé si es que a Zemeckis le picó el mismo bicho que a James Cameron, y les dio por experimentar con técnicas y estilos distintos a sus habituales. Creo, por el bien del espectáculo que Zemeckis debe hacer películas a lo "old Fashion", sencillamente creo que le sienta mejor. Si ud. no lo piensa así vaya a ver ahora mismo Forrest Gump, Quien Engaño a Rogert Rabbit o Volver al Futuro II.

Ahora que lo menciono aquí me parece interesante y cuando menos genuino el interés que tiene Zemeckis ahora por la animación, no en balde Quien Engaño...fue precisamente un hito por ser una de las primeras películas en mezclar satisfactoriamente animación y acción real.

***
Mención aparte está por supuesto el guión de Roger Avary quien me impresiona cada vez que hace algo, este tipo puede adaptar una novela de Bret Easton Ellis (The Rules of Attra
ction), un videojuego (Silent Hill) y luego un poema épico inglés considerado como un clásico de la literatura británica y sale por lo menos bien parado.

De hecho cada vez me convenzo que la verdadera fuerza del guión de Pulp Fiction es de Avery y no de Quentin Tarantino, y aunque esto le puede parecer sacrílego a muchos sinceramente solo hay que ver lo poco que ha hecho Avery y lo otro poco que ha hecho Tarantino y sacar las cuentas. También me pareció interesante que en el guión también metió la mano Neil Gaiman el autor de la novela Stardust de la que se hizo una película homónina recientemente y que ya RoRRo comentó por esta vía también.

Y no, el culo de Angelina Jolie (digitalizado o no) no es suficiente para hacer una buena película

domingo, 25 de noviembre de 2007

El cinescopio RSS

Si quieres saber lo que pasa en El cinescopio (cuando pasa algo...), dale click al primer botón de la columna de la derecha y listo, cada vez que alguno de los dementes que escribimos aquí haga algo tu lo sabrásy Aquí el resto del mismo

viernes, 23 de noviembre de 2007

La ZOO-FILIA llega al video

Zoo es una de esas películas que uno puede clasificar de controvertidas. Porque la verdad es que el tema de la zoofilia no sólo es extraño e incomprendido, sino además álgido. Particularmente no entiendo bien que lleva a alguien a sentir este tipo de inclinación sexual, pero debo confesar que nunca he conocido a un zoofílico (por lo menos que yo sepa), ni he sentido pasión de este tipo por un animal, de manera que perdería aquí el tiempo tratando de argumentar sobre algo de lo que no tengo referencia alguna. Me limito "a ver los toros desde la barrera", y que me disculpen los zoofílicos por la metáfora.

El punto es que Robinson Devor, el director de este documental, se ha atrevido a retratar lo que para la mayoría es un mundo sórdido y a veces repugnante. Y debo decir que lo ha hecho bellamente, haciendo uso de una fotografía preciosista y una composición visual bastante poética. A diferencia de lo que podría creerse, Devor nos trae una obra de arte. Una clase magistral de cine documental en general y de docudrama en particular. De hecho la película no nos muestra (ni lo requiere) escenas explícitas de sexo con animales. Citando al periódico estadounidense Newsday, "Zoo es un filme precioso sobre un tema sórdido", que usa "tácticas poéticas y evocadoras, llenas de arte para investigar en la naturaleza de las pasiones ocultas y averiguar hasta qué punto personas aparentemente racionales pueden justificar sus propósitos".

La cinta, ahora en video, narra un hecho de la vida real ocurrido en Seattle en el año 2005: un hombre de negocios de 45 años residente de Seattle, fue abandonado en un hospital casi muerto luego de que un caballo le perforara el colón en una práctica sexual. Los testimonios usados en el filme son las transcripciones de las entrevistas realizadas al grupo de zoofilícos que compartían estas prácticas con la víctima.

Devor ha dirigido otras dos películas: Police Beat y The Woman Chaser, pero ninguna de estas ha logrado el éxito de Zoo, nominada al premio del Gran Jurado en el Festival de Cine de Sundance de este año. A pesar de que pienso que se abusa un poco de la voz en off, la película es muy buena, y sin miedo a que me reclamen luego les sugiero que la vean. En ella se ponen en la balanza puntos como la aberración y el amor, el bestialismo, la libertad y la incomprensión, y luego se enfrentan, a mansalva, radicalmente. A mitad del documental un personaje suelta una frase que resume el transfondo del filme: "Dios, no odia a nadie". Yo añadiría: "Ni siquiera a los zoofílicos".

Al terminar la película lean los textos finales. Muchos datos interesantes son revelados.

Por cierto, el afiche me parece genial. No olviden de ver el detalle dentro del ojo del caballo.
Aquí les dejo el tráiler.

miércoles, 21 de noviembre de 2007

I Seminario de Mercadeo Cinematográfico

El fin de semana del 07 y 09 de diciembre se llevará a cabo el I Seminario de Mercadeo Cinematográfico en la Estación Experimental El Laurel en el que participarán "expertos" en la materia que compartirán con estudiantes, periodistas, publicistas y al público interesado sus experiencias y conocimientos en la promoción y difusión de materiales audiovisuales. Uso comillas en "expertos" no por faltarle el respeto a la mayoría de los expositores, sino porque uno de ellos será este servidor mesmo

Ninoska Dávila, organizadora del evento y Directora de Cinemapress, ha invitado a un selecto grupo de personas del medio cinematográfico entre las que se incluyen Lorena Pino (RRPP y Medios de Warner Bros. en Venezuela), César Level (Director creativo de Queiroz Publicidad), Maurizio Liberatoscioli (Director de la Sala Margot Benacerraf), Samuel Granados (Gerente de Comunicaciones del CNAC), Fernando Venturini (Director y guionista), Carlos "Carlanga" Caridad (Director, guionista, amo y señor de Blogacine, héroe de multitudes y tipo simpático a más no poder), la propia Ninoska, y quien escribe estas letras, Rodrigo Llamozas (Gerente de Distribución de Cines Unidos). Adicionalmente habrá una participación especial de Henry Rivero, co-productor, co-director, co-escritor, novio de la madrina y cuarto bate de Puras joyitas, quien conversará sobre la estrategia promocional de este trabajo una semana antes de su estreno a nivel nacional

Se conversarán temas diversos pero relacionados a la promoción, publicidad y mercadeo del cine en nuestro país. Les dejo el programa para que se animen:
Viernes 07.12 - Recepción y alojamiento
Sábado 08.12:
1. Primeras huellas del cine en suelo Venezolano - Lorena Pino
2. Distribución y mercadeo de películas - Rodrigo Llamozas
3. El director Venezolano, "El todero" - César Level
4. Detrás de la campaña de "Puras joyitas" - Henry Rivero
5. Captando internautas para la promoción de un filme - Carlos Caridad
Domingo 09.12:
1. La promoción y difusión del cine a partir del CNAC - Samuel Granados
2. Distribución del Cine Alternativo e Independiente - Maurizio Liberatoscioli
3. Promoción del cine en medios masivos - Ninoska Dávila
4. El proceso audiovisual en sí mismo - Fernando Venturini
5. Entrega de certificados
El paquete tiene un costo de Bs. 450.000 (BsF. 450) para estudiantes y Bs. 550.000 (BsF. 550) para profesionales, e incluyen transporte, alojamiento y comidas, además de una foto con todos los participantes en traje de baño. Estos son los precios de la preventa que concluye el 23 de noviembre, así que apúrense!

Me parece que esta es una iniciativa bien interesante para mostrar un lado de nuestra industria que es muy poco conocido por el público en general (e incluso por algunos de los que trabajan dentro de ella) y del que solo se suele ver el producto final, mas no el camino recorrido

Si desean más información sobre el seminario o desean inscribirse (y si la idea de oirme hablando por hora y media no los desanima), pueden visitar el blog de Cinemapress o escribirle a Ninoska directamente

Espero que se animen y que nos podamos ver por allá...

ENTREVISTA DOS VECES IMPACTANTE

William Sarquiz es noticia. La verdad lo ha sido durante meses. Para la mayoría, su historia pública como cineasta comienza con una nota en el Blog de Cine Venezolano Blogacine, en la que se comentaba el tráiler de Pecho Cannibal, su primera película. Lo que empezó como una noticia más, se convirtió en un fenómeno viral, pues el artículo ha sobrepasado ya los trescientos comentarios. De hecho, el mismo está a la cabeza del referido blog como "el más comentado" por parte de los lectores.

Debo confesar que al principio me sumé al grupo de los escépticos que afirmaban que Pecho Cannibal era una especie de invento publicitario, una movida del blog para atraer visitas. Incluso tuve el atrevimiento de calificarlo de hoax, por lo cual pido disculpas de manera pública al señor Sarquiz. Pecho Cannibal no sólo es real. Participó en el Festival de Cine de Mérida de 2007. Y ahora lo hace en el Primer Festival de los Pueblos del Sur, el cual se está llevando a cabo en la isla de Margarita, Venezuela.

JJ, uno de los colaboradores de este blog ya ha escrito una nota bastante completa acerca de Sarquiz, su historia y su filme. No pienso caer en reiteraciones, por lo que, para más consulta, les remito a dicho artículo. Aquí sólo me permito transcribir textualmente la entrevista que le hice vía correo electrónico al señor Sarquiz, la cual publico de manera textual, sin correcciones ni alteraciones de ningún tipo. Al final de ella, coloco el tráiler del largometraje para aquellos que no lo han visto.

Aquí vamos:
¿Cómo nace la idea de Pecho Caníbal? ¿Podría describir el proyecto brevemente?

Cuando yo tenia 3 añitos de edad mi papa: MUSIU ELOY GOMEZ + y mi mama DLORES DE GOMEZ hoy vive, hicieron un cine con un equipo de 35 mm, en la poblocion de SANTA LUCIA EDO BARINAS, VENEZUELA.el sonido del rollo de la pelicula me hizo soñar y dije: algun dia voy aparecer en esa pantalla grande, alternaba mis travesuras con la musica al pie de una rockola que tenian mis padres en un expendio de viveres y licores.la idea de mi filme PECHO CANNIBAL, nacio por que no conseguia peliculas en las tiendas que hablaran sobre aventuras en la selva con indios en nuestro pais, pero que dejara una reflexion hacia la autodestruccion de nuestro habitad, la cual hoy dia protagonizan algunos inescrupulosos,debido a que se han dado a la tarea de destruir nuestros animales, envenenar nuestros rios, quemar nuestra vegetacion, etc.PECHO CANNIBAL, esta hecha para que todos tengamos una profunda reflexion y concientizacion Ecologica. No solamente es un entretenimiento audiovisual, espero que lo entienda, hay que ir hacia la profundidad del texto Cinematográfico e interpretar su mensaje. es un proyecto hecho a base de sangre sudor y lagrimas, en mi experiencia filmica le confieso que me corte partes del cuerpo 12 veces. es un filme de 88 minutos, aproximadamente. IDIOMA Indio-Espanglish hecho para demostrarle a los de habla Hispana e Inglesa que nuestra lengua aborigen tambien es importante, por eso fusione el iNDIO.ESPAÑOL E INGLISH y lo denomine INDIO-ESPANGLISH con su propio dialecto, estilo, acentuaciones y forma de ser.

Entiendo que su experiencia estaba reducida al mundo de la música. ¿Cómo enfrentó las dificultades técnicas intrínsecas al proceso de filmación de un largometraje?
Le voy a decir que en mi filme utilice la grandeza estatica de los mejores cineastas que no es otra cosa que, la utilizacion de campo y fuera de campo a lo que audio y video se refiere, utilice muchos trucos audiovisuales naturales que es lo que mas trasmite a nivel de feeling en una palicula

¿Considera Pecho Caníbal como un filme serie B?
PECHO CANNIBAL esta hecha para niños jovenes y adultos, la violencia esta implicita y en la mente del expectador, me agrada jugar con la mente del expectador y su imaginacion, ya que en su mayoria esta llena de amarillismo debido a transculturizacion y a su propia cultura.se puede catologar como seria A. Veala y opinara.

¿Quién financió la película?
la peli fue financiada por mi ORGANIZACION CINEMATOGRAFICA PECHO RAJAO PICTURES.

¿Qué opinión le merece la Villa del Cine?
La Villa del cine, a mi entender pertenece a la plataforma del cine VENEZOLANO. tienen muy buena iniciativa, ojalá sigan asi...

¿Por qué cree que Pecho Caníbal es uno de los artículos más comentados en la historia de Blogacine?
Por su originalidad del 100% imaginese nosotros tenemos nuestro propio idioma y el filme esta traducido y sub-titulado en 18 idiomas mas, sin duda es una peli internacional, en este momento estoy concursando en el primer festival: los pueblos del sur en Margarita Venezuela, donde represento a mi pais "VENEZUELA" muchas gracias a la gente de Blogacine Venezolano por hacer de mi peli el articulo mas comentado.

¿Qué le diría a aquellos que como yo creían que su filme era un juego, un hoax o una estrategia de publicidad?
Ojalá ud no sea uno de los que dispara primero y averigua despues, creo que eso fue un error de su parte, corrijase y no vuelva a pecar.

¿Qué cree hace falta hoy en día en el cine venezolano?
Que traten de filmar o grabar lo mejor que podamos tener el cualquier parte del pais, no muestren ante el mundo nuestros problemas, eso da muy mala imagen y tenemos que cambiar ese tipo de cine Venezolano para que podamos tener un alto rendimiento a nivel competitivo en el mercado internacional del cine,, inventen historias ficcion, pero no copien a nadie sean totalmente O-R-I-G-I-N-A-L-E.S...

¿Ha considerado financiar proyectos de otras personas?
Todavia no esta planteado, aunque hay posibilidades.

¿Cómo fue su experiencia en el Festival de Cine de Mérida?
Observe usted al filme que le otorgaron la opera prima de ficcion en Mérida ¿Ud cree que se debe premiar a el enfoque y mensaje de un filme relacionado con prostitución, promiscuidad y violaciones sexuales? ¿esa es una buena imagen de nuestro pais? ¿Es eso un buen guion? Ahora yo le pregunto a ud, ¿Ud, qué opina?... Atte WILLIAM SARQUIZ "PECHO CANNIBAL" IMPACTANTE ¡IPACTANTE! 04141587818


domingo, 18 de noviembre de 2007

La Sonoteca del Cinescopio

Bueno aprovechando que esta es una forma de cumplir mi sueño frustrado de tener un programa radial de música de cine, voy a comenzar a hacer los posts que antes había llamado "Bonus Track" en forma de podcast.



Aquí les dejo el primero, es una prueba así que las críticas (destructivas o constructivas) son todas bienvenidas. Dele play y disfrute.






La Sonoteca del Cinescopio #1: De historietas y otros males

Contenido:

-Créditos Iniciales. Superman. Compuesta por John Williams (1976).
-Tema Principal. Batman. Compuesta por Danny Elfman (1989).
-Creditos Principales. Spider-man 2. Compuesta por Danny Elfman (2002).
-Suite Mutante. X2. Compuesta por John Ottman (2003).
-Tema Principal. Los Cuatro Fantásticos. Compuesta por John Ottman (2005).
-Ghost Rider. Ghost Rider. Compuesta por Christopher Young (2007)

sábado, 17 de noviembre de 2007

Lo corto está lleno de memoria. Cine Átomo.

Alguna vez escuché que los goldfish sólo tenían tres segundos de memoria, lo cual, si lo piensan, no deja de ser harto interesante. Piénsenlo... Verlo todo por tres segundos y luego olvidarlo... ¿Cuánto serán tres segundos para el micromundo de un goldfish? Quiero decir, ¿será para ellos un renacimiento eterno e inconsciente, un vivir en escenas de uno, dos, tres?
Lo corto puede decir mucho, incluso todo.

Un poco más largo que la memoria de un goldfish, el Maratón de Cine Átomo, realizado en el marco del Festival de Cine de Mérida 2007, fue concebido para películas de un minuto de duración. Si quieren saber más sobre el concepto, les recomiendo este artículo publicado en la revista Encontrarte.

Aquí les dejo los resultados y los enlaces a You Tube de los galardonados. A mi particularmente me gusta mucho el ganador del tercer lugar, Rap en la cárcel. El último, Copiafotocopia me parece bastante bueno a pesar del aire a Copy shop, el corto nominado al oscar... ¿Ustedes que creen?

Primer lugar: "Cómo vuelan los grandes", de los realizadores Roxy ortiz y Daniel Osorio.





Segundo lugar: "Tiempo y recuerdo", de Gerard Uzcátegui y Dayana Gauthier.









Tercer lugar: "Rap en la cárcel", de Frank Carrillo.





Premio especial del jurado: "Copia/fotocopia", de Gabriel Fuchs.





Copy Shop (2001) de Virgil Widrich





jueves, 15 de noviembre de 2007

The Darjeeling limited: el viaje espiritual de Wes Anderson

Wes Anderson es uno de esos directores cuyo trabajo es un "gusto adquirido", es decir, no es para todo el mundo. Hay que tener cierta sensibilidad para poder apreciar sus películas, y hasta cierto punto, hay que tenerle cierta paciencia porque su estilo es muy estático y sus trabajos resultan muy similares entre sí, al menos en lo que a estética se refiere y quizás un poco en la temática

Con esto quiero decir que si a uno le gustó una de sus películas, es muy probable que le gusten (en mayor o menor medida) las demás, pero será muy raro que le parezca mala alguna de ellas. Eso es bueno por un lado, porque uno sabe qué esperar, pero por otro lado resulta tedioso volver a ver "más de lo mismo"

En cualquier caso, siempre me resulta interesante ver su obra porque me atrae su atención a los detalles, los movimientos de cámara que hace, los diálogos (completamente irreales, pero que me dejan con ganas de que la gente hablara así de verdad) y la ubicación en escena de los personajes. Sin dudas es un director muy particular y con una visión única...

Su más reciente trabajo es The Darjeeling limited que sigue su línea de películas que tratan sobre las relaciones familiares (en Rushmore era más la relación amorosa entre Max y su colegio, o Max y la profesora, pero también había algo en su relación paternal, tanto con su verdadero padre como con el personaje de Bill Murray). En esta ocasión se trata de tres hermanos (Jason Schwartzman, Owen Wilson y Adrien Brody), quienes viajan juntos en tren atravesando la India en una suerte de viaje espiritual familiar. La relación entre los hermanos es algo extraña, quizás fría y poco emotiva, pero esto es algo común en el mundo de Anderson, donde hay una curiosa ausencia de sonrisas aunque esto no quiera decir que sus habitantes sean tristes del todo

Una de las particularidades que tienen sus películas son su ambientación, su dirección artística, y esa atención por los detalles que mencionaba antes. Su mundo ocurre en un momento temporal indefinido que parece actual, pero que a la vez está repleto de artefactos, vestimentas y máquinas que aparentan ser de otra época (de hecho, me sorprendió muchísimo que uno de sus personajes tuviera un iPod). The Darjeeling limited no es la excepción de esa regla y desde los compartimentos de tren en los que viajan los hermanos, las estaciones y aeropuertos, y hasta los pocos momentos que se ven en la gran ciudad, dejan claro que estamos en su mundo

Como buen road movie (que al final es lo que es esta película), The Darjeeling limited está llena de personajes curiosos, situaciones divertidas (con el absurdo humor "serio" de Anderson) y hasta tiene un par de aventuras, y lógicamente la dinámica de la relación entre los hermanos va cambiando a medida que van "aprendiendo la lección de vida" (no creo haberle "spoilereado" a nadie la película, porque esta conclusión es de esperarse, pero si lo hice pido disculpas atrasadas)

Otra cosa que se destaca en el trabajo de este señor, es el uso de la música. No me refiero a un soundtrack de música incidental, ni de temas para los personajes, sino a los songtracks que construye. Generalmente usa música desconocida o quizás olvidada, pero super, super buena. En esta oportunidad hay una canción en particular que no sé cómo se llama, ni quién la canta, pero que no ha parado de darme vueltas en el cráneo desde que la escuché. Sigo buscando en internet cómo se llama para poderla bajar

Algo que sí tiene de particular esta película es que está conectada a un corto, Hotel Chevalier, que muy posiblemente NO vean en el cine junto con la cinta, porque según entiendo no estará pegada a todas las copias, lo que resulta ser una verdadera lástima. El corto está protagonizado por Schwartzman y por Natalie Portman (yum!) y aunque es breve y sus hechos ocurren dentro de una habitación de hotel, tiene mucho sentido cuando uno ve la película posteriormente, si bien solo por un par de referencias que se hacen, pero que ayudan a conocer mejor a uno de los personajes

En conclusión, y como referencia, The Darjeeling limited me gustó un montón, y dentro del panteón de Anderson la coloco a la altura de Rushmore y Bottle rocket, un peldaño por debajo de The Royal Tenenbaums, pero uno por arriba de The life aquatic with Steve Zissou

miércoles, 14 de noviembre de 2007

Tarantino en Chacao

No, Quentin Tarantino no viene a Caracas a lanzarse una de Sean Penn y Kevin Spacey, no. Pero el Centro Cultural Chacao estará siendo el escenario de una charla acerca del trabajo del cineasta estadounidense.

Especialmente de todo el tema de la violencia. La cuestión es gratis así que si no tienen nada que hacer el viernes a las 6 pm. pues allá nos vemos, especialmente porque este tipo de tertulias cinéfilas siempre son un imán de un grupo de freaks y geeks en los que me siento bastante cómodo.

A continuación les dejo la nota de prensa de la actividad

Bajo el título "Cómo ver el cine de Tarantino y no morir en el intento: una introducción al cine de Quentin Tarantino", Arturo Serrano ubicará al espectador en el contexto ético y estético en el que la obra de este director se inscribe, así como también, lo aproximará al "Mundo Tarantiniano" a través de diversos fragmentos de algunas de sus películas.

Director, productor, guionista y actor, Quentin Tarantino comienza a darse a conocer en el mundo del cine a comienzos de los años 90, y su filmografía se inscribe en una ola que recibe el nombre de “ultraviolencia”.

Es considerado como un gran innovador al traducir al cine lenguajes que le son ajenos como el comic y la cultura pop en general, y le imprime a sus películas características singulares, como son una sugestiva estructura temporal y un destacado dominio del espacio cinematográfico. Entre sus filmes más conocidos se incluyen “Pulp Fiction”, “Reservoir Dogs”, “Jackie Brown”, “Kill Bill” y “Death Proof”.

El trabajo de este autor será analizado profundamente por Arturo Serrano, quien se desempeña como profesor de “Historia y Teorías del Cine” en la Escuela de Comunicación Social de la Universidad Católica Andrés Bello, donde además dicta el seminario “El cine de Martin Scorsese”, y es profesor de Estética del Postgrado de Filosofía. Licenciado en Filosofía y Doctor en Humanidades y Estudios Culturales de la Universidad de Londres, Serrano ha dictado conferencias y talleres en Venezuela, Israel, Colombia, Estados Unidos e Inglaterra.

El público tendrá la oportunidad de participar en esta actividad el viernes 16 de noviembre a las 7:00 p.m., en el Centro Cultural Chacao, ubicado en la Avenida Tamanaco de El Rosal. La entrada es libre

martes, 13 de noviembre de 2007

El 2x1 de Héctor Palma

Coño que divertido es pagar una entrada y ver dos películas, por le general siempre he pensado que el cine en nuestro país sigue siendo un espectáculo barato, independientemente de la película que veamos, pagar la suma que aun se paga me parece una regalía. Pero de ahí a pagar por el mismo precio dos películas es una vaina bien interesante. Sin importar que sean películas pequeñas, mediometrajes, o como ud. le quiera llamar. Ya por eso "Ni tan largos ni tan cortos" es una novedad.

Ahora por partes.

Larga Distancia que es el apartado de suspenso del doble combo de Palma tiene un potencial, pero siento que el elemento del suspenso está forzado desde el principio, entonces de alguna forma la tensión que existe es gratuita y no se va construyendo, es por eso que creo cuando llegamos al final ¿sorpresivo?, realmente no sorprende.

Es decir, tal parece que el corto tiempo jugó en contra del desarrollo de la historia como tal.

Sin embargo elementos como la actuación de Héctor Manrique, quien es el que tiene el mayor tiempo en pantalla, es muy buena. No sé si será (esto es una especulación mía) que por su trabajo en teatro, Manrique parece a veces algo sobreactuado. Pero sólo pocas veces, de pana que Manrique es un actor muy infravalorado, ya quisiera yo ver más a tipos como estos y menos los viciados de la televisión que pueblan últimamente las películas venezolanas

De igual forma Larga Distancia es una grata sorpresa, especialmente en el apartado técnico, sin embargo también siento que una exageración en el uso de una edición tipo videoclip (cortesía presumo de Anónimo Studio) la hace parecer como muy genérica y distrae más que enriquecer el relato.

Termina la llamada e inmediatamente se nos presenta Mayor o Menor, y la cuestión pinta incluso mucho mejor que Larga Distancia, quizás la comedia es el fuerte de Palma, esa comedia que se basa en lo cotidiano y en lo coloquial del venezolano, de hecho siento que si la película se muestra fuera del país, quizás mucho del humor se pierda en la traducción.

Además que el asunto del azar está manejado perfectamente y no parece de ninguna forma forzado, tanto que el mismo desenlace me parece genial.

Igual que Larga Distancia, o quizás un poco menos, la edición, la fotografía, la música están de primera línea y a pesar de que como muchas películas (por no decir todas las que he visto últimamente) todo el cast era telenovelero, pues como que no molestó independientemente que los secundarios (Leroux, Valero, Raba, Blanco) hicieran de ellos mismos en otras novelas, series, etc.

No sé por qué a Marisa Román le dieron un premio por actuación en el último festival de cine venezolano, simplemente era una de las morochas que hizo en Cosita Rica, sólo que decía groserías y se le veía más el culo. Héctor Palma se ve más natural y convence. Quién sabe si es porque también estaba haciendo de si mismo o si de verdad actuaba. Mi duda surge después de haberlo visto hacer un Bolívar demasiado plano y extraño en Miranda Regresa.

Una pasada esto de las películas dobles, una felicitación a Palma (escritor, director y productor) por entretenerme y lo mejor es que la película se hizo aquí, un dinero bien invertido y una demostración de que cuando se le presta más atención al guión las películas dejan un sabor en la boca bien distinto.

"¡Pajúo te dije ya!"

Big Ass Star Wars Poster

Me topé con esto en uno de mis viajes por internet y me pareció altamente cool...

Si hay fanáticos de Star Wars por allí, seguro les gustará:

lunes, 12 de noviembre de 2007

Corresponsalía de Sergio Marcano. Festival de Cine Venezolano 2007.

Sergio Marcano, nuestro eterno lector, comentarista y ahora corresponsal ad honorem, in fraganti y cum laude, nos ha enviado sus impresiones acerca del Festival de Cine Venezolano de Mérida 2007, al cual tuvo el placer de asistir no sólo como espectador, sino como participante.
Aquí reproduzco las impresiones de Sergio para todos aquellos que no pudimos asistir.


III FESTIVAL DE CINE VENEZOLANO.

Los criterios de selección del cine nacional para mí siempre serán un gran misterio.La verdad es que como muchas personas, yo termino justificando la existencia de bodrios cinematográficos, de abortos audiovisuales, como la consecuencia directa de la corrupción y el nepotismo de los encargados de conformar las comisiones de estudio de proyectos y el comité ejecutivo del CNAC, más que a la remota posibilidad de que muchas de las películas financiadas año tras año realmente calen en el gusto de sus electores y padres crediticios.En el marco del III Festival de cine venezolano de Mérida, la verdad es tampoco me acerque a la comprensión de los criterios de selección que se emplean en los concursos venezolanos, y lo digo básicamente por 4 cosas que me llenaron de indignación, y que, rompiendo el estilo de su más bien apacible blog, me voy a permitir a comentar,

1.- PREMIO DEL PÚBLICO.
La mañana de la premiación, se decía en el comedor donde hacíamos el desayuno día tras día en el hotel, que Pecho caníbal solo había alcanzado unos pocos votos de popularidad, algo que a los que estábamos en la mesa nos costaba creer, porque desde el primer día William Sarquiz y su película fueron las vedettes de toda la población estudiantil que acudió masivamente a las funciones del festival.

Como ejemplo puedo contarles que en la función en la que vi la película parecía mas bien la proyección de The rocky horror picture show, por la interactividad que la película despertaba con los espectadores, que se reían y gritaban a pantalla todo lo que pensaban de lo que veían. Pero bueno, a pesar de que me resulta profundamente extraño, digamos que todos los que querían votar por la película no lo hicieron y que simplemente estoy equivocado.

2.- ACTOR SECUNDARIO.
Sin desmerecer el esfuerzo actoral hecho por el Sr. Roque Valero en Al borde de la línea y a quien recuerdo gratamente por su excelente actuación en Punto y raya. No puedo dejar de notar la injusticia que subyace en el hecho de no haber otorgado el premio al veterano Luigi Sciamanna por su impecable trabajo realizado en Miranda Regresa. A mis ojos bastante superior en lo que a calidad interpretativa respecta.

3.- ACTOR PRINCIPAL.
El error mas garrafal de este festival y el error que a mi parecer evidencia mas claramente lo alejado de la realidad que están los criterios de selección de este país, para con la verdadera vanguardia audiovisual nacional, es el hecho de que se otorgara la estatuilla de mejor actor a ----------- de La edad de la peseta, una película mas bien cubana, y con una actuación bastante menor si la comparamos con la compleja, carismática y por sobretodo convincente, actuación hecha por el actor Jorge Reyes en el rol de nuestro prócer Francisco de Miranda, en la cinta Miranda regresa. Un hecho a mi parecer realmente imperdonable e injustificable bajo cualquier perspectiva analizable.

Esperemos que los resultados de estos dos últimos rubros no estén ligados con una retaliación política hacia el film Miranda regresa, película producida por La villa del cine. Un prolífico sistema de producción audiovisual, completamente novedoso y por qué no, hasta necesario, para el desarrollo de nuestra cinematografía.

4.- MEJOR GUION
A mi manera de pensarlo es incomprensible que el premio de Mejor Guión fuera a las manos de Arturo Infante el joven guionista de la correcta La edad de la peseta y no a las manos de Mariana Rondón por la atrevida, sensible, innovadora y autobiografica Postales de Leningrado. Pero bueno, supongo que la discrepancia es la esencia de la subjetividad.

Llegado este punto les recuerdo que con mis comentarios no pretendo alzarme con la razón, y que son solo reflexiones -como asiduo espectador del cine nacional- como ser pensante y sensible, acerca de lo que pensé y sentí a medida que se anunciaban las premiaciones.

En todo caso, cambiando la tónica de critica dura, a mi parecer ABSOLUTAMENTE NECESARIA para mejorar nuestro medio cinematográfico, si hago un balance del III Festival de cine venezolano, lo mas positivo no fue -como lo pensé en un primer momento- confrontar las edades de oro 70 y 80 con los pocos espectadores que asistieron a mirarla, 12 exactamente, -un panorama desalentador que se repitió a lo largo de toda la muestra documental in doors-, ni descubrir que la vanguardia audiovisual nacional en este momento, sin duda alguna, esta en el documental, sino fue algo más sencillo y que no sentía desde mis años de estudio en la escuela de San Antonio de los Baños, Cuba –o San Antonio de los daños como la llama Antonio Llerandí (director de Adiós Miami)- la verdad es que lo mejor, fue despertarme las tres mañanas que dura el festival y desayunar al lado de cineastas y actores, hablando todos los días, muy apasionadamente, de cine venezolano y del cine mundial de todos los tiempos. Uno de esos momentos en los que te devuelven la noción de que esa cosa maravillosa que es el cine, no sólo es tu enfermedad, sino una de las cosas con mayor sentido de vida para un grupo de gente que también vive en este país disperso, volátil, intranquilo, polémico e ideologizante que es hoy en día Venezuela.

También, y ya para terminar este largo comentario, quedará en mi memoria, el sentido homenaje que rindió el festival a través de las emotivas palabras del sencillo, talentoso e indiscutiblemente sensible director Luis Alberto Lamata para con el maestro Funes, uno de los primeros técnicos formados en el país y responsable además de formar y compartir su basto conocimiento en materia audiovisual con no pocas generaciones de trabajadores del cine nacional. Un momento que sin duda toco la fibra sensible a todos los presentes. Y que terminó en una ovación grande y por sobretodo merecida, como reconocimiento a todos los años de esfuerzos de este insigne e incansable trabajador del medio cinematográfico nacional.

La verdad, y a pesar de todo, es que agradezco profundamente la posibilidad de haber asistido al III Festival de cine venezolano. Y les digo, es una lástima que no asistiesen ustedes también.

Sergio Marcano

domingo, 11 de noviembre de 2007

Cronenberg y el camino de Damasco. EASTERN PROMISES.



Atmósfera. Es la primera palabra que me viene a la cabeza después de salir de la sala de cine. Atmósfera. A mi esposa no le gustó tanto la película como yo hubiera querido que le gustase. Tiene sus motivos, y los defiende bien. Yo estoy de acuerdo con ella en ciertos puntos, en otros, mínimos y personales, no. Sin embargo, reconozco que desde antes de ir a ver Eastern Promises, quería que me gustase. Es lo que a veces llaman esperanza, a veces fascinación. Por eso le llevé la contraria en sus observaciones, reafirmando lo que me había gustado y dándole la vuelta a aquello que a ella no, un poco más por mí, que por el filme. Al margen de todo esto, tratando en lo posible de ser objetivos, ambos coincidimos en que Eastern Promises es principalmente atmósfera: fotografía, música y dirección de arte. Así que creo que por ahí van los tiros.

Hablar de Eastern Promises es, de alguna manera, hablar de History of Violence. Sin duda, ambas son diferentes piezas del mismo rompecabezas, pues la continuidad dramática y fílmica se nota a leguas. Cronenberg, ha conservado muchos elementos de la primera en la segunda, de allí que a pesar de que se trata de dos historias diferentes, pareciera que esta última es una especie de continuación, una historia hermana en la misma página de la crónica roja. El tratamiento de la violencia y del cuerpo que se ha violentado, la ambigüedad como característica de la identidad del personaje, la explotación de la fragilidad del organismo, se mantienen, casi idénticos en ambas, dejando a un lado temas que antes parecían ser fetiche para el director. Y es que al parecer Cronenberg ha decidido dar un giro a sus propuestas: la transformación corporal y psicológica, así como la descomposición física del individuo, han dejado de influir considerablemente sus películas, por lo menos estas dos últimas. Scanners, Videodrome, The Fly, eXistenZ, y quizás la mejor de todas, Spider, están bastante alejadas de Eastern Promises y History of Violence. Para decirlo sin rodeos: Eastern Promises es un resultado más cercano a History of Violence, que al resto de las nombradas, y ambas, juntas, parecen definir una nueva ruta en la carrera de Cronenberg.

La historia es simple y efectiva, y el guión, a pesar de ciertas debilidades en la psicología de algunos de los personajes y de cierta falta de consistencia casi al final, es bastante decente. Como seguro ya habrán leído, la cinta narra la historia de Anna (Naomi Watts), una enfermera que consigue un diario en ruso, escrito por Tatiana, una niña de catorce años que ha muerto durante el parto. Una tarjeta dentro del diario lleva a Anna al restaurante Trans-Siberian, el cual sirve como fachada a una familia de la mafia rusa londinense. Allí se relaciona con Semyon (Armin Mueller-Stahl), dueño del restaurante y uno de los jefes mafiosos, con Kirill (Vincent Cassel), hijo de Semyon, y con Nikolai Luzhin (Viggo Mortensen), quien no sólo sirve de chofer para la familia, sino como brazo ejecutor de los trabajos sucios.

Como dije, el ambiente y la dirección de la película son el gancho. La música es un personaje importante dentro del filme, y, la fotografía, siempre buscando la oscuridad, refugiándose en lo que no se ve, en lo denso, recrea la psicología de la historia a la perfección. Las actuaciones son relativamente buenas (pienso que las fallas en este sentido vienen de la manera en que se han estructurado los personajes y no de la habilidad de los actores), y para aquellos que nunca hemos escuchado hablar a un inmigrante ruso en un ghetto londinense, resultan bastantes creíbles, más aún si consideramos de dónde vienen los intérpretes: Viggo Mortensen, un danés-americano que vivió mucho tiempo en Argentina, Armin Mueller-Stahl, alemán, Vincent Cassel, francés, y Naomi Watts, australiana. A mi entender Mortensen se roba con descaro el show, quizás para algunos un punto en contra por su demasía; se nota que Mortensen quiere y sabe que se lo está robando. Particularmente esto no me disgustó, todo lo contrario me parece una fortaleza frente a la debilidad dramática de otros personajes e intuyo que se trata de una decisión voluntaria de Cronenberg al momento de dirigir. Pero esto es pura opinión visceral.

Confieso igualmente que en algunos momentos la película me hizo pensar en The Godfather. Puede que este equivocado, pero hay elementos, además del de la mafia y sus actividades, incluso imágenes, como la última del filme, que parecen coincidir. Trans-Siberian, el restaurante en Eastern Promises, sirve no sólo como fachada, sino como reducto cultural de una Europa del Este que se ha dejado atrás, lo cual parece correr paralelo al concepto matriarcal y católico de la famiglia y el plato de espaguetis della mamma en las historias de mafiosos italianos. Incluso en la cinta hay una escena donde se celebra el cumpleaños de una anciana rusa, la cual refleja ese paralelismo cultural que viven los inmigrantes dentro de otros países, del cual se hace hincapié en películas como The Godfather y Goodfellas, por nombrar dos de mis preferidas. De las escenas de violencia no hablemos, para no arruinar la sorpresa. Son excelentes y hay una en particular, desarrollada en el pico argumental de la película, que de seguro pasará a la historia.

La película vale la pena verla, más si nos gustó History of Violence. Pero hago la salvedad: Eastern Promises no está tan bien estructurada a nivel de drama y guión. Tiene fallas en la estructura psicológica de algunos personajes, lo cual incide directamente en la actuación. Y el guión a momentos raya temerariamente con el desastre. Sin embargo, siento especial favoritismo por esta frente History of Violence. Como dije ya tantas veces, es la atmósfera lo que me llena. Es la fotografía, la banda sonora, la dirección de arte, los créditos, y el arte de trabajar la violencia en un estado puro, lo que al final logra imponerse y sobrevivir a un peligroso aire de melodrama.

Para echarle un ojo al sitio oficial de la película presiona aquí.

viernes, 9 de noviembre de 2007

Resultados del Festival de Cine Venezolano 2007

La agencia Bolivariana de Noticias ha publicado el día de hoy un artículo dando a conocer los resultados del Festival de Cine Venezolano Mérida 2007. En el festival compitieron 9 largometrajes de ficción y 19 documentales. Postales de Leningrado de Mariana Rondón, se llevó el premio a la mejor película. Al borde de la línea de Carlos Villegas se llevó el premio a la mejor ópera prima, La edad de la peseta fue premiada con el premio al mejor guión, mientras que a Miranda Regresa se le otorgó el premio por la mejor dirección de arte. Para acceder al artículo completo haga click aquí.

Si deseas ver que dijimos sobre algunas de las ganadoras acceda a los siguientes artículos:

Artículo de Rorro sobre Postales de Leningrado, aquí.
Artículo de Rorro sobre Miranda regresa, aquí. Artículo de JJ, aquí.

Hoy se estrena Ni tan largos... ni tan cortos

Hoy es el estreno de la película Venezolana Ni tan largos... ni tan cortos del realizador Héctor Palma. La cinta se exhibirá en cines de Caracas, Maracaibo, Valencia y Maracay durante las próximas dos semanas y luego se irá moviendo a lo largo del país según vayan saliendo las copias

Es una película bien particular y merece ser vista. Se las recomiendo...

Les dejo el link a la pequeña entrevista que le hice a Palma --->AQUI

jueves, 8 de noviembre de 2007

William Sarquiz: ¿cineasta impactante?

Normalmente (y con verguenza también tengo que aceptar) no le presto mucha atención al festival de cine venezolano que se realiza anualmente en el estado Mérida. Pero este año lo que lamento es no haber podido arreglarlo todo para asistir.

El cambio de mi actitud hacia el festival responde a 2 razones fundamentales: la primera es que siento que el cine nacional parece estar despertando de un letargo, nótese que digo "parece" y "despertando", esperaré un poco más para ver si no era una apariencia y si realmente despertó. La segunda viene a ser la presencia de una película que antes de siquiera estrenarse habría levantado suspicacias y espectativas variopintas, especialmente en el cyberespacio cinéfilo venezolano, para muestra un botón.

La película en cuestión es la ópera prima de William Sarquiz, un coplero transformado en cineasta que confeccionó lo que puede ser (de acuerdo a mi muy ingenua opinión) una inflexión ese "aparente despertar" del cine venezolano actual. ¿Y por qué una inflexión? pues...es una película independiente, filmada en venezuela, con talento venezolano, cuya promoción ha sido totalmente usando medios de comunicación no convencional como el internet (de esto ya no estoy muy seguro, lo anticonvencional quiero decir), se trata además de una película de género, por lo que se deduce del trailer por lo menos, ¿que género?, aventura-acción-explotaition-mondo un verdadero trago de agua fresca en lo monotemático que puede ser a veces nuestro celuloide, y por muchas otras razones más que espero descubrir cuando la vea.

Pecho Canibal una película impactante, como asegura su trailer, se estrenó con bombos y platillos en esta edición del Festival Venezolano de Cine. NO estuve allí y no la ví; afortunadamente una amiga si y pudo ver la película y hablar con su creador. Aquí les dejo una roma disección de la mente de William Sarquiz alias Pecho Rajao

Pecho cannibal: una película impactante

Sofia Athanassoupulos, enviada especial de la Agencia Bolivariana de Noticias (ABN)


Mérida, 08 Nov. ABN.-Pecho Cannibal, de William Sarquíz, ha suscitado gran cantidad de comentarios en las páginas y foros de internet. Su trailer en youtube ha levantado gran polémica por ser “la película venezolana más impactante”, según afirma la voz del locutor.

Producida por la empresa cinematográfica Pecho Rajao Pictures como un largometraje en formato video de drama y acción, Pecho Cannibal fue una de las nueve películas que participó en el III Festival de Cine Venezolano Mérida 2007.

Muchos la consideran una producción de serie B, conocidas por sus pocos recursos financieros y cinematográficos; otros simplemente una broma.

Lo cierto es que Pecho Cannibal (escrita, dirigida, producida y protagonizada por Sarquíz), con una hora y 43 minutos de duración, no dejó a nadie indiferente durante la realización del Festival en la ciudad de Mérida.

La película cuenta en idioma 'indio-espanglish' y subtítulos en español, la historia de Mr. Billy Kizz, un cazador de plumas y pieles, conocedor de 56 idiomas y todas las lenguas aborígenes del mundo, que decide pasar sus vacaciones en Puerto Ayacucho, específicamente en un lugar conocido como El triángulo de las víboras.

Kizz llega al lugar junto a sus dos hijos menores, dos sobrinos, su hermana y su perra.

'Allí ocurre lo inesperado, un lobo cara negra con los ojos amarillos y larga cabellera, descendiente de una tribu de caníbales pigmeos africanos reductores de cabezas, que habitan a orillas del río Caroní desde inicios de la colonización, al verlos llegar comienza a perseguirlos con la intención de devorarlos uno a uno', cuenta Sarquíz sobre el argumento de la película.

El protagonista, al darse cuenta de la repentina desaparición de sus acompañantes, decide buscarlos sin lograr conseguirlos, perdiéndose en la selva. Allí ocurren muchas situaciones que convierten a Mr. Billy Kizz en un temible caníbal.

Al preguntarle a Sarquíz cómo llegó su propuesta al Festival de Cine Venezolano Mérida 2007, explicó que, simplemente, la organización cinematográfica que él dirige tenía la intención de mostrar la producción.

'La gente del Festival dijo que existían las condiciones para participar con esta película, hecha entre los años 2006 y 2007. Consideramos que el darnos la oportunidad de participar en esta tercera edición del Festival es una gran sorpresa y motivo de gran orgullo', señaló Willian Sarquíz.

El realizador agregó que 'si la producción es del gusto del público, el jurado, la organización, y pudieran darle el primer lugar, estaremos ante la posibilidad de que Pecho Cannibal represente a Venezuela en todos los festivales a nivel internacional'.

Sarquíz viene del mundo de la música llanera y otros géneros, tiene en su haber los discos Pecho Rajao y Pecho Desguasao, y ha recibido por ellos 17 premios entre Venezuela y Colombia.

Para él hacer esta película, escribir el guión y llevarlo a la pantalla es una bonita experiencia, porque se muestra también la belleza de Venezuela.

'Espero que plasmar estas imágenes sirva de incentivo a los estudiantes de Venezuela y cualquier parte del mundo, de que sí se pueden hacer las cosas, de que no solamente dependemos de grandes sumas de dinero, grandes capitales, si no que dependemos de la voluntad y el deseo de hacer las cosas y mostrarlas bajo cualquier circunstancia'.

En cuanto a la controversia suscitada en internet por su película '¡impactante!', Sarquíz dice que su producto, por las características que tiene, como el idioma 'indio espanglish' es algo innovador dentro del mercado cinematográfico.

'Las cosas innovadoras, que no se parecen a nadie, llaman más la atención. Eso es lo que ha pasado con Pecho Cannibal', afirma el realizador.

La película además ha sido subtitulada en 18 idiomas.

'Nosotros en el mundo latino, casi en el 95% no apreciamos lo que producimos en nuestros propios países. Llegan películas del extranjero y la gente va al cine así no sirvan, por la pura impresión de que vienen de afuera. Entonces yo con este idioma (indio-espanglish) soy extranjero en mi propio país', enfatizó Sarquíz.

Sobre si Pecho Cannibal reúne o no las condiciones para ser una película interesante o buena, para él es cuestión de que la gente lo valore y tenga su mejor concepto.

'Eso se lo dejo a ellos, uno no puede con la opinión de la gente, de repente están equivocados y al final terminen dándole un aplauso al productor o al director después de verla. Cualquier opinión que tengan sobre mi producción, se las voy a agradecer, pero véanla primero' dijo Sarquíz.

Balagueró se quebró

Una de las pocas películas de terror que me ha parecido realmente un logro en los últimos años es Los Sin Nombre (1999) del español Jaumé Balagueró, especialmente en lo que se refiere a crear atmósferas. Desde el primer minuto de la película sabes que algo está mal, que eso se va a empeorar y que gratificantemente va a terminar mucho peor.

La película te deja un mal sabor de boca, un mal rollo que disfrutas inmensamente porque precisamente el largometraje logra meterte el miedo y el horror en la cabeza. En pocas palabras te cagas, algo que en lo personal no sentía desde que vi La Profecía (1976) o el Exorcista (1973).

Con Darkness (2002) la construcción de las atmósferas se repitió pero quizás con menos fuerza que en la anterior, cuestiones de guión pienso yo, pero igualmente interesante.

Para su última película Balagueró prometía algo sencillo y efectivo, una historia de fantasmas ubicada en un hospital de niños. Frágiles (2005) que protagoniza Calista “Ally McBeal” Flockhart como una enfermera que se dirige a una isla escapando de una tragedia personal, ya comienza con un ritmo pausado y desde ya la ubicación de la historia en un lugar apartado le confiere un un elemento de aislamiento que se vuelve interesante en la primera mitad de la historia.

Igualmente está el hecho de la presencia de los niños personajes y de su punto de vista que la ubica junto a otras películas similares como Poltergeist (1982) o más recientemente El Sexto Sentido (1999) y El Espinazo del Diablo (2001).

Sin embargo Frágiles se queda en el efectismo, pero no el típico susto fácil que se logra ahora con una manipulación del sonido y los efectos especiales, la película de Balagueró tiene momentos crudos, especialmente donde están involucrados los niños, pero su punto de vista no existe o no está bien definido como si pasaba por ejemplo en el Espinazo del Diablo. Es por eso que los personajes que son caracterizados por niños están desaprovechados.

Y como toda historia de fantasmas, es decir una historia de horror supernatural, se necesita una fuerza básica que afecte nuestros miedos más primitivos. El fantasma, aunque estéticamente está bien interesante, la justificación de su existencia no está bien argumentada y es muy simplona, es un fantasma que no da miedo, así de sencillo.

Es por eso que difícilmente la atmósfera que deficientemente se construye en la primera mitad se desvanece y cuando termina la película queda una sensación de mal rollo, como dicen, pero no por haberla pasado de terror sino porque uno piensa que algo ha faltado y que le han estafado. Porque después de todo lo que a duras penas prometió fue muy poco lo que entregó.

Probablemente Balagueró tiene una capacidad de autocrítica y de oyente excelente: su siguiente película se va por los derroteros del horror puro y duro. No apto para cardíacos.

miércoles, 7 de noviembre de 2007

NO COUNTRY FOR OLD MEN. Vuelven los hermanos Coen.

La semana pasada tuve la suerte de asistir al pre-estreno de No country for old men, la última película de los hermanos Coen, próxima a estrenarse este viernes 9 de Noviembre. La película, nominada a la Palma de Oro del Festival de Cine de Cannes, está basada en la novela de Cormac Mccarthy, ganador en su oportunidad del premio Pulitzer.

El filme cuenta con un elenco de estupendos autores a los que se les da espacio y material para brillar: Tommy Lee Jones, Javier Bardem, Josh Brolin, Woody Harrelson y Kelly Macdonald, entre los más conocidos. Destacan en sus papeles Josh Brolin y Javier Bardem, quienes en mi opinión son el epicentro de la historia. La actuación de Bardem en particular destaca como la mejor, aunque hay que decir que el asesino frio y cruel que le toca interpretar es ya de por si un personaje bastante interesante.

Ambientada en un pequeño pueblo de Texas, No country for old men trata sobre un hombre que consigue en el desierto varios hombres muertos, un cargamento de heroína y un maletín repleto de dinero. Los ingredientes de la trama parecen un lugar común. Sin embargo los hermanos Coen imprimen su marca, quizás revisitando el estilo de sus primeras obras, Blood Simple y Fargo, para mí las más importantes de los hermanos. La estructura se divide en cuatro caminos, cuatro pedazos intercalados e interdependientes: un hombre que huye con una maleta llena de dinero, un asesino que le persigue, un sheriff que trata de resolver el caso y un caza recompensas en medio de todos ellos.

Técnicamente la película sobresale. La fotografía está muy bien cuidada y los espacios abiertos del desierto texano son personajes por sí mismos. Las escenas de persecución están muy bien logradas y no hay desperdicio en los diálogos. La música también cumple su cometido, dando peso a una imagen que fluctúa entre la violencia y la cotidianeidad. Una de las escenas iniciales es fabulosa. Bardem ha sido arrestado y decide escapar. Bastante violenta. Esta escena marca el ritmo de toda la película: sencillo pero feroz, como los habitantes de estos pueblos olvidados en el desierto.

Sin duda esta película incorpora más acción que otras obras de los Coen. Sin embargo, se continúa en la misma onda: se escudriña a los personajes y sus decisiones y no se buscan grandes finales, ni moralejas. A mi entender Blood Simple es mejor filme, pero eso no significa que este deje de serlo. Totalmente recomendable.

Aquí les dejo con el tráiler de la película.



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viernes, 2 de noviembre de 2007

Embarrado en petróleo

He aquí el nuevo trailer de "There Will Be Blood"; la última película de Paul Thomas Anderson, la mentecilla brillante tras Magnolia y Boogie Nights.

El largometraje está basado en la novela de Upton Sinclair "Oil!", y narra la obra y vida de un magnate del petróleo en los primeros años de su negocio, todo esto durante el cambio de siglo.

¿Son ideas mías o Daniel Day Lewis es una pala de actor?



BUG. La paranoia puede ser dolorosa.

Hace unos días tuve la oportunidad de alquilar Bug, una bizarra historia de paranoia, soledad y demencia dirigida por William Friedkin (The French Connection, The Exorcist, Rules of Engagement). La cinta, interpretada por Ashley Judd , Michael Shannon, Harry Connick Jr., Lynn Collins, y Brian F. O'Byrne, obtuvo el premio Fipresci del Festival de Cannes en el 2006. Altamente recomendable, Bug es en mi opinión uno de los mejores trabajos de Friedkin después de El Exorcista.

A nivel argumental, Bug es una de las cintas más interesantes y extrañas que he visto últimamente. Basada en una obra de teatro escrita y adaptada al cine por Tracy Letts, el filme nos habla de la relación sentimental entre una mujer acosada por un pasado doloroso y un joven bastante desequilibrado, quienes conectan en una suerte de intimidad paranoica mucho más cercana a la enfermedad que al amor. Agnes White (Ashley Judd), una mesonera en un bar de lesbianas, conoce por intermedio de una amiga a Peter Evans (Michael Shannon), un joven veterano de guerra, callado y solitario. Peter es bastante extraño, uno de esos seres que parecen perseguidos por la alucinación. Agnes es una mujer agobiada por la soledad, acosada por un marido violento que acaba de salir de la cárcel. Ambos conectan de manera simbiótica. Y ambos empiezan a ver insectos. Pequeños bichos que se van apoderando de ellos, de sus cuerpos, de sus decisiones, de sus vidas. Insectos que poco a poco lo van infestando todo. Aunque ellos sean los únicos que los vean. Como dice el propio Shannon en una entrevista que se le hizo mientras se rodaba la película: “ (…) se trata de una historia de amor entre dos sujetos intensamente dañados (…)”.

Casi todo el filme se desarrolla en la habitación del motel donde vive Agnes. Las costuras del guión de teatro son obvias: lo importante aquí es lo que se dice y la forma en que se dice, no la locación. Esa es la razón por la que el escenario se ve suplantado por un gran cuidado en los diálogos, que a mi parecer son estupendos. De manera intermitente, como si se tratara de líneas divisorias entre actos, vemos unas cuantas escenas aéreas desde un helicóptero. Estas parecen venir antes del recrudecimiento dramático. Sin embargo, la esencia de todo ocurre en la habitación, y el helicóptero es solo un medio de desahogo, un vehículo para darnos aire en medio de tanta claustrofobia.

Las actuaciones son bastantes decentes, destacándose Michael Shannon, quien entra en papel formidablemente. Técnicamente el filme no es del otro mundo, pero no lo necesita. La verdad que el aire de bajo presupuesto (aparentemente fue ínfimo), no afecta la calidad del resultado, lo cual creo que resulta un logro para Friedkin.


La película narra la escalada paranoica de dos sujetos infestados por insectos. Sin embargo, creo que la cinta tiene otras lecturas. Los bichos pueden ser intercambiados por cualquiera de los miedos modernos que obsesionan a muchos hoy día: gérmenes, terrorismo, enfermedades, extranjeros, contrarios políticos. Porque al final del día, Bug es sobre paranoia, y paranoia no es más que odio. O por lo menos la proyección de todo ese dolor que llevamos dentro. Aquí, ambos, escritor y director, han sabido decirlo. Bien por ellos.

American Film Market 2007

Este es el tercer día del American Film Market del 2007. Más que contarles sobre encuentros con celebridades o la vida nocturna de Los Angeles, prefiero contarles un poco de qué se trata esto del AFM. También porque no he tenido ninguna de las otras dos cosas, así que no hay nada que contar...

El AFM es, como su nombre lo dice, un mercado de películas. Este mercado tiene dos particularidades que lo separan de los otros; la primera es que a diferencia de la mayoría de los otros mercados, no está "escudado" por un festival. No hay premiaciones, ni alfombras rojas, ni nada de eso. Es todo business. De hecho, es All business, all the time. La otra particularidad que tiene es que el 95% del mercado ocurre en un mismo sitio (en este caso, el Hotel Loews). Fuera de este edificio solo hay unas pocas oficinas de casas productoras que se niegan a pagar lo que los organizadores exigen (cosa perfectamente entendible, pero que resulta poco práctica) y los screenings o exhibiciones de películas (luego les comento algo sobre esto tambien)

Previo al mercado, los compradores (grupo al que yo pertenezco) comienzan a ser bombardeados por informaciones, guiones, peticiones de reuniones y hasta ofertas de productos, todo con la finalidad de llamar la atención hacia lo que los vendedores (el otro grupo que forma parte de esta danza) tienen en sus catálogos. Las dos semanas previas al festival se pasan en medio de correos que van y vienen acordando fechas para reuniones de trabajo. Para que tengan una idea de la cantidad de reuniones que se pueden tener, yo cuadré en esta ocasión unas 33 citas para ser realizadas en unos 5 días -- saquen la cuenta

No todas estas reuniones duran tanto como una hora, pero igualmente son bien intensas y la cantidad de información que se intercambia es elevadísima (de hecho, una de las actividades más cansonas de los festivales es la de pasar en limpio todas las notas tomadas durante esas reuniones, algo que yo debería estar haciendo en lugar de escribir esto, por cierto)

¿De qué se habla en esas reuniones? Lo principal es la negociación por los productos ofrecidos. Los vendedores presentan lo que tienen, explicando (lógicamente) sus beneficios y ventajas, mientras que los compradores buscan encontrar puntos débiles para hacer que los precios bajen a niveles más efectivos. Generalmente se arranca con un asking price o precio inicial, y luego de algunas conversaciones se puede llegar a un taking price o precio definitivo (el acordado entre las dos partes). Esta negociación no siempre se cierra en el mismo mercado. De hecho, se puede pasar más de un año desde que un comprador conoce por primera vez sobre un producto hasta el momento en el que llega a un acuerdo para adquirirlo

Además del precio se negocian condiciones, particularmente las de los pagos. Las películas compradas se pagan en dos partes, un pago inicial al momento de firmar los contratos, y un pago final al momento en el que la película está "disponible" (se entiende por disponible una película que ya cuenta con los materiales necesarios para ser estrenada, es decir, la película como tal, los trailers, los afiches, y dependiendo del idioma de origen, los subtítulos o el doblaje)

Otra actividad que se lleva a cabo en estas reuniones es la renegociación de precios y contratos anteriores. En muchas ocasiones se adquieren películas que aún están en estado de pre-pre-pre-pre-pre-producción, incluso apenas con un primer borrador de un guión. En consecuencia, las condiciones y características de la película pueden haber cambiado en los meses desde la firma (por ejemplo, cambio de director, selección del elenco, nuevas versiones del guión, cambios de títulos, se decide lanzar directamente a video, et cetera) y por estas razones deben ser revisados

Por último, en estas reuniones también se hace algo de proselitismo (mas no político). Saludar a la gente es gran parte del negocio, dado que si se mantiene el contacto hay mayores probabilidades de que se acuerden de uno al momento de preferir a un comprador por encima de otro (evitando así el out of sight, out of mind)

Les comenté un poco sobre los screenings. La forma más efectiva de vender la película es mostrándola, y para ello se llevan a cabo cientos de screenings durante el mercado (hay unas 20-25 exhibiciones por cada bloque de dos horas). Obviamente, si la película no es, ehm, buena, pues la exhibición puede tener el efecto contrario -- en consecuencia, es super común ver a gente saliéndose de la sala de cine mucho antes de que termine la proyección del film

Al final del día, un mercado como el American Film Market representa para los vendedores cerca de un mes de trabajo antes del mercado, más una o dos semanas que dure el mismo, y quizás una o dos semanas más de seguimiento posterior, mientras que para los compradores puede representar algo así como una o dos semanas de "levantamiento de información" previo (averiguar qué productos hay y quién los tiene, y de ser posible, cuánto están pidiendo por él), una o dos semanas de duración del mercado, y una o dos más respondiendo al seguimiento que hacen los vendedores

Es un trabajo realmente extenuante, pero a la vez puede resultar en el sueño de un cinéfilo: ver y hablar de películas por más de 15 horas al día por varios días seguidos. Adicionalmente, suelen haber ciertas "ñapas" que hacen que el esfuerzo "se aguante": recibir todo tipo de recuerditos, souvenirs, materiales POP, screeners (DVDs con películas) o cualquier otro regalo de parte de los vendedores

De momento nos quedan tres días más para concluir este mercado, así que cuando regrese les contaré cómo me terminó de ir, y sobretodo les contaré sobre las películas que tuve la ¿suerte? de ver (entre las que se incluyen The mist de Frank Darabont, Death defying acts con Catherine Zeta Jones, My sassy girl el re-make gringo de la taquillera película Coreana, el thriller Español El rey de la montaña y otras...

Desde Santa Mónica, California, les reportó...yo