Desde hace rato se me hace difícil ver
películas hechas en Hollywood. La
razón obedece a la de muchos: No
encuentro historias originales,
todas llevan la misma estructura de guión y por tanto aburren al
resultar absolutamente predecibles.
El tedio, como mencioné antes, no es exclusivo de espectadores
corrientes como yo, también involucra a actores y realizadores vinculados a la
poderosa industria estadounidense.
Hace unos meses, a propósito del estreno de “La
Piel que habito” de Almodóvar, el actor Antonio Banderas daba una rueda de
prensa en la cual agradecía trabajar nuevamente con el director español pues se
encontraba hastiado de actuar en los remakes hollywoodienses. El fin de semana pasado, la prestigiosa
revista The Economist, publicó una entrevista al afamado
director Terry Gilliam, que arroja autoritarias intenciones detrás de este
fenómeno –y hay que decirlo- también habla muy mal de los anhelos de los
espectadores. Comparto con ustedes
el testimonio de Gilliam, que si bien no resulta muy alentador, al menos proveerá
consuelo a aquellos cineastas que día tras días luchan contra la frustración de
no poder realizar su película.
Hay hombres que uno admira y punto. Hombres que logran donde otros sólo piensan, sueñan o intentan. En lo personal, en lo que concierne al cine, pienso que uno de ellos es Raúl “El perro” Perrone, un inclasificable del filme, un cineasta y listo, un filmador al que ya ni siquiera, como lo hice alguna vez, me atrevo a llamar exponente del cine independiente, del cine guerrilla, del cine de bajo presupuesto. Ya me lo había dicho él mismo en una ocasión con palabras más o menos como estas: Vicente, son puras etiquetas, no se debe pensar en eso del cine independiente, de bajo presupuesto, sólo se debe pensar en hacer cine. Y tenía razón. Por eso es que a El Perro no puedo encasillarlo, por eso es que en esa libertad suya, en ese hago el cine que me da la gana con lo que tengo, muchos le admiramos y consideramos entre los importantes del cine latinoamericano.
En esta entrada transcribo textualmente el corazón de una conversación que tuve con él hace unos días por Skype. Al final también les dejo SEM, su último corto.
Algunas veces se escucha a cineastas latinoamericanos justificar su aridez creativa bajo la premisa de: “Como el Estado no me da plata, no puedo hacer, promocionar ni vender mi película”. Esta premisa, que deriva en muchas otras del tipo: “Todo es una rosca”, “hay que ser partidario del gobierno de turno para que te den plata” etc; está siendo cada vez más rechazada en nuestros países gracias a los resultados que algunas películas independientes han alcanzado en los festivales y mercados internacionales.
De modo que, en vista de que cada vez más cineastas realmente convencidos y emprendedores están dispuestos a tocar todas las puertas posibles (e imposibles) para alcanzar el sueño de hacer una película y dejar de gastar su energía en la queja estéril; el Cinescopio trae para ustedes algunas de las posibilidades de financiamiento, distribución y exhibición que desde YA se mantienen abiertas.
¡Como cineastas creemos que nuestro trabajo va a influenciar a todo el mundo! Si no, ¿para qué es que queremos contar nuestras historias?
Recientemente, como ya los lectores de este blog están al tanto, yo y mi equipo de trabajo, decidimos hacer un video para contarle al mundo como nos sentimos con respecto al derrame de petróleo BP en el Golfo de México.
Este video inspiró la creación del website WhatAreYouDoingToHelp.info (todavia en construcción) para reconocer y honrar la gente e instituciones que están haciendo algo por ayudar. En las próximas semanas, el website se irá poblando de mini documentales en este tema: ¡La Ayuda!
¡Como comunicadores, cineastas, cuentacuentos, tenemos una responsabilidad con la sociedad! No estoy diciendo que por cada cosa que uno quiera decir hay que hacer un video, pero sí creo que cuando ocurren desastres e injusticias de gran magnitud, nosotros como artistas y productores, debemos pararnos y hacer sentir nuestro punto de vista.
Aquí está con ustedes nuestros resultado final: Oil Splash. Así me siento yo. Si te gusta, y te sientes así, por favor, comparte el video con todo el que conozcas, ponlo en tu website, en tu blog, en tu twitter y en tu facebook. Hazlo de tus favoritos en YouTube! Ayudanos a llegar a todo el mundo!
El cine para muchos es considerado un arte, para otros entretenimiento, y para el cineasta, pues, una forma de vida. ¿Qué hacemos cuando esa forma de vida se convierte en una empresa?
Antes que nada, permítanme presentarme. Este es mi primer post para El Cinescopio. Mi nombre es Javier Perez-Karam, soy venezolano de crianza, y estoy residenciado en Nueva York desde hace ya 8 años. He producido dos largometrajes, uno documental (Metralleta, 2007) y otro ficción (SubHysteria 2010), además de un sin número de cortos, comerciales, corporativos y demás. También dirijo y edito, y desde hace ya 6 años es la imagen en movimiento la que me ha alimentado. Estuve indirectamente involucrado en Bloodbath Test, el primer largo de los Hermanos Forte.
Como casi todos los cineastas que conozco, llegue al oficio por puro amor a la historia, a la forma cinematográfica. Ese romance es lo que me mantiene en este camino. Pero muchos han sido los momentos que he tenido que dejar a un lado el corazón y pensar con la cabeza, y con lo poco que he aprendido de negocios.
¡Hacer una película cuesta un dineral! Las más económicas (bajo presupuesto) pueden costar entre 1 y 5 millones de dólares. Las mucho más económicas (conocidas como las micro-presupuesto) puede salir entre 10 y 200 mil dólares. Estas últimas tienen a ser iniciativas ignoradas o críticadas por las masas, contando con un público mucho más reducido (como sus presupuestos).
He descubierto que para hacer una película, no sólo se debe ser un gran artista sino también un empresario, si no de los mejores por lo menos por encima de la media. Hay que hacer proyecciones de taquillas, hay que conseguir un abogado y un administrador, hay que hacer un Plan de Negocios para convencer a potenciales inversionistas de que su dinero dará optimos resultados y, aún más importante, que generará un retorno.
Ahora veo las películas con otro ojo. Las veo ahora sabiendo que muchos artistas han tenido que sacrificar mucho de su visión para poder hacer sus proyectos una realidad. ¿Eso significa que son menos artistas que los que no han sacrificado nada? Pues yo todavía no conozco a ningún cineasta que no haya sacrificado (he leido de algunos, pero todavia no les conozco). Yo creo que el sacrificio los legitimiza más como autores, que poco a poco tendrá que hacer menos concesiones a la gente con los reales.
Para mi ha sido sumamente difícil lidiar con el aspecto empresarial del cine. Algunos me han aconsejado aplicar a becas o ayudar gubernamentales. Mi investigación me ha hecho pensar que al final es un poco de lo mismo. Hay que escribir una propuesta, que se parece muchísimo a un Plan de Negocios, con la diferencia que a estas instituciones no les interesa la taquilla tanto como les interesara otras cosas, pero al final todos tienen un interés, que normalmente no es el mismo del artista.
Así que sí, yo soy cineasta primero, y me he convertido en empresario. Es probable que postee mucho sobre el negocio del cine, más que el arte. Será un poco para descubrir y compartir preocupaciones y curiosidades. Siento que todos los directores, productores y escritores debemos estar al tanto de como funciona la economía cinematográfica... o podemos buscarnos un trabajo en un estudio o una televisora y dejar que nos den asignaciones. Pero eso sería menos artistico... ¿no?
Javier Perez-Karam es un cineasta residenciado en Nueva York desde el 2002. Recientemente estrenó su primer largometraje subHysteria (realizado bajo la direccion de Leonardo Zelig) y firmo un acuerdo de produccion y distribución con EUE/ScreenGems para la producción y explotación de una series web. Pueden seguirlo en twitter @perezkaram
“LA IDEA ES DAR UN MENSAJE Y HAY QUE CONSEGUIR ENTRETENER PARA QUE ESE MENSAJE LLEGUE”
El nuevo cine popular venezolano está en marcha. Después del fenomenal éxito de Volver al Pasado (2009), película que se convirtió en un inusual fenómeno de ventas en Venezuela, vino su presentación en el Festival de Cine de Mérida. A Yoselyn Ramos, su joven protagonista, tocó representar a sus compañeros de Guatire. Marchó a Mérida sin ningún dinero, sólo con el pasaje de autobús y el hotel que eran cubiertos por los organizadores. Comió poco durante esos días y, de hecho, a su regreso a casa se dio cuenta de que había perdido peso. Esa noche, muchos veteranos del medio quisieron hacerse fotografías con ella. Tuvo que superar la emoción para poder hacer la presentación de uno de los premios. La muchacha, que hasta hace poco se dedicaba a la economía informal, ahora firmaba autógrafos. Ese día cumplía veintidós años.
Detrás de este fenómeno está Yosmar Istúriz (Guatire, 1973) y su Cooperativa Zamorana Iztúris Film. El joven, que trabaja durante la semana como obrero en una gran empresa panificadora es el arquitecto de esta revolución dentro de su localidad. La gente no solo se apresura a comprar sus películas en cuento salen a la calle; también quiere trabajar en ellas. No pide nada a cambio. Cree en la propuesta de Istúriz y su ilusión es hacer cine desde la base, algo con lo que “nunca habrían soñado antes”.
La Cooperativa Zamorana Iztúris Film está conformada por vecinos de Guatire. Rubén Lozano es uno de los actores que, junto a Erik Miranda, ha aportado realismo y profundidad a los populares personajes creados por el director de Volver al Pasado. Es un joven miembro de la Guardia Nacional de Venezuela. Por su manejo de las armas ha representado a un policía corrompido que coquetea con el crimen organizado. Tan creíble ha resultado su actuación, que muchos en Guatire le temen, confundiendo al hombre real con el personaje. Es también el caso de Eduardo Rivera quien a raíz de su interpretación en Volver al Pasado es conocido por propios y extraños como “El Comisario”.
Auristela de Istúriz es la esposa del director Guatireño. Dice que si hace dieciséis años, cuando se casaron, alguien le hubiera dicho que acabaría haciendo cine le habría entrado un ataque de risa. Habría pensado que le estaban tomando el pelo. Sin embargo, desde que Yosmar empezó con los primeros pasos en cine se ha ido involucrando cada vez más. Fue ella quien le animó a invertir toda la liquidación de su anterior trabajo para comprar una cámara y no tener que “andar siempre pidiéndola prestada a otra gente”.
Ahora, Yosmar Istúriz y su Cooperativa Zamorana sorprenden con una propuesta totalmente diferente. Unidas Por Siempre no es una película sobre la violencia que sacude las calles del país suramericano, sino una historia centrada en el drama de dos hermanas separadas y dos enfoques de vida radicalmente diferentes. Una apuesta de un grupo de jóvenes creadores que han demostrado, entre otras cosas, que el cine no es terreno para estereotipos o remedos estilistas, sino un campo abierto para la reflexión sincera y poderosa de quien lo hace lleno de pasión y orgullo propio.
Me imagino que el gran éxito de Volver al Pasado habrá marcado un antes y un después en tu carrera y en la de la Cooperativa Zamorana Istúriz Film…
Sí, bastante. Yo no me esperaba todo ese ruido que vino después de la película. Ya habíamos hecho tres películas anteriormente y todavía no nos conocían. Entonces decidimos que íbamos a hacer el estreno de Volver al Pasado en un cine en Guatire, de donde somos, y al día siguiente empezó la gente a llamar. Mientras más gente llamaba y más entrevistas íbamos haciendo más crecía la cosa. Vino a hablar con nosotros una señora de France Press y después un muchacho de El Mundo, de España.
Los buhoneros empezaron a venderla. Me empezaron a llamar para decirme que se estaba vendiendo la película: primero en la Av. Baralt, después en Altamira, luego de Ciudad Bolívar, etc. Así fue.
La buhonería nos ayudó, no económicamente, digamos, pero si nos ayudó mucho como promoción.
Pronto se estrenará en Venezuela Unidas por Siempre. Se trata de una nueva versión de una película que ya habían hecho.
Si, es verdad. Unidas Por Siempre es una historia que habíamos hecho previamente. La tenía allí. La habíamos presentado para amigos y familiares. Entonces, cuando estábamos grabando Volver al Pasado uno de los protagonistas, Rubén Lozano, la vio y me dijo: “Oye vale esa película es bien bonita ¿Por qué no la haces?”. Eso me lo dijeron otros miembros del equipo, como otro de los protagonistas de Volver al Pasado, Erik Miranda. Entonces decidimos hacerla.
He hablado con otros miembros de la Cooperativa, como Rubén Lozano y Yoselyn Ramos y me cuentan que la temática de Unidas Por Siempre es muy distinta de la de Volver al Pasado.
Sí, es otra cosa, no tiene nada que ver con la anterior. Hay un personaje que es un policía pero eso es porque en la historia detienen a dos personajes, pero hasta ahí. Se trata de dos hermanas, una rica y una pobre. La rica abandona a su familia por el dinero. Luego, cuando la madre de ambas muere, la llaman para que vaya y no lo hace. Allí surge entonces un conflicto entre las dos. A la hermana pobre le pasan muchas cosas, que tiene que ir enfrentando, que la hacen luchar.
Una historia en tu línea de cine con un mensaje, con moraleja. ¿Por qué este planteamiento de cine reflexivo, comprometido con la gente a un nivel personal?
Exactamente. La idea es dar un mensaje. Tú sabes que siempre se ha dicho que la televisión o el cine pueden ser educativos y, lamentablemente, en la mayoría de los casos, no es así. Hay muchos programas y películas que francamente no tienen nada que enseñarle a los jóvenes ni a los adultos. Por ejemplo, los jóvenes ¿Qué mensaje sacan de las telenovelas? Entonces sí hace falta un cine con mensaje; sí hay esa necesidad de hacer televisión y un cine que sean educativos. Y no sólo que deje un mensaje, sino que las personas que están en el medio de la TV o el cine, los productores y los directores, le abran las puertas al pueblo. Que el pueblo tenga la oportunidad de participar.
Lamentablemente esto no ocurre aquí. Si tú no tienes una buena “palanca” no puedes trabajar en televisión. Este es un problema muy viejo que continúa hoy día. Ahora están las televisoras sociales, como TVES, con la que hemos venido conversando un poco y con la que las cosas podrían ser diferentes. A ver si tenemos una oportunidad allí.
Cuando yo estaba en el colegio, por ponerte un ejemplo, casi nadie podía hacer cine. Esto ¿Ha cambiado desde tu punto de vista?
Las cosas han cambiado y hay bastantes oportunidades. Por ejemplo, se hizo la Villa del Cine. También hay televisoras comunitarias, como Catia TV, TV Petare y Ávila TV (en la que nos entrevistaron también) así como también Vive TV.
Acuérdate de cómo era antes: el que tenía una cámara en Venezuela tenía que ser casi rico. No era accesible tener una cámara de video. Si acaso una camarita fotográfica tenías por ahí. Ahora no. Es más fácil ahora que la gente tenga una cámara. El que quiera hacer cine, con pocos recursos, puede hacerlo: sólo hay que tener las ganas.
Hay mucha gente que dirá que no, que hacer cine sin recursos técnicos y económicos y sin una formación de primera en la materia no es posible. ¿Tú qué piensas?
Lo que pasa es que hay muchos directores y productores que se basan más en la técnica que en lo que le pueda gustar a la gente. En un curso que hicimos una vez nos pusieron un documental de un cineasta bastante conocido aquí. Y el hombre estaba allí para explicarnos. Y nos decía que nos fijáramos en este plano, en donde estaba la cámara, el Dolly, etc. Había puesto mucha atención a los detalles técnicos, pero había olvidado poner cuidado a la historia. El documental que nos mostró era aburrido, y eso no gusta. Hay que entretener también. Si no, no se pueden transmitir los mensajes.
Eso pasa con muchas películas aquí. Estuvimos aquí en la casa los miembros de la Cooperativa viendo una película venezolana reciente, hecha con muchos recursos. Cuando vimos la película nos quedamos asombrados: ¡Tantas cosas allí que no ocurren en la vida de personas como uno, que somos pobres o de bajos recursos! Por ejemplo, sale una señora que le dice al hijo:“Coño mi amor compre carne”. Entonces el hijo se sorprende: “Mamá ¿Vamos a comer carne hoy? ¡nosotros comemos carne nada más es en diciembre!”…
¡Y eso es embuste! Puras cosas irreales. Inventan unas historias que son totalmente falsas, que no tienen nada que ver con la vida real.
Yo trato de que los personajes sean reales. Si es un policía, que sea un policía lo más original posible. Si es un personaje que es rico, pues que actúe lo más parecido posible a un rico de verdad. Trato de hacerlo lo más natural posible.
Has mencionado en otras entrevistas la influencia que han tenido en tu trabajo las telenovelas brasileras. ¿Es por ese esfuerzo en transmitir realismo, credibilidad?
Las telenovelas brasileras me enseñaron bastante. Yo vi una novela brasilera –no sé si se acuerdan- llamada Chica Da Silva. A mí no me gustan mucho las novelas, pero me enganché con esa. Entrevistaron al autor y a alguno de los protagonistas. Uno de los personajes era un muchacho que debía ser lo más femenino posible y ser creíble. Pero el actor no lo era, necesitaba un modelo, un referente. Este actor declaró que observando jugar a su sobrina le vino la idea para meterse en personaje. Eso es la actuación. La actuación real, creíble. Eso es lo que yo intento más que cualquier otra cosa.
¿Qué es lo que pasa con los actores de las telenovelas brasileras? Si un actor va hacer el papel de una persona que vive en el campo, entonces esa persona va a agarrar el machete, y tiene que aprender a rozar el monte, comprender en carne propia la vida de ese personaje. El realismo es muy importante para ellos y se nota en el trabajo final. Por eso el éxito de estas telenovelas, porque directores y actores están enfocados en que las cosas salgan naturales. Esto pasa también en muchas producciones colombianas ahora.
Hablando con Rubén Lozano, uno de los protagonistas de Volver al Pasado, me decía que para la nueva película había tenido que luchar mucho para meterse en el personaje, porque era un personaje demasiado distinto al anterior, y que tú le ayudaste mucho a lograrlo. ¿De dónde viene tu comprensión de la experiencia del actor?
Mira lo que yo les exijo es que sean naturales. Eso es lo más importante. Cuando Rubén hace un papel, por ejemplo, de mala conducta, y la cosa le está costando yo le digo: “No, no. Estás exagerando mucho. Así no actúa un mala conducta”. Si lo que está costando trabajo es, por ejemplo, una palabra que no le sale natural sino forzada, entonces le digo: “Elimínala por una que te salga natural, que tú uses”. Estos son pequeños detallitos que uno el director debe ir viendo y así los actores se van profesionalizando más.
Por ejemplo Yeisy Rivas, la protagonista de Unidas Por Siempre, que nunca había actuado. Al principio tenía un poco de pena y en el guión debía llorar. “Trata de hacerlo la más natural posible; imagínate que es un ser querido el que está atravesando un momento difícil”. La muchacha se fue metiendo y metiendo en el papel hasta que empezó a llorar. Igual la señora que personificó a la mamá; ella estaba un poco nerviosa y le estaba saliendo forzado: “Imagínese que no puede respirar” – le dije- y poco a poco le fue saliendo más natural.
¿Cuando se estrenará Unidas Por Siempre?
Muy pronto. Pensamos que más o menos dentro de un mes. Estamos viendo donde lo haremos y el resto de los detalles. Ya los mantendremos informados.
Muchas gracias Yosmar. Saludos a toda la gente de Istúriz Film.
Con mucho gusto. Gracias a ustedes. Un abrazo.
El día de hoy, varios escritores y colaboradores de este blog recibimos un correo del productor uruguayo Gustavo Rojo, quien nos invitaba a promocionar una cinta de terror uruguaya llamada La Casa Muda. Sabiendo lo difícil que es la realización y promoción de una cinta independiente en estas latitudes latinoamericanas, me alegré mucho de la existencia del proyecto y salí corriendo a ver el teaser de la cinta. Particularmente me gustó mucho.
Hay que destacar que La Casa Mudafue rodada en un plano único, sin cortes, en tiempo real, con una cámara de fotos Canon Mark II. El costo de la producción fue de apenas seis mil dólares y los hechos que retrata están basados en un acontecimiento real ocurrido en una casa rural del Uruguay. Al respecto dice la página web de la cinta: “En la década de los 40 dos hombres fueron encontrados en una desolada casa de campo. Estaban muertos y mutilados. Inquietantes fotografías se encontraron en la escena del crimen. La investigación de la época no arrojó resultados, quedando inconcluso y perdido en la memoria colectiva del poblado Godoy. La Casa Muda está inspirada en este episodio, tratando de cerrar y contestar las preguntas del doble homicidio”.
Aquí les dejo el teaser de la cinta y más abajo toda la información de la película y su director Gustavo Hernández.
SINOPSIS Y DATOS
Laura (Florencia Colucci) y su padre Wilson (Gustavo Alonso) se internan en una lejana casona de campo para reacondicionarla, ya que su dueño Néstor (Abel Tripaldi), muy pronto la pondrá a la venta. Ellos pasarán la noche allí, para comenzar los trabajos al día siguiente. Todo transcurre con normalidad hasta que Laura escucha un sonido que proviene de afuera y se intensifica en el piso superior de la casona. Wilson sube a inspeccionar mientras ella se queda sola abajo a la espera de su padre…. Basada en una historia real ocurrida en un pequeño poblado del Uruguay, “La casa muda” centra su relato en los últimos setenta y ocho minutos, segundo por segundo, en los cuales Laura intentará salir con vida de una casa que encierra un oscuro secreto.
Dirigida por Gustavo Hernández, fotografiada por Pedro Luque (director de fotografía del mega éxito mundial “Ataque de pánico” de Federico Álvarez) y producida por Gustavo Rojo, con un increíble costo total de U$S 6.000, “La casa muda” se interna en el terror psicológico tan poco explorado en la región, contando una escalofriante historia en primer plano y con características que la hacen única en el mercado audiovisual mundial, ya que fue filmada en su totalidad con una SLR digital, más concretamente con la cámara Canon EOS 5D Mark II, lo que hace que “La casa muda” se convierta en el primer film latinoamericano, y el segundo film en el mundo en grabarse con una cámara de fotos. A su vez, la historia está narrada en un único plano secuencia de 78 minutos, sin cortes. Lo que la convierte en la primera película de terror en el mundo en ser realizada con este particular lenguaje narrativo.
“Plano secuencia” en términos cinematográficos se denomina a la secuencia filmada en continuidad, sin corte entre planos, en la que la cámara se desplaza de acuerdo a una meticulosa planificación, generando en el espectador la sensación real de compartir las vivencias junto al protagonista.
MIEDO REAL EN TIEMPO REAL, esa es la propuesta de “La casa muda”, película que no pasara desapercibida para todo aquel que se atreva a vivir esta diferente y perturbadora experiencia cinematográfica.
Gustavo Hernández es egresado de la Escuela de Cine del Uruguay en el año 2002 como Realizador Cinematográfico. Se distingue por un ágil manejo narrativo y visual, destacando una sutil elaboración de los personajes en el campo actoral. Dirigió una decenas de cortometrajes, que fueron premiados en distintos festivales del mundo por sus síntesis narrativa y el empleo del humor (La Carta, Informes, El Corazón Delator, etc). Se ha destacado especialmente por la realización de videos musicales, dirigiendo a bandas nacionales muy populares (NTVG, LA VELA PUERCA, LA TRAMPA, JORGE NASSER) con resultados visibles en las grandes cadenas musicales de televisión. Gustavo Hernández se desempeñó durante años en roles de Dirección, Asistencia de Dirección y Edición en importantes productoras nacionales, sumando conocimiento y experiencia del medio publicitario.
En agosto pasado, terminó de rodarse en la ciudad de Nueva York, la película Bloodbath Test. Escrita y dirigida por Carla y Vicente Forte, el filme fue producido por el director, también venezolano y con una amplia trayectoria en el teatro y el cine: Leonard Zelig. El filme se erige como una propuesta vanguardista pues, además de que se está produciendo con apenas 12.500 dólares, aborda el género del terror; género que, al menos en nuestro país, tiene escasos (por no decir nulos) precedentes. A pesar de las prisas y el trabajo que aún tienen su realizadores, quienes se hallan inmersos en el proceso de post-producción, Vicente Forte nos ha cedido una entrevista.
Andrea López (AL): Hace aproximadamente un año el productor venezolano Leonard Zelig, convocaba guiones para hacer cine guerrilla. ¿Bloodbath test estaba ya escrita o empezaste a escribirla una vez que supiste del concurso?
Vicente Forte (VF): Déjame empezar diciendo que BBT nace como una idea de mi hermana (Carla Forte). Una que tenía bastante rato dándole vueltas en la cabeza. Ella quería hacer un cortometraje, así que tomó esa idea y lo escribió. El resultado de esa idea fue un corto bastante surrealista, que jugaba con el horror, la atemporalidad y el absurdo. Eso era básicamente lo que había para el momento en que se anuncia el concurso. Sólo un corto en borrador y una sinopsis.
Carla vio la oportunidad y decidió concursar en Plomo. Quiso escribir la película conmigo, así que nos sentamos a replantearlo todo, de manera de convertir el corto en un largo. El proceso no fue fácil pero juntos logramos aumentar el universo de la historia y sus circunstancias, así como la psicología de cada personaje. Todo esto lo hicimos con el concurso andando.
AL: ¿Podrías contarnos cómo fue el proceso de escritura? ¿Quién hizo la escaleta y los diálogos? ¿Cómo se repartieron la tarea del guión?
VF: La idea fue de Carla, pero todo fue hecho por ambos. En general, yo me enfoqué un poco más en los diálogos y Carla en las circunstancias de la historia, pero no fue una regla inflexible, pues nada quedaba escrito en piedra y tanto ella como yo nos sugeríamos cambios. La tarea del guión no se repartió a destajo ni fueron individualizadas. Nos sentábamos juntos, leíamos, criticábamos, cuestionábamos y revisábamos juntos. Hubo un momento en que tuve que mudarme de vuelta a Venezuela. La historia estaba bastante adelantada, pero a partir de ese momento Carla se dedicó un poco más al guión. Sin embargo, fueron innumerables los emails y las llamadas telefónicas que sostuvimos, de manera de estar ambos de acuerdo con el resultado final.
Como acotación quiero decirte que para ese momento eran tres los largos que estábamos escribiendo, tres proyectos distintos que tenemos listos y que también hicimos, en mayor o menor proporción, juntos.
AL: ¿Cuántos tratamientos de guión hicieron los hermanos Forte, antes del rodaje? ¿En qué aspectos se hicieron ajustes? ¿Los cambios obedecieron a razones dramáticas o a exigencias de la producción?
VF: No estoy seguro, pero creo que el guión tuvo 19 versiones, sin contar el técnico. Los ajustes fueron a todo nivel, desde algo tan simple como el formato hasta algo tan complicado como la trama. Fue casi un año de corrección.
Las razones fueron ambas: tanto dramáticas como de producción. Inclusive, me atrevo a decir que hay un punto donde ambas razones se tocan y afectan. Lo cierto es que aún durante la filmación, hubo cambios: diálogos, escenas, elementos. El guionista generalmente no quiere que le cambien su historia. Pero el director a veces siente necesario hacer cambios o el productor los requiere por factores ligados a producción. Nosotros teníamos los dos sombreros (escritor-director) y tuvimos que corregir cosas sobre la marcha. Algunas nos parecieron ideales, otras, pragmáticas. También hay que considerar que siendo que en una película interviene tanta gente, con tantas ideas, puntos de vista y backgrounds, la película se modifica mientras se rueda.
Generalmente se tomaban ideas muy buenas del equipo. Otras veces, pues considerábamos que no eran tan buenas y no las tomábamos. Lo cierto es que este es un proceso de cambios y como tal debe entenderse. A veces nos resulta beneficioso, otras insufrible.
AL: A grandes rasgos ¿cuál es la trama de Bloodbath test? ¿Se inspiraron en algunos autores o películas? De ser afirmativa la respuesta, exponer cuáles.
VF: Pronto va a salir el teaser de la película. Ahí verán con imágenes de qué va la cosa. A manera resumida BBT trata sobre una mujer que despierta en un baño. Estaba encerrada y lastimada. No puede escapar. Esa situación es la excusa para narrar su mundo antes de que llegue ahí. Poco a poco el espectador entenderá las razones y las circunstancias que le llevaron a tal situación.
A Carla le fascina el cine de horror asiático. Creo que todos estos nuevos autores le han influenciado, sin embargo no quiero nombrar autores por ella. Respecto a mí, Hitchcock ha sido mi gran influencia, y aunque esto no va de ninguna manera en su línea, me aseguré con el equipo de hacer uno que otro homenaje a ese autor.
AL:¿Qué opinas acerca de un Concurso que hace llegar a todos sus participantes las razones de sus rechazos y escogencias?
VF: Positivo. A pesar de que cada estudio, cada productor, cada persona en general no hace sino aportar sus puntos de vista y sus líneas de pensamiento acerca de la obra de otro, hay parámetros objetivos que sí se pueden medir a través de estas explicaciones: extensión, efectividad de la historia a nivel masivo, estrategias de presentación.
Además sirve de entrenamiento. Yo creo que tanto los elogios como las críticas deben tomarse en cuenta, aunque las últimas incomoden. Sin embargo, al final, nada de eso implica aceptación ciega. Son meros puntos de referencia. Así que mejor tenerlos.
AL: ¿Se puede, efectivamente, hacer una película con 12.500 dólares, de principio a fin?
VF: Definitivamente. Es más, yo diría que con menos. Si no que le pregunten a Raúl Perrone, por citar a alguien con quien he conversado. Ahora bien, nadie dice que es una mantequilla. Claro que es difícil, claro que todo el mundo quiere tener más facilidad, más cancha, más recursos que faciliten llevar tu idea de manera convincente. Sin embargo, es posible.
AL: Antes de hacer esta película, ¿Habías concursado en otra parte? ¿Hiciste antes alguna otra película en Venezuela o en los EEUU?
VF: Antes de esta película co-escribí un guión con otros tres escritores. Se llama Caracas, tiempo real. Ganó una mención honorífica en el Primer Festival de Guiones Cinematográficos organizado por la Villa del Cine. No sé qué le pasó a ese guión. Me llegaron rumores de que se había perdido o traspapelado. En todo caso, La Villa del Cine no lo está produciendo.
Lo demás no fueron concursos como tales sino presentación de proyectos sobre todo para documentales. Pero las televisoras quieren productos hechos y no por elaborar. Un círculo vicioso que nunca termina, pues si uno tuviera los recursos (al menos técnicos) para rodar, no lo presentara en forma de proyecto.
AL: ¿Cuántos sets armaron para el rodaje de Blood Bath test y con cuántos actores y personal técnico cuenta el filme?.
VF: Se montó un apartamento completo y un baño. Algo increíble. Por otro lado, además de los extras, la película cuenta con dos actores principales y dos secundarios. Ahora no recuerdo el número exacto de personas que intervinieron, y no quiero nombrar cargos pues a veces una persona tenía varios sombreros. Si te puedo decir que todas las áreas básicas tradicionales estaban cubiertas: dirección, producción, producción de campo, asistencia de dirección, script, vestuario, dirección de arte, dirección de fotografía, asistentes de producción, cámara, gaffer, etc.
AL: ¿Cómo se distribuyeron las tareas tú y tu hermana para co-dirigir el filme?
VF: Los dos actuamos en conjunto pero ella se enfocó un poco más en dirección de actores y arte, mientras yo me dedicaba a lista de tomas, cámara y afinar con el director de fotografía como iba a lucir el filme. Esto no siempre fue así, pues siempre estábamos juntos con excepción de los ensayos con el talento.
AL: ¿Qué expectativas tienen respecto a “Bloodbath Test”? : Circuitos alternativos, festivales, distribución y exhibición en Venezuela y en el extranjero. DVDs y copias.
VF: Nosotros estamos bien contentos con el resultado. Creo además que se trata de una película que va a gustar en Venezuela y Latinoamérica en general. Además contamos con Asia y pienso que puede calar bien en los circuitos independientes de USA. Soy bien optimista, pero, ¿quién no lo es con su peli? Sin duda los festivales y la TV son otra opción, pero esto te lo puede explicar mejor Leonard que es el hombre que sabe de estas lides. Yo sólo te puedo decir que estoy seguro de que va a gustar.
AL: ¿Crees que es más fácil hacer una peli en los EEUU que en Venezuela? ¿Por qué?
VF: Definitivamente. Básicamente por el asunto de los pagos diferidos, cosa que no sucede en Venezuela. Aquí (Vzla) nadie se revienta por la promesa de un pago. Además está lo de la inversión privada. Salvando las escasas excepciones, en Venezuela un privado que no te conoce no invierte en una película. Al parecer no hay cultura en este respecto. Este es un tema para conversarlo largo y tendido.
AL: ¿Cuándo y dónde prevéen estrenar “Bloodbath Test”?
VF: Aunque aún estamos en plenas conversaciones, entiendo que la película se estrenará en Julio de 2010. Hasta ahora, han sonado tres países: Venezuela, Republica Dominicana y Puerto Rico; pero se que esto va a ampliarse luego que tengamos el tráiler de la cinta.
AL: ¿Volverías a repetir esta experiencia? ¿Por qué?
VF: La pienso repetir. Quizás no a través de un concurso, pero sin duda a través de otra vía. Me resulta una necesidad escribir y filmar. ¿Qué te puedo decir? Son las dos actividades que me gusta hacer.
AL: Me dejaste con la duda. Esas otras tres pelis que me dices co-escribiste con tu hermana, ¿de qué van? ¿Son también de terror?
VF: Los otros tres proyectos que te menciono son también largos. Uno es una historia de terror al más puro estilo asiático. Otro es más de autor, tiene que ver con personajes urbanos que se entrelazan entre sí de una manera poco convencional en una ciudad consumista y plástica.
El último es un proyecto de mi hermana que utiliza textos míos, algo más autoral que tira mucho hacia el surrealismo. Además tenemos una agenda de proyectos documentales que queremos hacer y un proyecto de ciencia ficción de bajísimo presupuesto. Todo esto lo vamos haciendo poco a poco, a paso de hormiguita, siempre con la esperanza de que haya alguien interesado en ayudarnos.
Por Michel Torrealba “El cineasta independiente es, básicamente, un ser cadavérico, pálido, muerto de hambre, que hace 10 años que no ve la luz del sol, duerme con la ropa puesta, nunca se baña, y está dispuesto a lo que sea con tal de rodar su película. Incluso fingir accidentes de coche, vender sangre o semen, lo que sea” PETER BISKIND – Edge of Outside
Sobre el experimento: Me encuentro en una encrucijada, en un punto muerto. Todo lo que pensaba que estaría haciendo a esta altura de mi vida se ha ido dilatando, y no estoy ni remotamente cerca. Hace ya 3 años que comenzamos con la productora, y si al principio creíamos haber comenzado con buen pie, ese otro pie necesario para dar el paso y lograr caminar, quedó estancado en cemento, porque entre trabajos mal remunerados, poco satisfactorios, y nada artísticos, hemos pospuesto una y otra vez la arrancada final, tal vez por necesidad, tal vez por comodidad, a estas alturas no lo sé con precisión, pero si me preocupa y entristece.
Después de un año 2008 para el olvido donde, gracias a la Ley de Murphy, todo lo que pudo salir mal, salió mal, el 2009 comenzó con muchísimo mejor ánimo: la primera semana de Enero, quedé seleccionado en una convocatoria de Cine Guerrilla: ¡Plomo!, para grabar mi guión Pecados en Nueva York. Lamentablemente, debido a diversos problemas (de mi parte), tuvimos que aplazar la grabación de la película para el próximo año, esto con la intención de mejorar, madurar y perfeccionar la idea.
¿Por qué un largometraje en vez de trabajar en corto? Muy fácil, es una simple decisión narrativa. La historia que deseo contar necesita de un desarrollo de personajes correspondiente con una larga duración, donde se puede hacer énfasis en ellos. Además, siempre pensé en estudiar cine para hacer largos, sin contar que para conseguir venta, distribución o exhibición, el largometraje es el formato ideal. No critico a los que hacen cortos, es mas, los respeto mucho, porque es muy difícil condensar una historia en poco tiempo, y manejar los códigos para ello. Por eso, así como existen cuentistas y novelistas, existen quienes dirigen cortometrajes o largometrajes. El problema es que, a diferencia de otras partes del mundo, donde esto es una decisión puramente artística, aquí en Venezuela los cineastas hacen cortometrajes como un escalón más hacia la vía de dedicarse a hacer largometrajes.
Así pues he aquí el experimento: Tomar la idea, convertirla en un buen guión y hacerlo película, al mas puro estilo independiente, con ”presupuesto cero” (o no-budget, como le dicen los gringos) y sin ningún tipo de ayuda o financiamiento del estado, con la ayuda de quienes deseen. La idea es que sea semi-colectivo, donde todo aquel que desee ayudar, colaborar, aportar ideas, críticas o sugerencias sea totalmente bienvenido, no importa que sea del medio o sepa algo de cine, cualquier aporte es agradecido, todo esto apostando como fecha de finalización un año, es decir, para mi próximo cumpleaños debería estar terminada. ¿Se logrará?
Sobre Cine Guerrilla:
Algunos ya saben a lo que va el Guerrilla Filmmaking, para lo que no lo saben, éste se caracteriza por muy bajo presupuesto, un equipo de trabajo reducido y la utilización de escenarios naturales, por aquello de no contar con el permiso para su utilización, en resumen, todo lo contrario a trabajar en producciones formales de gran escala.
Para mí, esta independencia tiene mas que ver con el estilo, visual y narrativo, de las producciones, con la actitud y mentalidad guerrillera, como dice la cita al comienzo: hay que estar dispuesto a hacerla como sea. Y es que no hay otra forma. Lo único que necesitas es motivación.
La democratización de los medios de producción ha ayudado a que se pueda acceder a hacer cine-video de forma mas fácil, directa, y con una calidad respetable. Actualmente, cualquiera con una cámara y una computadora podría hacer una obra maestra, afortunadamente, no todos pueden hacerlo, porque a las buenas ideas no se puede acceder tan fácilmente como a la tecnología. En un país donde la producción ha estado limitada casi en su totalidad al financiamiento del estado, es raro que muchos cineastas jóvenes no hayan concientizado que este es el futuro del cine en Venezuela, donde la crisis nos va a dejar cada vez con menos espacio para la expresión artística. Personalmente tengo mucho tiempo creyendo que este debería ser el camino a seguir para crear una industria respetable de cine en el país, y no esperar que papá gobierno (mas allá de cualquier postura política) nos ofrezca 1 o 2 millones de los fuertes para hacer nuestra peliculita, cosa que es casi imposible que ocurra con un cineasta novel, esto sin contar con lo viciada que está la selección de financiamiento de proyectos por parte de las autoridades encargadas.
Mientras que en otros lados, el Cine Guerrilla, se convierte en una opción, con lenguaje y espacio propio para su exhibición, aquí son pocos los que han arriesgado a hacer sus trabajos “con las uñas”. Extrañamente, los pocos casos que recuerdo en este momento, que se hayan exhibido en las carteleras, no vienen de “operaprimistas” o cineastas jóvenes, sino de ya cineastas establecidos, como Alberto Arvelo y su Havana Habana (la cual la circunscribió bajo el nombre de Cine Átomo, pero que es exactamente lo mismo que el Guerrilla) y Luis Alberto Lamata con El Enemigo.
Siguiendo estos pasos, y los de una larga lista de cineastas independientes a nivel mundial, actuales y clásicos, trataremos de concretar este proyecto a como dé lugar, siempre siendo fiel a nuestra visión, para así demostrar que sí se puede hacer cine de esta forma en Venezuela. No se cómo se va a hacer, ni con quienes, ni con qué… Solo sé que lo voy a hacer.
Sobre el blog:
Como mencionaba, tratando de que la experiencia sea no solo de expresión sino de aprendizaje, pienso que trabajar bajo la premisa de “esponja intelectual” sería el camino mas acertado a seguir, y para ello es imprescindible que, mas allá de comenzar con la promoción, se pueda permitir la colaboración y aporte de ideas, y la mejor forma de lograrlo es un con un blog que vaya recogiendo paso a paso el proceso de producción, desde el guión hasta la exhibición.
Inicialmente será a través del Facebook, sin embargo, mas adelante tendrá una dirección propia, cuando tenga algún nombre para el proyecto. Además, con lo detallista y quisquilloso que soy, me gustaría contar con un diseño apropiado para el blog, que corresponda con el tono de la historia. Claro está, aquí necesitaría contar con la primera ayuda, y cualquier amigo que quiera meter la mano con el diseño, sería muy agradecido.
Como siempre, termino extendiéndome mucho. Espero poder contar con su lectura al menos, trataré de actualizarlo una o dos veces por semana.
EL NACIONAL - Sábado 11 de Julio de 2009 Cultura/8 Cultura PELÍCULA BloodBath Test se filmará en sólo dos semanas
Cineastas venezolanos hacen guerrilla fílmica en Nueva York Leonard Zelig, productor de la cinta, habla sobre el método de rodaje y asegura que aplicarlo en Estados Unidos es más fácil.
Hacer cine es complicado. Requiere recursos humanos y monetarios. Mucho de ambos. Pero cineastas en todo el mundo han buscado formas más sencillas de llevar sus historias a la pantalla. Estos métodos se han llegado a convertir en postulados, en movimientos. Y hay un nombre que reúne a varios de ellos bajo su connotación todoterreno: el cine guerrilla.
Es bajo estos términos que los hermanos venezolanos Vicente y Carla Forte filmarán en Nueva York BloodBath Test, guión ganador del Concurso de Cine Guerrillero Plomo! , organizado por Leonard Zelig.
Esta cinta, que Zelig su productor define como de suspenso, relata la historia de Eugenia, una mujer atrapada en un terrorífico juego que se repite a sí mismo. La película sólo tendrá dos semanas de rodaje. Actualmente el filme está en preproducción. Este proceso también tomará dos semanas, para ensayos y conversaciones con el equipo.
El director y coguionista, Vicente Forte, explica que el guión, idea original de su hermana, fue escrito a cuatro manos. "Tras ganar en el concurso empezamos a escribir juntos un guión sólido, que no sólo complaciera nuestros gustos personales sino también los del espectador. Lo enviamos y ganamos el primer lugar. Después de eso comenzó un proceso de revisión del guión que lleva casi un año. El guión ha evolucionado mucho, tanto que vamos por la versión número 17".
Zelig, director de SubHysteria, rodada en las mismas condiciones, trabaja en este proyecto, la producción junto con sus socios de otras tres películas y de dos series web, y responde algunas preguntas sobre el método guerrillero.
El abaratamiento de los equipos de cine permite a muchos tomar una cámara y filmar. ¿Qué hace al cine guerrilla diferente del ejercicio de un muchacho cualquiera con una cámara? Si el muchacho es bueno, la única diferencia va a ser la experiencia del realizador; si el muchacho es malo, no hay nada de qué preocuparse. Pero sí, tal cual como lo dices, la tecnología está al alcance de todos, así que la competencia se hace aun más acérrima, por eso la insistencia mientras hacíamos el concurso Plomo! de que la idea fuera única. Es lo que define todo, la fuerza y la honestidad del guión. Luego le sigue la experiencia de los realizadores. Yo, por ejemplo, después de pasar muchos años estudiando el mercado, sé exactamente cuáles son el tipo de historias que se venden y de dónde provienen todas las fuentes de ingreso para un filme de esta categoría. En esta industria eres la gente que conoces, la diferencia entre ese muchacho y nosotros son las horas de vuelo. Él quizás puede tener la próxima Memento, pero si no sabe cómo ponerla en las manos adecuadas se quedará engavetada en su casa.
El cine guerrilla no es el único movimiento de cine en su más mínima expresión. ¿Qué lo diferencia de los demás? Pienso que Dogma, Átomo, Mumblecore y cualquier movimiento de cine ultraeconómico es cine guerrilla. La raíz es la misma. Cambia el acercamiento pero el fin es el mismo: hacer una película de excelente calidad por la menor cantidad de dinero posible.
¿Por qué decidieron hacer cine en Estados Unidos? Es muy difícil conseguir gente que trabaje por pago diferido (se le paga a los involucrados después de que la cinta comience a dar ganancias) en Venezuela, mientras que en Nueva York la gente se pelea por estar en un proyecto de pago diferido siempre y cuando crea en el proyecto. En Venezuela también se puede hacer un filme por 12.500 dólares, pero aquí es más fácil.
Gracias al trabajo y los proyectos cinematográficos que adelanta Carla Forte (mi hermana), en la ciudad de Miami, tuve la oportunidad de conocer un poco el trabajo de Magdiel Aspillaga, un joven realizador cubano que ha trabajado como director y guionista dentro y fuera de la isla. Aspillaga, quien reside en la actualidad en los Estados Unidos, ha llevado a cabo una serie de encuentros y exposiciones en los que muestra su última incursión en el mundo del videoarte. Para conocer la visión de un cineasta independiente cubano, su obra y la dicotomía de lo que significa vivir en Miami, me puse en contacto con Magdiel para hacer esta entrevista que transcribo literalmente a continuación:
EL CINESCOPIO:¿Qué tipo de películas se ven en la Cuba de hoy?
MAGDIEL ASPILLAGA: Me es un tanto difícil hablar del cine que se ve en Cuba ahora mismo ya que hace mas de un año que estoy fuera de allá, pero pudiera hablar del tipo de cine que se veía antes de salir, igual no sería una sentencia totalmente objetiva ya que estoy seguro son muy diversas y diferentes las realizaciones actuales ya que en Cuba suceden unas transformaciones generacionales diría yo muy particulares. Para los cubanos que salieron hace diez años Cuba es totalmente diferente de los que salimos hace un año, muchos cubanos afirman que no es así y ven la isla como en un limbo inamovible, también tienen razón, no he negado eso nunca, la transformación de la que hablo es como una mutación o transmutación, la sociedad cubana va haciéndose cada vez más rara y diferente según avanzan las nuevas generaciones, pero la esencia de estatismo es la misma, hay una sensación de cambio generacional, de que las generaciones no son iguales, inclusive que son totalmente diferentes unas de otras pero la angustia es la misma, el conflicto es el mismo y la tristeza es la misma, sobrevive como un virus, se hace más fuerte y asume otros rostros y otras caras.
Creo que el público cubano en sentido general es muy cinéfilo desde siempre. Se consume mucho el propio cine hecho en Cuba, las cintas oficiales realizadas por el ICAIC se siguen en las carteleras y el público lo consume con récords taquilleros no importa si sea una filme de arte denso, una comedia ligera; también todo el cine internacional, la cinemateca de Cuba se puede llenar ante el estreno de un filme de arte tanto como cualquier cine. El público cubano tiene una cultura cinematográfica buena y consume bastante cine. Sucede algo interesante con el consumo de cine en Cuba y esto puede entroncarse en otras preguntas que me haces después sobre la piratería y el cine independiente. Una cara importante del audiovisual cubano, se consume a través de las copias quemadas en DVD o CD y se pasa de mano en mano, muchas veces se llegan a rentar estos materiales muchos de ellos cortometrajes a través de particulares que los distribuyen. Con un espíritu clandestino es que se distribuye no sólo dentro de Cuba sino también fuera, la real visión de la realidad cubana a través del trabajo de jóvenes desprovistos de presupuestos económicos para sus realizaciones.
EC: ¿Qué significa hacer cine independiente en Cuba y qué lugar ocupa esta forma de hacer cine en dicha isla?
MA: Pienso que la oficialidad cubana no reconoce la palabra INDEPENDIENTE en ninguna versión, todo lo que suene a independiente suena a contestatario. Siempre he definido mi trabajo tanto ficción, documental como video arte realizado de forma independiente, si no es independiente qué cosa es entonces realizar un material que por obligación necesita de determinados recursos como es el caso del cine y que lo realices con la ayuda de amigos y sin ningún tipo de apoyo oficial, ¿no es eso acaso independiente? En Cuba existía y aún existe una Muestra de Nuevos realizadores creada dentro del propio Instituto Oficial Cubano el ICAIC (Instituto de Arte e industria cinematográficos). Fue una alternativa para mucho jóvenes de que sus materiales pudieran exhibirse aunque sea una vez en determinados cines de la capital, claro después de pasar un comité de selección compuesto por funcionarios del ICAIC que por razones lógicas responden a este organismo, por lo tanto no significa una solución de exhibición ni tampoco de una real visión de un cine nuevo cubano, es más bien un control o regulación sobre lo que se hace fuera de la institución.
Hacer cine independiente en Cuba significa emprender una empresa casi quimérica, idealista. Creo que lo más curioso dentro de los valores establecidos en la realización cinematográfica cubana y los que hacen cine independiente en la isla es que la oficialidad ha creado patrones e iconos aparentemente inamovibles. Si se organiza una muestra de nuevos, jóvenes o independientes realizadores tiene un acento escolástico muy interesante. Es decir nosotros la institución hacemos cine ¨de verdad¨ ustedes los independientes juegan a hacer cine. Hay una frontera clara que divide hacer cine ¨cómo se hace el cine¨ o jugar con unos amigos a que estás haciendo cine. La realidad ha sido otra y muchos de estos materiales imperfectos, sin presupuestos, pobres y no profesionales, han causado más revuelo y tenido más connotación que muchos filmes y coproducciones realizadas por la industria cubana, que vale decirlo es una sola centrada en un solo organismo. Estas muestras tienen una especie de premio invisible y es el hecho de tenerte en cuenta para entrar al círculo cerrado de los cineastas oficiales.
Creo que el cine actual cubano realizado por la industria no responde a ninguna realidad, problemática o angustia de los cubanos, no hablo solamente de problemáticas políticas ni económicas estoy hablando a todos los niveles, humanos sobretodo. No sólo no responde a ninguna problemática humana sino que se desarrolla de forma mimética, existen dos tendencias fundamentales: comedias ligeras imitadoras de determinada comedia latina y picaresca, y supuestos filmes de arte y ensayos, malas y aburridas imitaciones de maestros europeos sobretodo. Ambas líneas están marcadas por grandes problemas que el cine contemporáneo ha superado, racor, encuadre, foco, sonido, fotografía, guión. Es curioso que siendo un cine tan mal realizado el cine del ICAIC intente imitar patrones de cine Mass media e inclusive tenga como prioridad a diferencia del cine cubano de los 60 y 70 insertarse en el mercado internacional y todo el andamiaje que eso significa, que desarrollar una cinematografía autentica y propiamente cubana respondiendo a los intereses y conflictos de la sociedad cubana actual.
EC: En contraposición a lo anterior, ¿qué significa hacer cine independiente en los Estados Unidos?
MA: No he hecho cine todavía en los EUA, sólo video arte, pero por lo que he podido ver y con respecto a la estrategia que estamos llevando con mi último proyecto es igual de difícil pero tienes la libertad tanto estética como política de realizar lo que quieras y de la forma que desees. Te aseguro que si reúnes dinero con unos cuantos amigos y realizas un filme no vas a depender de Washington para decidir si se pone y cómo se pone, mucho menos si es bueno o malo. Siempre el hecho de ser independiente, te marca hacia una periferia, si escoges ese camino sabes que debes dejar de lado otras opciones. Aquí conviven el cine de Hollywood, los Oscar, la alfombra roja, la maquinaria industrial real con muchas producciones independientes y el trabajo de muchos cineastas que no dependen de ningún organismo o productora importante para realizar sus filmes, esto como es lógico los limita desde el punto de vista de distribución y alcance pero históricamente el cine de este tipo ha estado en esos niveles. Igual existen muchos caminos y opciones además de muchísimos lugares y puertas que tocar para conseguir el dinero de tu filme. EC: ¿Qué lugar ocupa un cineasta latinoamericano en Hollywood?
MA: No te puedo responder exactamente, sino un poco desde mi visión exterior de cómo se mueve el cine hecho por latinoamericanos en Hollywood, ahí están los casos de Fernando Meirelles, Guillermo del Toro, A González Iñarritu y Alfonso Cuaron, básicamente son también mimesis de un tipo de cine como lo hace la gran industria, la diferencia con Cuba es que está bien realizado, impecable, perfecto, regla número uno para fabricar un producto que quieras vender. Hay muchos cineastas latinoamericanos y películas latinoamericanas actuales que no están ni creo que estén nunca en Hollywood, pero no estoy criticando Hollywood, al final Hollywood elevó al cine a una expresión superior más allá de ser arte o cultura, lo elevaron al lenguaje de una arte industrial que cambió la manera de apreciar la vida. Sin Hollywood el cine no tendría la maldad y ese ambient mágico de feria, de espectáculo, que no deja de ser arte y sobretodo industria, debemos pensar el arte del futuro como un arte industrial y colectivo. Ahora, si entras a Hollywood tienes que seguir las reglas impuestas por la industria y dejar tus orígenes, tus preocupaciones personales, tus obsesiones en la puerta. De todas maneras muchos han sido los cineastas que han hecho arte dentro de Hollywood.
EC: ¿Cuál crees es la diferencia entre cine independiente y cine guerrilla?
MA: Cine independiente es Christopher Nolan en sus inicios, Alan Jacobs, Jim Jarmush, los Coen, Soderberg. Cine guerrilla es el que hago yo y otros como yo, o sea sin presupuesto apenas. La cantidad de dinero no significa la calidad de la película, hay muchos filmes de altos presupuestos buenos y otros malos y lo mismo sucede con el cine independiente y de bajo presupuesto. Ambos tiene dos filones que se me hacen interesantes, el cine industrial impone la implantación de un arte como producto, un proceso cultural cercano y unido a un proceso industrial, el cine independiente te impone la economía estilística y artística, solo usarás lo imprescindible en tu trabajo. La economía de recursos expresivos será una latente y por supuesto no tendrás ningún tipo de compromiso industrial.
EC: ¿Cómo se hace cine sin recursos y no se muere en el intento?
MA: Pienso que cada realización, cada filme es un acto creativo, como parir un hijo, te conlleva sufrimiento, angustia, dolor, más allá del dinero que tengas o no para hacerlo. El ansia y la necesidad de expresarte te hace mayor y ni te percatas del esfuerzo sobrehumano que de por si trae un rodaje mucho más si es independiente. No entiendo como hay realizadores que declaran que la pasaron muy bien y que se divirtieron rodando, no puedo concebir el proceso creativo de un filme como un divertimento, hay una angustia, una tarea que sobrepasa tus fuerzas cuando asumes la realización de un filme, la traducción de tus ideas a la imagen. Lo que hablo no tiene que ver con el género que estés abordando comedia, drama, thriller, o una ciencia ficción, hablo del gesto creativo. Al igual que un parto tienes un momento sublime después del dolor y es justo cuando te sientas frente al material filmado, bruto, toma tras toma, defectuosas y desechas que irán tomando forma en tu cabeza, el proceso no ha terminado, sigue en movimiento y no termina creo ni aún cuando se proyecte en el cine pero esta primera parte ya es un paso grande, el más grande.
Creo que tengo algunos filmes que para mí son representativos de un cine guerrilla, esencial The Nickelhausen travell de Rainer Fassbinder, Outsider de Bela Tarr y Cancer de Glauber Rocha y otros que los defino como ¨guerrilla expresiva¨ como Son o no son de Julio Garcia Espinosa, Masculino Femenino de Jean Luc Godard o Gummo de Harmony Korine.
EC: ¿Valora el latinoamericano su cine? ¿Crees que ha descuidado un poco su propio cine para darle prioridad a películas extranjeras?
MA: Existe una alta influencia y penetración del cine sobre todo de Hollywood en Latinoamérica pero no es sólo en Latinoamérica es igual en Asia o Europa. Un filme de Hollywood recorre el mundo entero y el mundo entero lo consume. Existen buenos ejemplos de buen cine latinoamericano actual pero creo que adolece a diferencia de años anteriores de imitar o tratar de imitar al cine norteamericano o al cine que se mueve en festivales. Los festivales que son la esperanza del cineasta independiente, de alguna manera adecúa el gusto y la manera de hacer cine también, todo debido al alcance mediático. Rara la relación entre el ser reconocido y el querer hacer tu obra, porque filmas por ser reconocido o por una necesidad de expresión, ahí radica esta especie de conflicto entre los festivales, el reconocimiento y el alcance y difusión que puede tener tu filme.
EC: ¿Es la piratería el Robin Hood del cine?
MA: No lo creo así, no apoyaría la piratería a no ser que el stablishment te imponga el encierro como es el caso de Cuba donde existe un sociedad cerrada y, tanto para entrar información como para salir hay que acudir a la piratería, ha sido una solución en un país donde aún hoy en día está prohibido el Internet y el acceso a la información. En el mundo real, el de afuera, no creo que funcione como salvador de información. Es cierto que los grandes medias y canales mediáticos más fuertes te imponen su propia información pero por lo menos tienes la opción de ver y buscar lo que quieras. En una época de encierro durante la colonia española muchos criollos comenzaron intercambiar contrabando con bucaneros y este era una vía de comunicación con el mundo exterior como bien se refleja en el filme de Tomas Gutiérrez Alea “Una pelea cubana contra los demonios”. Tratar de satanizar y mostrar el exterior como demonios malditos es recurso usado constantemente por el poder que pretende mantener en el encierro de información a todo en una sociedad, entonces acudir a los bucaneros que vienen desde el mar y desde otras tierras es un símbolo de liberación. Así creo que funciona la piratería dentro de Cuba, el digital y la democratización tecnológica de los medios ha sido una ayuda al respecto. Pero en una sociedad tan abierta como la norteamericana por ejemplo no creo que la piratería tenga valor alguno, por el contrario la critico.
EC: Háblanos un poco de tus próximos proyectos.
MA: Acabo de inaugurar mi primera exposición personal de collages y video artes aquí en los EUA, “Alfa: viaje al centro de la tierra”, en un espacio muy bueno e interesante de acá EDGEZONES de la curadora y artista Charo Oquet. En Cuba tenía el conflicto de que hacia video arte y por otro lado llevaba mi trabajo como cineasta, aquí he podido estoy comenzando a llevar las dos líneas muy bien, mi nuevo proyecto para largometraje “Figuras en la explanada”, el cual estoy trabajando junto con Carla Forte tiene una fuerte línea de búsqueda experimental y estética. Como en mis trabajos de video arte y collages continúa mi acercamiento a fenómenos sociales casi antropológicos. El guión está terminado ya y estamos moviéndonos en varias direcciones para lograr un presupuesto inicial para comenzar el rodaje lo antes posible, por lo menos del rodaje de algunas de las secuencias y de ahí continuar el proceso de realización. Estoy escribiendo y trabajando también junto al investigador Micael Avalos, en un documental sobre un músico cubano que vivió en Miami, Rolando Laserie, uno de los más importantes y para mi muy singular dentro de la música y la cultura cubana. Sigo trabajando en los videos artes y collages y me gustaría realizar un corto de terror que tengo escrito, una mezcla entre Ingmar Bergman con Peter Tscherkarssky, sólo una locación y dos actrices. Siempre he seguido problemáticas en mi trabajo y obsesiones como la muerte, el cine, el sexo, la marginalidad desde todo punto de vista, la marginalidad como fenómeno cultural y como representación de violencia e inocencia a decir de Pasolini, de "subproletariado".
El arrancar con este proyecto de “Figuras en la explanada” significa un nuevo camino y comenzar ese gran y raro acto que significa hacer cine, mucho más lacerante cuando no tienes el dinero, por eso espero conseguir presupuesto, es el punto más delicado y severo en que un realizador se enfrenta a la hora de asumir un nuevo proyecto. No sé si guerrilla o no, independiente o no, con alto presupuesto o bajo pero estoy seguro y es casi definitorio que lo vamos a llevar a cabo, eso si no muero en el intento.
El pasado domingo 26 de Abril, tuve la oportunidad de asistir a la muestra de cine del director y guionista Cubano Magdiel Aspillada. Una proyección que se llevó a cabo en el Tower Theater, dentro del marco del The Cuban Cinema Series Island Burden, en la Pequeña Habana de la Ciudad de Miami.
Magdiel nació en la Isla de Cuba en el año de 1979, en un pequeño pueblo de campo llamado Aguacate. Realizó sus estudios cinematográficos en la Facultad de Medios de Comunicación Audiovisual del Instituto Superior de Arte (ISA) Habana – Cuba. Durante su trayectoria profesional en la isla, Magdiel realizó una lista larga de trabajos cinematográficos de bajo presupuesto, algunos de ellos galardonados, como lo fue el largometraje “Vedado” que tan sólo produjo con 400$, y junto a su compañero Asori Soto, fue premiado en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara, en la sección Guadalajara Construye, con cuatro premiaciones: Premio New Art Digital, Premio Signis Oclacc, Premio The Lift y Premio Titra California. También Magdiel se ha desempeñado como director de fotografía y productor para otros proyectos, así como también a la realización de video arte, videos musicales y el collage.
La proyección que dio inicio a la tarde del domingo entre amigos y aficionados, nos permitió adentrarnos a un trío de trabajos cinematográficos, donde el reflejo de la situación social y económica en Cuba se nos hace bastante claro.
“El regreso de la mujer de Onan” Cortometraje de 22” que fue realizado en la ciudad de Habana – Cuba en el 2005. El guión escrito y dirigido por Magdiel Aspillaga fue premiado y apoyado por el Centro Cultural de España en Cuba. Dicho cortometraje retoma íconos importantes del cine cubano, haciendo un homenaje histórico, que a su vez se ve influenciado por diferentes estilos que marcan la trayectoria de Aspillaga en el mundo del cine.
“Pareja” Un medio metraje de 40” que fue realizad o en la ciudad de Habana – Cuba en el 2005. Pareja es un grupo de historias que se intercalan y nos muestra la decadencia, pobreza y pérdida de valores que hoy en día vivencia la sociedad cubana. Este mediometraje fue realizado en sólo 3 días y para su realización Magdiel y su equipo vendieron algunas cajas de cervezas y refrescos para recaudar el mínimo de los fondos y comenzar el rodaje. En este trabajo predomina la improvisación entre actores y participantes conocidos y al azar que conforman la total esencia guerrilla de dicho proyecto. Para sorpresa de muchos espectadores, este trabajo resultó ser un estreno mundial, ya que en Cuba había sido censurado.
“Nocturno con bailadores” Un corto documental de 7” que fue realizado en Aguacate – Cuba en el 2006. La presencia espontánea de un grupo de jóvenes cubanos dentro de una discoteca en Aguacate, expresan sin censura a través del movimiento y el reggaeton un nuevo lenguaje corporal. Donde un duelo entre hombres se hace presente junto a la sensualidad de mujeres que se regocijan en un rito al apareamiento.
El teaser oficial de Subhysteria, la película de Leonard Zelig, ha invadido viralmente la web. Youtube, Facebook y el propio blog de la película han sido las plataformas desde donde el teaser ha sido lanzado. Más de 2600 personas han recibido invitaciones para el evento virtual. Pura Guerrilla Marketing.
Desde hace tiempo estaba por colgar la información de Bonus Track, la última película del cineasta argentino Raúl Perrone, ícono del cine independiente y de bajo presupuesto. Tal y como lo señala en su blog Las ganas que te deseo, "El Perro" decidió plantearse nuevamente el desafío de retratar a un grupo adolescentes, tal y como lo había hecho en los noventa con su trilogía (Graciadió; Labios de Churrasco; 5 Pal Peso). En esta ocasión, el retrato es el de un grupo de jóvenes patineteros.
Dice la sinopsis del filme: “Luchito, Adrian, Mapu y Lucho, son pibes que encontraron en una tabla de skate algo distinto para hacer con sus destinos. Su punto de encuentro es el cine abandonado: un lugar de juego donde se medirán habilidades pero también amistades y traiciones. Un lugar de sexo, donde los pibes se exhibirán y las chicas elegirán”.
Dice el autor acerca de la película: “ (… ) recordé que alguien me dijo que antes de ser recuperado el cine ‘‘Gran Ituzaingó’’, todos los días era ocupado por pibes que entre otras cosas hacían skate. me entusiasmó mucho la idea de volver al cine que me había hecho descubrir películas a mis 13 o 14 años (…) me gusta la idea de saber cómo va a empezar la película, es lo único que sé, empecé a garabatear algunas ideas, fragmentos de cosas, pequeños momentos cotidianos; la cámara estática y contemplativa, escuchando esas historias... En realidad Bonus track es la autentica relación que mantienen Luchito, Adrián, Mapuche, Lucho, Carolina y los otros (…)”.
El Perro continúa asegurando que no se precisan millones para hacer una película. De ahí que su equipo de trabajo no excede nunca de las 5 o seis personas. Bonus Track no fue la excepción “(…) igual que ahora y después de algunas películas sigo creyendo que mucha gente en un rodaje estorba y cuando son pocas y tienen asignada una tarea todo se hace más artesanal, más místico. Sigo pensando que aquellos que precisan millones para hacer una película con equipos de más de 80 personas y con un montón de parafernalia, que eso no tiene que ver con el hecho de hacer películas (…)”
Aquí les dejo una muestra de fotografías del filme.
La película reflexiona, de la mano de los protagonistas de las cintas venezolanas más taquilleras de los años 70 y 80, cómo surgió una industria cinematográfica nacional, amparada en temas de la calle, el barrio y los pobres, que finalmente se perdió y que aún se intenta recuperar.
El documental de los realizadores Phillipe Toledano y Sergio Marcano, titulado "La Edad de Oro del Cine Venezolano", se estrenará el próximo jueves 9 de octubre en la Sala Cinemateca del Celarg. Este trabajo audiovisual comprende dos partes, los años 70 y los años 80, y se trata de una rigurosa investigación acerca de cómo surgió el boom del cine venezolano en esas décadas y cuáles fueron las razones de que tantas películas nacionales fueran taquilleras en su época. "La Edad de Oro del Cine Venezolano" es un documental con entrevistas a los protagonistas del surgimiento del mejor cine hecho en el país en la era de los petrodólares y la Venezuela Saudita, en la que actores, directores y guionistas, Como Elba Escobar, Román Chalbaud, Rodolfo Santana y otros, así como sonidistas, fotógrafos y gerentes culturales, cuentan sus anécdotas de cómo era hacer cine en un país que nunca ha tenido industria cinematográfica. También se incluyen escenas de las películas más emblemáticas del cine venezolano tales como El Pez que Fuma,y Domingo de Resurrección, Cangrejo, Oriana, Macu, entre otros. Philippe Toledano, productor y codirector de la cinta, es de origen francés y tiene más de 30 años residenciado en Venezuela, con una amplia experiencia en materia audiovisual. Durante la presentación a la prensa del documental aseguró que “no es una película fácil” refiriéndose a los temas que se tocan, la discusión acerca del cine venezolano como un cine lleno de prostitutas y malandros. “A la mayoría de la gente le gusta ese tema. La clase media y la clase alta han criticado siempre eso” afirmó el director y guionista Sergio Marcano, joven cineasta quien pasó años investigando sobre el cine venezolano. “Siempre me ha gustado lo humano que es el cine nacional” agregó. Con respecto a la distribución y exhibición de esta película realizada en dos partes, Toledano informó que se está conversando con la distribuidora Amazonia Films y que esperan tenerla en todo el país el proximo año. Aseguró que los circuitos de cine comercial no se interesarían en este tipo de trabajo documental. También señaló que una televisora francesa tiene planeado incluir la cinta como parte de una serie que lleva el mismo nombre, La Edad de Oro del Cine, que trata de las cinematografias de todo el mundo.
Los planteamientos de este documental intentan reflexionar sobre cómo llegamos a tener películas que recaudaban millones y superaban en taquilla a estrenos famosos de la meca hollywoodense de entonces, como Tiburón o E.T. El Extraterrestre, para generar en el espectador la conmoción que significa la pérdida de esa naciente industria audiovisual, que en los 90 tuvo su peor crisis con la más baja producción en la historia, y cómo en la actualidad se hacen esfuerzos para recuperar lo que alguna vez fue un cine de masas, un cine que abarrotaba salas, que generaba polémicas y por el cual se logró que el público venezolano se identificara con historias nacidas de la calle, que trataban temas duros y hasta crueles, los cuales forjaron finalmente una mala reputación sobre el cine nacional.
“Todavía hay un divorcio entre el público y el cine venezolano. ¿De qué sirve hacer una película si se queda en engavetadaa?” fueron algunas de las reflexiones hechas por Toledano al respecto del presente y el futuro del cine nacional. “Hay una cola de películas venezolanas esperando una sala para que las vea el público” sentenció como parte de su preocupación por el desconocimiento y alejamiento de los espectadores del cine de nuestro país. Sin embargo elogió la creación de las salas comunitarias de la Cinemateca Nacional, repartidas en casi todos los estados. Sobre este tema Marcano recalcó la importancia de las nuevas tecnologías y del poder de Internet para llevarle al público películas de manera gratuita.
"La Edad de Oro del Cine Venezolano" (años 70) se estrenará el jueves 9 de octubre a las 7 de la noche, y el viernes 10 y sábado 11 a las 5 de la tarde, en el Celarg. El 30 y 31 de octubre será el turno de la segunda parte (años 80), a las 7 pm y 5 pm respectivamente. Por último, la sala de la Cinemateca Nacional en la Galería de Arte Nacional, proyectará la primera parte, los días 11 y 12 de octubre a las 2 de la tarde. Se invita al público en general a todas las funciones. ... GRACIAS ANDREINA. PRONTO VOY A PUBLICAR UNA ENTREVISTA QUE LE HICIERA A SERGIO LUEGO DE VER LOS DOCUMENTALES.
Para un cineasta, hacer la película que siempre ha querido hacer no sólo se trata de un logro profesional: es cuestión de conquistar un sueño. Hoy en día, con el abaratamiento de las tecnologías y la democratización de los espacios informativos, realizar una película y, promoverla, parece una tarea más sencilla que antes. En todo caso, hay personas que creen que hacer cine es posible, que ya no se trata del sueño de unos poco elegidos.
Los asiduos de este blog o de Blogacine de seguro han escuchado de Leonard Zelig. Leonard es uno de esos creadores que cree firmemente y de manera contagiosa que se puede hacer cine. Y además, es uno de los que cree que puede hacerse con lo mínimo indispensable. Hacer cine con lo que se tiene. Actualmente Leonard lleva adelante un concurso de cine al que bautizó Plomo!!! y escribe en un blog llamado Guerrilla Filmmaking, todo ello mientras lleva a cabo otros proyectos, entre ellos la filmación de su próxima película Subhysteria. Todas estas actividades las enmarca en el cine guerrilla, especie de sub-género que Leonard está utilizando para formar una red de realizadores.
La guerrilla, esa que se fue a las montañas, a la selva, a las cuevas, o se atrincheró en cascos urbanos marginales para combatir un sistema, demostró la ineficacia de la guerra formal. Los tiempos habían cambiado y, con ellos, las reglas de combate. La guerra tuvo que replantearse, pues el enemigo, uno sin recursos, era capaz de contener y repeler fuerzas armadas organizadas. Salvando las distancias entre en un tema tan atipático como lo es el de la guerra y el cine, creo que el cine independiente, ese que se hace sin el apoyo tradicional de un estudio, hace tiempo que se ha replanteado, se ha reorganizado, mutado si se quiere, dando origen a un cine minimalista en sus argumentos, un cine rápido en la realización, lleno de improvisación, de cero burocracia, uno donde el guión, a pesar de ser de vital importancia, se adapta a los medios que el cineasta posee. Es el cine de "si del cielo te caen limones, aprende a hacer limonada". Es el cine de "lo hago con lo que tengo, pero lo hago". Es el cine guerrilla.
EC: Primero, las aclaratorias de rigor. ¿Quién es Leonard Zelig y en qué anda?
LZ: Bueno yo vengo del teatro, además de un teatro, donde la escasez era más normal que la abundancia, por lo tanto siempre terminabas exprimiéndote el cerebro para crear un espectáculo que compitiera creativamente en el ruedo teatral venezolano, con grupos de gran trayectoria y con grandes financiamientos del estado. Cuando me mudo a New York en el 2002, me doy cuenta de que lo que cambio fue el background, pero el problema es precisamente el mismo. Decido darle duro al teatro por dos años hasta que noto una pequeña gran diferencia en la matriz newyorquina en comparación a la venezolana: deferred payment, lo que en español denominamos pago diferido, y en venezolano lo traduciría como "fiado". Cierta persona te hace un servicio y tú le pagas luego. ¿Se acuerdan de todos esos cartelitos que decían, "Hoy no fío, mañana sí"?, pues el deferred payment es precisamente lo contrario "Hoy fío y mañana también". Aquí en NY hay tanta gente tratando de abrirse camino en el mundo del cine, que tanto técnicos como actores son capaces de trabajar fiado cuando creen que un proyecto los puede ayudar a proyectar su carrera. Algo que si bien es cierto puede pasar en Venezuela, podría decirse que es atípico. Por ejemplo, en el año 2000, mi hermano, su novia, mi novia y yo decidimos irnos a Mochima por carnavales, nos llevamos una cámara e hicimos una burla de The Blair Witch Project llamado El Proyecto del Soldador de Manare, completamente improvisado y con un presupuesto de cero Bs. El resultado: un cortometraje, que después de más de 7 años de rodado verá la luz cuando comience a rodar en el circuito de festivales el año que viene. Se me había perdido el cassette y mi mamá me lo trajo en marzo del año pasado, ya está editado y pueden ver el trailer aquí.
Siguiendo con lo del pago diferido, al hacer ese descubrimiento decidí poner el teatro on hold, y dedicarme a lo que autodenomine "Cine Fiado". Debo reconocer que el auge del cine digital fue un factor determinante en mi nueva etapa como Cineasta Guerrillero. Mi primer proyecto, Blind Date, fue un cortometraje, enteramente robado, si robado, no rodado, en el metro de NYC, donde si te descubren te decomisan la cámara y los cassettes, costo $200, porque teníamos que comer. Mi segunda experiencia fue el largometraje experimental, tan experimental que aún lo estoy editando y lo rodé a mediados del 2005, The Sun Bearer: The Gathering, una película de ciencia ficción producida con $22,000 y rodada cross-country por más de 20 ciudades en los Estados Unidos acerca del último hombre vivo en el planeta tierra; fue una experiencia fantástica, alquilamos una casa rodante, las 7 personas del crew, incluyendo a mi mamá, firmaron un contrato de cine fiado, obviamente la idea de un viaje desde NYC hasta Las Vegas rodando por 19 días los ayudó a tomar la decisión. El resultado está por gestarse, estamos pensando lanzarlo tipo serie web, pero aún no tenemos fecha prevista, si quieren ver un abreboca clickeen aquí. El tercer proyecto fue el documental Metralleta, por motivos ajenos a nuestra voluntad se pre-produjo en una semana con un budget de 40,000 y se rodó en 3 semanas... luego de eso vino el corto de suspenso 434, que entre mi socio, Javier Perez-Karam y yo, improvisamos en una noche, porque estabamos aburridísimos en Burlington, Vermont, en las vísperas de la grabación de una conferencia de prensa corporativa… También empezará a proyectarse el año que viene y el tráiler lo pueden ver aquí.
Después de eso vino Secrets, que es el primer proyecto no guerrilla que hago en mi vida y el cual por múltiples razones, una de ellas el ser una película independiente convencional, se ha visto retrasado una y otra vez, contando con una nueva fecha de rodaje: primer trimestre del 2009.
Pero hablemos de ahora. En vista de los retrasos con Secrets, decidimos hacer un largo guerrilla style, el titulo: subHysteria, narra la historia de 16 personas que se quedan encerradas en un vagón del metro de Nueva York, debajo del East River por 36 horas y muestra de que es capaz el ser humano cuando cree que está a punto de morir. Estamos en plena negociación con distribuidores en Venezuela para estrenarlo allá el año que viene. El rodaje está pautado del 27 de octubre al 13 de Noviembre en NYC y el elenco estará conformado por actores profesionales de improvisación mas tres figuras venezolanas, que aún no puedo mencionar pero que estarán en ese vagón viviendo esta aterradora experiencia.
En mi tiempo libre, escribo el blog guerrilla-filmmaking.com y organizo el concurso de cine guerrillero para venezolanos ¡Plomo!
EC: ¿Qué es el Cine Guerrilla? ¿Cuándo Comienza? ¿Cómo? ¿Existen reglas, enunciados o características que definan este tipo de cine? ¿Es un género, una visión o un estilo?
El cine guerrilla podríamos definirlo como el hijo bastardo del cine independiente, una modalidad donde la filosofía es utilizar lo que tengas a mano, un equipo técnico mínimo, o esquelético como dicen los gringos, pocos actores, pocos días de rodaje, lo que hace que las escenas se rueden rápido muchas de las veces, porque te estás robando la toma de una locación donde no tienes permiso de rodar, hay mucha improvisación, tanto actoral como técnica, y los budgets son mínimos, aunque últimamente cualquier película hecha con un budget por debajo de $500,000 rodada en estas circunstancias, es catalogada como Guerrilla.
Cómo comienza es una de esas preguntas como ¿de quién es la Arepa, de Colombia o de Venezuela? Para los venezolanos no hay duda que la arepa es de Venezuela, pero es que los colombianos opinan lo mismo. Yo particularmente pienso que es un concepto que se ha venido desarrollando en los últimos cincuenta y tantos años, el padre, François Truffaut con su ensayo "Una cierta tendencia del cine francés" en 1954 que sirvió de base al grupo denominado La Nueva Ola Francesa, un movimiento en contra del sistema de cine francés que tenía como meta máxima no sólo la libertad de expresión, sino también libertad técnica en el campo de la producción fílmica.
Desde entonces el concepto ha sido, barbarizado, mutilado, execrado, idealizado... sin embargo se hizo sentir en los 70 en los Estados Unidos de la mano de Melvin Van Pebbles con su Sweet Sweetback's Baadasssss Song, en los 80 a través de John Sayles, Sami Raimi, Jim Jarmusch y Spike Lee, en los 90 con la llegada de Robert Rodriguez, Kevin Smith, Richard Linklater, Christopher Nolan y Darren Aronofsky, en la actualidad el cine de guerrilla es estelarmente representado por el Mumblecore Movement. Contrariamente a lo que la gente piensa el movimiento Dogma 95no califica dentro del género de guerrilla por una sola razón, sus presupuestos eran de cine independiente. Festen (Dogma #1) costo 1.3 millones de dolares, sin embargo la técnica de rodaje es un tributo al cine de guerrilla.
No sé si al leer todos los nombres de los cineastas en el párrafo anterior se dan cuenta de como el cine guerrilla es una suerte de catapulta, pues de todos los mencionados no hay uno solo que siga haciendo cine guerrilla; sin embargo, la gran diferencia entre llegar a Hollywood como un cineasta guerrillero a como un cineasta contratado es el control que puedes tener sobre tus proyectos. El cineasta guerrillero que hace el cross-over es respetado y escuchado, algo cada vez más raro en la industria, sino observen como la franquicia de Batman fue rescatada por Christopher Nolan, quien obstinadamente dijo, o la hacemos a mi manera o no la hago... 1.3 billones de dólares después los ejecutivos de Warner están bien contentos con el riesgo que tomaron con Nolan, e inclusive están hablando de una tercera entrega donde se chismosea que Johnny Depp encarnaría al Acertijo y Philip Seymor Hoffman al Pinguino. Ja! y pensar que hace 10 años Nolan estaba contando los centavos para terminar su película de guerrilla Following que costo $7,000
EC: ¿Es el Cine Guerrilla el derivado necesario del cine independiente?
LZ: Como mencioné antes, es el hijo bastardo, y es la única alternativa que tiene el cineasta altamente creativo de demostrar de qué está hecho y de qué es capaz. La crítica y las masas los ponen en la misma cesta, es nuestra tarea, y es lo que trato de hacer en mi blog, demostrar que en tiempos en los cuales una película "independiente" como El Ilusionista es hecha con 16.5 millones de dólares, definitivamente el cine guerrilla debe salir de esa cesta y poco a poco se está logrando.
EC: ¿Crees que de verdad se trata de una alternativa viable para hacer cine de calidad?
LZ: Te voy a responder con 20 títulos: Sweet Sweetback's Baadasssss Song, Return of the Secaucus Seven, The Evil Dead, Stranger than paradise, She's Gotta Have It , Slacker, El Mariachi, Clerks, Pi, Following, The Blair Witch Project, Final, Manito, Open Water, Pieces of April, Primer, November, Looking for Kitty, The Puffy Chair, Sorry, Haters, Once...
EC: ¿Crees que hoy en día existe un verdadero cine guerrilla?
LZ: Definitivamente ahora más que nunca; como mencioné antes el movimiento mumblecore es el más publicitado, pero la nueva ola de cine digital está haciendo que cada día se produzcan más y más películas, la mayoría de ellas son guerrilleras, y para serte honesto, la mayoría de ellas son terribles también, pero el género está vivo y coleando y de vez en cuando se ven unas películas fantásticas que consiguen una distribución limitada y que, generalmente , recuperan su inversión y hasta tienen ganancias y todo.
EC: ¿Puede competir el Cine Guerrilla independiente con el de los grandes estudios?
LZ: No creo, el cine de guerrilla tiene su público determinado, y esa audiencia no es muy amigable con Hollywood, y Hollywood no es muy amigable con el cine guerrilla, precisamente porque no puede controlar el contenido y a los autores... se han dado casos, The Blair Witch Project y Open Water, son los más recientes, pero definitivamente el género Guerrrilla es salvaje y a Hollywood le gusta tener sus proyectos bien mansitos.
EC: ¿Tiene cabida en la Televisión un video guerrilla?
LZ: Los 20 títulos que te mencioné antes, todos llegaron a TV; el cine guerrilla tiene cabida en todos lados y de hecho donde más ganancias hay es en DVD, ya que los proyectos que no llegan a la gran pantalla, en su mayoría sean auto-distribuidos o no, al menos salen en DVD. Algunos son terribles, pero hay gustos de gustos.
EC: ¿Cómo encaja Leonard Zelig en todo esto?
LZ: Yo soy un guerrillero más tratando de hacer la diferencia, y tratando de vivir de lo que me gusta, y la fórmula es sencilla: haces una película excepcional por $10,000 y la vendes en 25,000 a una distribuidora independiente + 30,000 del DVD + 70,000 de la venta a algún canal de cable, cuando sacas cuentas, tienes suficiente dinero para hacer tu próxima película y vivir de lo que te gusta.
También se me ha metido entre ceja y ceja, mostrarle a mis compatriotas venezolanos que películas como El Enemigoson excelentes, pero que igual puedes hacer algo tan bien o mejor con el 10% del presupuesto de El Enemigo, y créeme, no tengo nada en contra de la película ni mucho menos en contra de Luis Alberto, al cual admiro profundamente, no la he visto y me dicen que es excelente, pero me incomoda que esa sea la imagen que el venezolano tiene de una película de bajo presupuesto, cuando aquí se están haciendo películas por $2,500. Así que exhorto a cualquier cineasta que tenga acceso a una una cámara, un micrófono y una locación maravillosa, a que se invente una historia en torno a esa locación y escriba un guión, si el guion es fantástico, créeme, me ha pasado, los actores se traen su propia comida al set, cuando la tenga lista que me contacte, que aquí estamos en esta esquina tratando de ayudar a los cineastas emergentes.
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Desde hace rato se me hace difícil ver
películas hechas en Hollywood. La
razón obedece a la de muchos: No
encuentro historias originales,
todas llevan la misma estructura de guión y por tanto aburren al
resultar absolutamente predecibles.
El tedio, como mencioné antes, no es exclusivo de espectadores
corrientes como yo, también involucra a actores y realizadores vinculados a la
poderosa industria estadounidense.
En agosto pasado, terminó de rodarse en la ciudad de Nueva York, la película Bloodbath Test. Escrita y dirigida por Carla y Vicente Forte, el filme fue producido por el director, también venezolano y con una amplia trayectoria en el teatro y el cine: Leonard Zelig. El filme se erige como una propuesta vanguardista pues, además de que se está produciendo con apenas 12.500 dólares, aborda el género del terror; género que, al menos en nuestro país, tiene escasos (por no decir nulos) precedentes. A pesar de las prisas y el trabajo que aún tienen su realizadores, quienes se hallan inmersos en el proceso de post-producción, Vicente Forte nos ha cedido una entrevista.
Como acotación quiero decirte que para ese momento eran tres los largos que estábamos escribiendo, tres proyectos distintos que tenemos listos y que también hicimos, en mayor o menor proporción, juntos.
AL: ¿Crees que es más fácil hacer una peli en los EEUU que en Venezuela? ¿Por qué?
Desde hace tiempo estaba por colgar la información de Bonus Track, la última película del cineasta argentino 