miércoles, 31 de octubre de 2007

Bonus track #2: Esto NO es Halloween

No me mal entiendan, temáticamente la selección musical que a continuación coloco tiene mucho que ver con esta celebración pseudo-comercial-religiosa anglosajona que año tras año adoptamos como nuestra, ese sincretismo como que terminó siendo a largo plazo. O será la mentada transculturización

Y esa adopción, la mayoría del tiempo creo yo por lo menos, está empujada por el cine que nos dice que puede, que debe o que tiene, en determinado momento, la capacidad para asustarnos. Coño de pana que hasta que vi tiburón nunca había visto al animalito como algo terrorífico.

Sin embargo cuando aseguro que "Esto NO es halloween" lo hago porque aunque estas piezas musicales pertenezcan a películas de fantasmas, espectros, asesinos, demonios y otras criaturas celestiales, sencillamente no se incluyen en nuestro inconciente colectivo y popular de lo que el sonido del halloween tiene. Así que pues para ir una vez más en contracorriente aquí van los temas cuyo terror, horror y espanto es inversamente proporcional a su popularidad.

Animales y Encuentros es un tema del maestro de maestros, Ennio Morricone, para la película Wolf (1994) de Mike Nichols, una entrada bastante peculiar en el subgénero de los licántropos, que a pesar de tener todos los tópicos esperados en una película de hombres lobo, introduce elementos que rodean lo religioso y los conflictos humanos a un nivel casi novelero. Esta pieza introduce el tema del misterio y la angustia del personaje interpretado por Jack Nicholson una vez que el mismo sufre la primera transformación en lobito.




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Canto fúnebre a los Expedientes X es el tema principal de la película de 1998 realizada debido al éxito de la serie de televisión, aquí tenemos el motivo de la serie, esa evocación a lo misterioso y lo desconocido pero con una grandiosidad propia de una película gracias a la orquesta que la interpreta; la pieza que es dominada por metales y cuerdas imprime ese perenne peligro que se cierne sobre Mulder y Scully a medida que crece sobre sus cabezas la conspiración gubernamental que puede ser el fin de la raza humana, coño que tiempos aquellos de los X-files. Al igual que en la serie de tv compone Mark Snow.




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Corso es un mercenario, se gana la vida consiguiendo libros raros para el mejor postor. Su última misión lo coloca detrás de un libro que puede haber sido escrito por el mismo Diablo. Compuesta por Wojciech Kilar, existe algo juguetón y a la vez estoico en la música, tal como el personaje interpretado por Johnny Depp para la película de Roman Polanski, La Novena Puerta. Una de mis películas favoritas y que sin embargo a nadie pareció impresionar.




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Los Créditos Finales de la película Razas de la Noche, de Clive Barker, son un buen compendio de los temas que escribió Danny Elfman para este largometraje que pasó sin pena ni gloria por alla por el año 1990, ¿la razón? esa mezcla tan poco usual de monstruos, cuento de hadas y horror metafísico tan característico de Barker.




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El amanecer de los muertos es la segunda película de la trilogía zombie de George A. Romero y la que viene a definir, según entendidos y fanáticos, lo que es la quinta esencia de una película zombie. La música de esta producción post-apocalíptica corre a cargo del grupo rockero italiano Goblin, los panas que le han dado música a muchas películas de Darío Argento. Una recomendación: no vea ninguna de las películas zombie de Romero si ud. está deprimido. Sólo empeorará.




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El Amo de las ilusiones fue el último esfuerzo de Clive Barker detrás de una cámara, en este caso no veremos demonios ancestrales y razas extintas de monstruos, esta vez Barker nos mete de cabeza en el mundo de la magia real, en ese mundo donde hasta la muerte es una ilusión. La mayoría de la música de esta película parace una marcha fúnebre; ocasionalmente se escapa algo de jazz por ahí. Compone Simon Boswell.




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El tema de Henry: Retrato de un asesino en serie fue compuesto precariamente, su sonido aspero y frío tal como el propio Henry. La idea de filmar a la cinema verité es lo que le da la verdadera naturaleza macabra a este largometraje, un film altamente recomendable pero dificilmente disfrutable. A tres manos componen Robert McNaughton, Steven A. Jones y Ken Hale.




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De esa etapa hitchcokniana que tuvo Brian DePalma, creo que Hermanas (Sisters) es la película que más disfruto, sin importar que sea una variación del tema de Psicosis creo que la película es cuando menos visualmente interesante. DePalma en su admiración, un tanto enfermiza si me preguntan, por Hitch hizo que el compositor habitual de este último, Bernard Herrmann, hiciera la música de Hermanas. ¿el resultado? angustiosos, tenebroso y casi, casi hermoso.




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Otra película que me caga que jode es La Mosca (the Fly) del año 1986, es decir la versión de David Cronenberg, sobretodo cuando pasa por la doble lectura y se ve más allá de los efectos especiales y se ve el drama de hombre que se descompone poco a poco, desde los huesos hasta la mente, una vaina cagante realmente, estos créditos inciales así como el resto de la música la compone el habitual de Cronenberg, Howard Shore.




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La verdad no me gustó de The Departed, porque creo que Scorsese puede hacer mejores cosas que filmar de nuevo una película que ya se hizo, sin embargo tengo que aceptar que su otro remake es una tremenda película, y sin adentrarnos en todo el asunto de la moral y la ética, Robert DeNiro es el monstruo perfecto, implacable y con una meta, volverte la vida mierda. Max que es lo que se escucha a continuación es un arreglo del tema principal de Bernard Herrmann para la película original Cape Fear (Cabo del Miedo) del 62. Arregla Elmer Bernstein para este remake de 1992.




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Mi primer encuentro con el demente de Peter Jackson fue una película llamada Muertos de Miedo (The Frighteners) de 1996, todo el asunto del cazafantasmas que debe enfrentarse a la muerte tenía un gusto perticularmente bueno, pero cuando la historia te revela que hay algo más que incluye asesinato en masas y una relato de amor retorcido la cuestión se puso más interesante, lástima que no sea una película más popular. Una verdadera maravilla para el día de Brujas, este Intro y Créditos Iniciales están compuestos por Danny Elfman.




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Ese cine marginal tiene algo de poesía en su carencia de medios, y en lo explotativo que es, especialmente cuando hablamos de un género como el terror, Planet Terror, ese homenaje que hizo Robert Rodríguez junto a Quentin Tarantino en eso que decidieron llamar Grindhouse, es algo así como una mezcla entre una de zombies de Romero y un western de Corbucci. El tema inicial lo compuso el propio Rodríguez.




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Y para finalizar este Top 13 (¡Huy que mierdo!), tenemos algo de Hellraiser II: Hellbound que sin ser dirigida por Clive Barker mantiene los elementos temáticos de la primera película. De hecho creo que la música en esta segunda parte es mucho más melodiosa y trágica. Resurrección el tema que se oye a continuación lo compone por supuesto Christopher Young.



¿Cual es su tema favorito?

martes, 30 de octubre de 2007

Buenos aires rojo sangre

Soy de la opinión de que el cine serie B es como una de esas mujeres feas que no podemos sacarnos de la cabeza. Una de esas que son el blanco de las críticas y burlas afiladas de nuestros amigos, pero que para nosotros resulta especial, particular, dueña de un atractivo escondido que sólo nosotros y otra minoría elegida puede ver. Metáforas aparte, el culto al cine clase b, es una realidad. Porque esta clase de cine no sólo resulta interesante para el público, sino que además implica independencia y bajo presupuesto para el realizador.

Todo a esto viene a cuento porque alguien muy cercano al blog nos ha mandado información sobre el Festival de Cine Buenos Aires Rojo Sangre, un muestrario de películas ultraindependientes, de terror y cine fantástico y bizarro, que ya ha llegado a su octava edición.

" (...) El Buenos Aires Rojo Sangre es el único festival especializado en cine fantástico y bizarro que se hace en Argentina. Es una muestra orientada básicamente a producciones independientes y de bajo presupuesto. Su concreción surgió naturalmente, a partir de la creciente realización en Argentina de films de estos géneros. Generalmente realizados en video y en forma ultraindependiente, estas películas no lograban hacerse un lugar en los principales festivales cinematográficos locales. Por eso los realizadores de muy interesantes largos, medios y cortometrajes debían conformarse con unas pocas proyecciones autogestionadas. Esto es porque el fantástico es aún considerado en ciertos círculos como un "género menor". (...) " (cita extraída de la página oficial del festival).

La verdad es que el festival, a realizarse entre el 1 y 7 de Noviembre, promete. A estas alturas el evento cuenta con secciones competitivas en las que participan películas de diversos países, incluídos los Estados Unidos, España, Alemania e Italia, entre otros. Los organizadores del festival han colgado numerosos tráilers. Les recomiendo verlos, para que vean de que va la cosa. Para acceder a ellos, presione aquí.

lunes, 29 de octubre de 2007

AFM

A partir de este miércoles estaré en el American Film Market. No es que se trate de algo tan llamativo y glamoroso como Cannes o Berlin o Venezia, pero si llegara a pasar algo de interés, pues por aquí lo podrán leer de primera mano...

Nos vemos en unos 10 días...

REC. Actualización

Hace sólo unos días escribí un artículo sobre REC, la película de zombis de Jaume Balagueró y Paco Plaza.

Atmósfera, un asiduo visitante del blog, nos ha facilitado un enlace a un video de You Tube en el que se aprecia la reacción de los espectadores durante la proyección del filme. Definitivamente, tal y como lo dice el propio Atmósfera, después de esto muchos irán corriendo a ver la película.

¡Gracias Atmósfera!!!!

Vantage Point. Tráiler.

Este fin de semana descubrí Vantage Point. A simple vista parece una película bastante interesante. Creo que parte de ello se debe a que el tráiler está muy bien hecho.

Vantage Point, todavía en producción, recrea un magnicidio desde la óptica de cinco personajes diferentes. Con esta película Pete Travis, el director, debuta en el mundo del cine (su experiencia se reduce a la televisión). También se trata del primer guión cinematográfico de Barry Levy, el guionista. Sin embargo se han incluido actores de la talla de Sigourney Weaver, William Hurt, Dennis Quaid, Forest Whitaker, Said Taghmaoui, el español Eduardo Noriega y el venezolano Edgar Ramírez. El estreno de la cinta está programado para el 15 de Febrero del 2008.

Aquí les dejo el tráiler.

viernes, 26 de octubre de 2007

"Al final seguiré siendo la Juani"

Dice el personaje interpretado por Verónica Echegui en la última película del catalán José Juan Bigas Luna, Yo soy la Juani.

Esta película que pude ver gracias al festival de Cine Español, es la que más me llamaba la atención de toda la selección, primero porque admiro el trabajo de Bigas Luna, esa particular forma que tiene de presentar a su tierra de la manera más original y peculiar por decir lo mínimo: todavía recuerdo la pelea de los fiambres en Jamón Jamón, pero en fin esta película se me antojaba interesante porque la protagonista fue elegida en un casting abierto como si estuviesemos hablando de estos programas que abundan ahora como Operación Triunfo, Protagonistas de Novela y cualquier clon que se le parezca.

Esto creo que terminó por dotar a la película de autenticidad porque si lo que Bigas Luna quería era una chama común creo que lo consiguió, además estaba el hecho de que la premisa sonaba como algo que no haría Bigas Luna, una película de la juventud desenfadada que gira en torno al mundo del tunning

Primero esto del tunning es sólo un accesorio de la película, quien realmente importa es la protagonista y ese deseo que tiene ella de convertirse en actriz.

Sin embargo tal meta se la hace díficil no sólo porque nunca ha tenido experiencia alguna, sino porque al ser una muchacha de provincia las oportunidades de conseguir un trabajo así son escasas por no decir nulas. De pronto un acontecimiento en su vida sentimental le hace abandonar su casa y lanzarse en busca del sueño. En el camino la nena aprende algo más que a actuar.

La forma en que está filmada la película también es una pasada, a veces parece un videoclip, pero a diferencias de otros directores proveniente de ese mundo de los cortos musicales, Bigas Luna usa la estética y los recursos de ese lenguaje videoclipero para hacer avanzar la narración o en el peor de los casos como ayudante en ciertas descripciones de los personajes.

La segunda mitad de la película cambia sustancialmente el registro pues si al principio nos encontrabamos con una película que parecía ser la típica película de adolescentes ahora nos encontramos ante el viaje de una niña que se va a convertir en mujer. Allí es cuando encontré al viejo Bigas Luna, especialmente porque me recordó una de sus mejores películas Las Edades de Lulu, pero mientras en aquella le daba más importancia a ese crecimiento sexual de la protagonista, aquí el aprendizaje de la Juani es más cercano a lo moral más que a lo moralista.

¿Cual es la diferencia?, para mi se trata de ir más allá de una concepción tan simple como "lo bueno y lo malo", La Juani aprende a medida que avanza sobre sus verdades y no "Las verdades de la vida" es por eso que finalmente dice: que aunque crezca seguirá siendo ella.

Así que la película termina siendo una especie de estudio del carácter pero en clave muy pop.

En el apartado técnico no tiene grandes innovaciones salvo en algunas escenas oníricas que me parecieron bastante originales y en la introducción de una nueva forma epistolar de nuestros días: el mensaje de texto por celulares. Si la ven sabrán de que hablo.

Alien vs. Predator: Requiem...

...o AVP:R para los panas

Después del desastre que fue Alien vs. Predator (al menos para los fanáticos como yo que estábamos ansiosos por este encuentro de extraterrestres), pensar que se haría una segunda parte era algo inimaginable...excepto para los ejecutivos de los estudios

Aparentemente ideada para ser sacada solo en video, esta secuela ha levantado tan buenas expectativas no solo en los antes mencionados ejecutivos, sino en los fanboys de internet, que se ha hecho merecedora de una fecha de estreno en las salas de cine y que cada vez parece que va a lograr lo que su antecesora no pudo: saciar las ansias de los fanáticos y hacer muuucho dinero

Pero más que hablarles de la película, lo que me trae hoy por aquí es las ganas de mostrarles la primera foto del "Predalien" -- así mismo, un híbrido de Alien y Predator que nace de -- ¿qué más? -- un aliencito que aparece reventando la barriga de un depredador...

haz click en la foto para verla más grande

Yo todavía estoy un poco escéptico, pero después de ver esta foto no puedo negar que mi curiosidad ha aumentado por ver esta película...

Alien vs. Predator: Requiem tiene fecha tentativa de estreno en Venezuela para el 28 de diciembre de 2007

martes, 23 de octubre de 2007

Believers, de una a video sin pasar por go



El pasado 16 de Octubre fue el lanzamiento en los Estados Unidos del DVD de Believers, la última película de Daniel Myrick. Como ya muchos de ustedes sabrán, Myrick dirigió junto a Eduardo Sánchez ese fenómeno del cine independiente llamado El Proyecto de la Bruja Blair (1999). Si no ha escuchado nada sobre Believers, no se sienta mal: la cosa pasó por debajo de la mesa. El filme saltó al video sin pasar por los cines.

Para empezar debo decir que Believers me ha revuelto la curiosidad: ¿por qué el nuevo trabajo de un director ganador en su oportunidad del SITGES y de Cannes no fue tomado en cuenta? ¿Por qué la película no fue llevada a la gran pantalla? En una entrevista que le hiciera Bloody-Disgusting.com, Myrick declaró que las razones por las que la cinta no fue al cine, son netamente creativas. Asegura en la entrevista que trabajar para un pequeño estudio le proporciona absoluta libertad a su trabajo. Y es que al parecer este director siempre ha sido firme en su posición en contra de la censura y las manipulaciones impuestas por los engranajes de los grandes estudios. En todo caso, la ausencia de Believers en las salas de teatro se siente, y la falta de apoyo financiero, sobre todo a nivel de publicidad, se nota a leguas. Y no es que nada de esto me sorprenda. Después de todo igual suerte corrió el mismísimo Eduardo Sánchez con su película Altered (2006).

La idea que da forma a Believers es bastante buena. La película trata de una secta, un grupúsculo de científicos y filósofos que han dado con una formula matemática que les permite saber el momento exacto del Apocalipsis. La trama fluctúa entre dos mundos: el de los creyentes y el de los incrédulos, y la cosa está armada con la intención de que la duda reine y se mantenga una tensión argumental en torno a la posibilidad de escapar o no al día final. Sin embargo, Myrick y su esposa (ambos escribieron el guión a cuatro manos) se pusieron ambiciosos. En mi opinión, lo que pudo ser un cortometraje asombroso, inteligente, ganador de premios y festivales, se convirtió en un largometraje harto deficiente.

El inicio de la película es sin duda prometedor. Pero a medida que corre la cinta, la cosa va muriendo. Para el final ya no hay nada que buscar y si la película no se va por el barranco de la decepción es porque Myrick salva la vaina a último minuto. Literalmente. Con el final Myrick no hace otra cosa que resucitar una película muerta. Believers falla en el meollo del asunto, el contenido, el nudo, pues después de la media hora inicial la historia no logra mantener al espectador sentado a gusto frente a la pantalla. La idea es tan simple, brillante y tan inevitablemente corta, que a Myrick no le queda otra que echarle baldes y baldes de agua para que rinda. De otra manera tendría que resolverla antes. Y a fuerza de no soltar pistas al espectador, de no dar respuestas, de aguantar la sorpresa, el suspenso se pierde, y la cosa se hace tediosa y redundante.

Sin embargo no todo es tan malo. La verdad las he visto peores y se han casado. La atmósfera del filme, la textura de la imagen y el contraste del color me parecen grandes aciertos. La cámara está muy pero muy bien (hay tomas súper interesantes) y la edición, aunque bastante técnica, resulta impecable. Quisiera decir lo mismo de las actuaciones, pero la mayoría son sobreactuadas, lo cual parece ser el punto débil de estas producciones de bajo presupuesto. El filme en general tiene un cierto aire televisivo, y el color parece haber sido tratado de alguna manera en post producción. Sin embargo no estoy seguro, quizás sea el formato utilizado, pero mi ojo no da para identificar si se trata de video envenenado o un HD sometido a una corrección intensa de color. Ya alguno de ustedes me dirá.

Para aquellos que quieran más información, aquí les dejó la página oficial de Believers. En todo caso traten de alquilarla de manera que sea de ustedes, la última palabra.

A la medida: Ni tan largos... ni tan cortos

¿para qué acepté hacer esta entrevista?La idea de pegar cortometrajes para "armar un largometraje" no es nueva, pero generalmente se hace alrededor de un tema que une narrativamente a los cortos. En el caso del realizador Venezolano Héctor Palma (quien, por cierto, hizo de Simón Bolívar en Miranda regresa), no hubo por qué seguir esta corriente

Palma trabajó en dos cortometrajes separados -- que sí compartieron equipo técnico -- y luego le surgió la idea de unirlos para tener una oferta atractiva para el público y crear así Ni tan largos... ni tan cortos

Las dos partes que la componen son Larga distancia, una suerte de thriller psicológico que más que ser sangriento busca incomodar al espectador, lo obliga a pensar y a buscar entender que lo que está sucediendo en la pantalla quizás no sea tal como se ve; y Mayor o menor, una comedia de situaciones terriblemente divertidas que son consecuencia en parte del azar y en parte de las decisiones que toman sus personajes

En ambos casos Palma contó con excelentes elencos: para Larga distancia tuvo a Héctor Manrique en el rol principal, acompañado por Iván Tamayo, Basilio Alvarez y la siempre bella Fabiola Colmenares, y para Mayor o menor armó un grupo que le daría envidia a cualquier mega producción local: Marisa Román, Roque Valero, Juan Pablo Raba, Andreína Blanco, Jean Paul Leroux, César Manzano y el propio Palma

Los dos cortos son diametralmente diferentes, lo que justamente sirve para que la experiencia de verlos sea única: una "mitad" para que el público piense, se deje envolver por la historia y se vea obligado a resolverla, y otra "mitad" para descansar la mente, para reirse a carcajada suelta y sin compromisos. Ambas partes harían excelentes largometrajes si se les trabajara para extenderlas, pero estas versiones cortas vienen cargadas de todos los elementos necesarios para hacer de Ni tan largos... ni tan cortos una película impelable

Tuve la oportunidad de conversar con el guionista/director/productor/protagonista/cuarto bate/novio de la madrina de esta obra, y aquí les dejo lo que hablamos:

R: ¿De dónde te salió la idea de pegar dos cortos?

H: Surge de la unión de varios factores. Uno era el hecho de que fueron realizados por el mismo equipo en un mismo plan de rodaje. Es decir, la producción se planificó como si fuera una sola pieza. Se rodó uno primero y enseguida el otro. Una vez que los tuve listos en su fase de postproducción vi que tenía más de una hora de película y sentía que a pesar de ser tan distintos en tratamiento, en historia y género, tenían una energía que los unía y hasta se complementaban. Durante varias semanas me preguntaban cuanto duraban mis cortos y cuando les decía el tiempo me respondían: “ah, pero no son tan cortos”. Un día bañándome surgió la idea y lo que sonaba una locura terminó teniendo un sentido aparente.

Larga distanciaR: Larga distancia está basado en una obra de Mario Benedetti, ¿Cómo
conseguiste los derechos?

H: Fue quizás la primera señal que me hizo entender que el proyecto llevaba una buena estrella. A través de una amiga conseguí absurdamente el contacto de un periodista uruguayo que a su vez tenía el teléfono de la casa de Benedetti. Estuve casi dos semanas intentando llamar pero cuando iba a marcar colgaba y no me atrevía. Finalmente lo hice y me atendió directamente él. No podía creer lo bizarro de la situación. Le expliqué como pude el motivo de mi llamada, le envié el guión y me dió los derechos para su adaptación. Fue una locura que aún no comprendo.

R: ¿Qué fue lo más difícil que te tocó hacer para filmar los cortos?

H: Por la responsabilidad que significaba para mi, sin duda alguna lo más difícil fue dirigir a quien ha sido mi maestro actoralmente, Héctor Manrique. Fue un compromiso que aun no sé si supe cumplir. Es con toda seguridad de los más grandes actores de este país, y fue un honor acompañarlo en su trabajo.

R: Trabajando con un elenco tan grande, ¿cómo haces para que te hagan caso?

H: Jajajaja. Esta buena la pregunta. La verdad es que me siento agradecido de lo respetuosos que fueron cada uno de los que participó en la película. En el caso de la comedia (Mayor o Menor) todos somos contemporáneos y además amigos de toda la vida, cosa que era un arma de doble filo. En la lectura de mesa que hicimos, y luego en los ensayos, nos dimos cuenta enseguida de que nos íbamos a divertir haciendo la
película y así fue. Todo transcurrió en un ambiente perfecto entre joda y trabajo. Después de esta experiencia me es difícil no pensar que el cine es un arte que se hace entre amigos.

R: ¿Qué prefieres: escribir, dirigir, producir o actuar?

H: Creo que uno es a lo que más tiempo le ha dedicado en la vida. Y actuar es lo que hago desde que tengo 15 años. Un actor que piensa de más termina inevitablemente dirigiendo o se vuelve mal actor, así que preferí canalizar ese pensamiento en otras áreas para seguir siendo libre actoralmente y no preso de la ansiedad que produce pensar de más.

Mayor o menorR: Si alguien quiere hacer su propio cortometraje, ¿qué recomendación le darías?

H: Que se pregunte si realmente NECESITA contar esa historia. Entendí con NI TAN LARGOS… que el cine es un acto de amor, ya que pasas mucho tiempo dedicado a una sola historia, y si la necesidad legítima y genuina de contarla no está, tarde o temprano en el proceso puedes pagar caro ese precio. Me siento enamorado de lo que hicimos todos, y ahora estoy como cuando quieres presentarle tu novia (que para ti es la más bella) a todos tus panas.

R: Próximos proyectos: ¿has pensado dirigir un largometraje?

H: Todos me dicen que este es un largo de mentira, que hice trampas, jajaja. Pues el de verdad espero rodarlo si Dios quiere a finales del año que viene. Es una historia que quiero contar desde hace muchos años, así que al menos el terreno del amor está abonado. Tengo mucha ilusión de arrancarla.

R: ¿Qué le dirías al público para convencerlos de que vayan a ver Ni tan largos… ni tan cortos?

H: Hay algo que en principio parecía ser un elemento negativo de la propuesta de juntar dos cortos y hacer un largo, y era que son dos historias muy distintas y que no tienen que ver una con la otra. Creo que contradictoriamente eso es lo que finalmente ha sido el atractivo para que la gente se interese en ir a verla. No tienes que discutir con tu pareja si ver una película de suspenso o una comedia. Ves Ni tan Largos… y tienes los dos platos en uno solo.


Ni tan largos...ni tan cortos se estrena el próximo viernes 09 de noviembre en Caracas, Valencia, Maracay y Maracaibo

En su página oficial pueden ver el trailer, encontrar más información sobre la película, e incluso bajarse algunos wallpapers...dense una pasadita por allá y digan que van de mi parte (no sé para qué, porque no les van a dar descuentos ni nada por el estilo)

lunes, 22 de octubre de 2007

Zero Imagination Posters, part I

¿Se han fijado que hay afiches de películas que descaradamente se copian de otros afiches? Siendo que cada año se producen miles y miles de películas (en todo el mundo, digo), no es raro ver como algunos productores comodillos se apropian de ideas de los demás -- a veces por flojera, otras para tratar de confundir al público

Este post es el primero del que espero sean muchos en los que les mostraré ejemplos de afiches "basados" en otros afiches. Los llamaré Zero Imagination Posters...ZIP

El caso de hoy: Holly una película que probablemente no vaya a ver mucha gente, y que para cuyo poster se "inspiraron" en uno de los teaser posters de Eternal sunshine of the spotless mind (palo 'e película, ¿eh?)

Aquí se los dejo:


haz click en los afiches para verlos más grandes

sábado, 20 de octubre de 2007

Bonus track #1: Transformers

Una de las cosas que más disfruto del cine es la música (banda sonora, soundtrack, score y/o otras especies), aunque no soy músico si creo haber escuchado lo suficiente para reconocer cuando algo es bueno, malo o feo.

Esto es el inicio de una serie posts donde humildemente colocaré la música de cine que disfruto, y a la larga espero que uds, y mis panas que escriben en el blog también lo hagan.

Sin ningún tipo de razón específica, más que simplemente el disfrute puro, comienzo con la banda sonora de la película que según los "expertos" fue la más taquillera de este verano estadounidense: Transformers dirigida por Michael Bay.

Para no redundar en descripciones que ya proliferan en la red, diré que el largometraje de Michael Bay es una película basada en una serie animada que fue creada por la juguetera Hasbro con la única intención de vender ¿que más?: juguetes, y mucho más allá de la mera intención comercial de la vaina,
el resultado fue el nacimiento de un culto en torno a los Transformers. ¿la razón?: quizás tenga que ver con la minuciosa que llega a ser la mitología que se creo para la serie animada, sino no me explico lo devastadora que llegó a ser para algunos, me incluyo, la muerte de Optimus Prime.

Pero bueno, con respecto a la película podríamos decir que es la típica película de Michael Bay, sin embargo me atrevería a decir que en este caso eso es lo mejor de todo, porque no creo que exista otro tipo que pudiera haber dirigido esta película.

Transformers es una película de entretenimiento barato, y Bay es especialista en ello, llevándolo a paroxismos que rayan en lo ridículo pero el entretenimiento también puede llegar a ser eso: ridículo.

La música de Transformers corrió a cargo de Steve Jablonsky un pana que forma parte de la nueva escuela de compositores de música de cine, por alla por Hollywoodland. Jablonsky es un discípulo (literalmente hablando) de Hans Zimmer así que la música de Transformers quizá suene un poco a lo habitual de la paleta de Zimmer. En todo caso eso no es del todo malo porque es quizás un sonido que le calza al dedo a la película de Bay consistente en temas que puedan ser fácilmente recordados precisamente por lo simple de su composición.

Lo único a reprochar de la música sería su ejecución, la orquesta sampleada le quita el vigor que debería haber tenido, claro eso quizás no se aprecia al escucharla por primera vez, pero luego cuando escuchas ciertos elementos como los coros, te preguntas porque no se buscaron a una filarmónica para interpretarla.

Otro de los vicios que Jablonsky heredó de Zimmer es inyectarle ciertos colores electrónicos a las piezas. Cualquiera puede pensar ¿bueno no es una película de robots?. Pero la verdad contradice lo que termina siendo la película o por lo menos lo que en teoría quizo presentar Bay: la historia de un adolescente común en una situación extraordinaria.

Así que el corazón del score de la película habla de los carácteres humanos y de sus emociones, claro está cuando se trata de los transformers las piezas tienden a ser bastante "robóticas", la percusión electrónica predomina sobre instrumentos más sutiles.

Temáticamente el score de Transformers es bastante regular, Jablonsky sólo hizo 4 temas identificables, el de los humanos, el de los buenos es decir los Autobots y el de los Decepticons los malos del asunto, además de un tema que se asocia a cada momento de heroísmo que acompaña a la película, y si hemos visto las películas de Michael Bay sabemos que los hay por coñazos.

De todas formas la música de Transformers es esa de las que funciona mejor dentro de la película que fuera, es decir como disco es una experiencia que sólo el melómano empedernido encontrará fascinante. De hecho mucho de los momentos de la película son lo que son por la música.

Gracias a Dios que decidieron usar música instrumental en la mayoría de las escenas porque si hubiese pasado lo que pasa muchas veces con estas películas cotuferas, de colocar donde se pueda la canción del grupo del momento, lo más probable es que la película fracasaba.




viernes, 19 de octubre de 2007

Oscar en otros idiomas...

Cuando todavía faltan unos cuatro meses y medio para la premiación, la Academia Americana de Cine ha presentado la lista oficial de las 63 películas propuestas por diferentes países para que compitan por convertirse en una de las 5 nominadas al Oscar a la Mejor Película de Habla no Inglesa

Lógicamente, hay muchos títulos de los cuales tenemos muy poco conicimiento (le doy un premio al que haya visto la postulada por Azerbaiján, por ejemplo), pero también se comienzan a ver algunos nombres que sí han sonado y que pudieran señalar a las favoritas iniciales. Como siempre, Francia, Italia, Alemania y España vienen con fuertes ofertas y no sería extraño verlas entre las nominadas

Entre los títulos que les puedo comentar se destacan Yun shui yao (The knot) de China, La edad de la Peseta (The silly age) de Cuba (y co-producida por Venezuela), Fong tuk (Exiled) de Hong Kong (dirigida por Johnnie To -- ¡muy buena!), La sconosciuta (The unknown) de Italia (¡Tornatore!), Caramel (Caramel) de Líbano, 4 luni, 3 saptamani si 2 zile (4 months, 3 weeks, 2 days) de Rumania (ganadora de Cannes este año), El orfanato (The orphanage) de España (y de la cual Vicente ya había hecho mención), y por supuesto, Postales de Leningrado (Postcards from Leningrad) en representación de Venezuela

Esta es la lista completa que ha facilitado la Academia (con los directores incluidos):
Argentina, “XXY,” Lucia Puenzo
Australia, “The Home Song Stories,” Tony Ayres
Austria, “The Counterfeiters,” Stefan Ruzowitzky
Azerbaijan, “Caucasia,” Farid Gumbatov
Bangladesh, “On the Wings of Dreams,” Golam Rabbany Biplob
Belgium, “Ben X,” Nic Balthazar
Bosnia and Herzegovina, “It’s Hard to Be Nice,” Srdan Vuletic
Brazil, “The Year My Parents Went on Vacation,” Cao Hamburger
Bulgaria, “Warden of the Dead,” Ilian Simeonov
Canada, “Days of Darkness,” Denys Arcand
Chile, “Padre Nuestro,” Rodrigo Sepulveda
China, “The Knot,” Yin Li
Colombia, “Satanas,” Andi Baiz
Croatia, “Armin,” Ognjen Svilicic
Cuba, “The Silly Age,” Pavel Giroud
Czech Republic, “I Served the King of England,” Jiri Menzel
Denmark, “The Art of Crying,” Peter Schonau Fog
Egypt, “In the Heliopolis Flat,” Mohamed Khan
Estonia, “The Class,” Ilmar Raag
Finland, “A Man’s Job,” Aleksi Salmenpera
France, “Persepolis,” Marjane Satrapi, Vincent Paronnaud
Georgia, “The Russian Triangle,” Aleko Tsabadze
Germany, “The Edge of Heaven,” Fatih Akin
Greece, “Eduart,” Angeliki Antoniou
Hong Kong, “Exiled,” Johnnie To
Hungary, “Taxidermia,” Gyorgy Palfi
Iceland, “Jar City,” Baltasar Kormakur
India, “Eklavya – The Royal Guard,” Vidhu Vinod Chopra
Indonesia, “Denias, Singing on the Cloud,” John De Rantau
Iran, “M for Mother,” Rasoul Mollagholipour
Iraq, “Jani Gal,” Jamil Rostami
Ireland, “Kings,” Tom Collins
Israel, “Beaufort,” Joseph Cedar
Italy, “The Unknown,” Giuseppe Tornatore
Japan, “I Just Didn’t Do It,” Masayuki Suo
Kazakhstan, “Mongol,” Sergei Bodrov
Korea, “Secret Sunshine,” Chang-dong Lee
Lebanon, “Caramel,” Nadine Labaki
Luxembourg, “Little Secrets,” Pol Cruchten
Macedonia, “Shadows,” Milcho Manchevski
Mexico, “Silent Light,” Carlos Reygadas
The Netherlands, “Duska,” Jos Stelling
Norway, “Gone with the Woman,” Petter Naess
Peru, “Crossing a Shadow,” Augusto Tamayo
Philippines, “Donsol,” Adolfo Alix, Jr.
Poland, “Katyn,” Andrzej Wajda
Portugal, “Belle Toujours,” Manoel de Oliveira
Puerto Rico, “Love Sickness,” Carlitos Ruiz, Mariem Perez
Romania, “4 Months, 3 Weeks and 2 Days,” Cristian Mungiu
Russia, “12,” Nikita Mikhalkov
Serbia, “The Trap,” Srdan Golubovic
Singapore, “881,” Royston Tan
Slovakia, “Return of the Storks,” Martin Repka
Slovenia, “Short Circuits,” Janez Lapajne
Spain, “The Orphanage,” J.A. Bayona
Sweden, “You, the Living,” Roy Andersson
Switzerland, “Late Bloomers,” Bettina Oberli
Taiwan, “Island Etude,” Chen Huai-En
Thailand, “King of Fire,” Chatrichalerm Yukol
Turkey, “A Man’s Fear of God,” Ozer Kiziltan
Uruguay, “The Pope’s Toilet,” Enrique Fernandez, Cesar Charlone
Venezuela, “Postcards from Leningrad,” Mariana Rondón
Vietnam, “The White Silk Dress,” Luu Huynh
Para ver la lista completa de ganadores del Oscar a la Mejore Película Extranjera o de Habla no Inglesa, haz click --->aquí

REC

Buscando información en el blog no oficial del Festival de Sitges 2007 , me topé con la crítica y el trailer de la película REC, gran triunfadora del festival luego de hacerse con cuatro de los galardones más importantes: mejor director, mejor actriz y los premios del público y de la crítica.

Al parecer, Jaume Balagueró y Paco Plaza han logrado con REC hacer una película de zombis bastante intensa y original, pues la mayoría de las personas que han dejado su testimonio en diversos sitios de la red, aseguran que la película no sólo da un tratamiento nuevo al tema de los zombis, sino que la cinta resulta bastante inquietante, pues nunca baja el ritmo, fluyendo en una tensión siempre in crescendo no apta para espectadores con enfermedades cardíacas.

El filme, sin duda un mockumentary, sigue los pasos de El Proyecto de la Bruja Blair, echando mano del hiperrealismo y de una historia inteligente, sencilla y justificada: la de Angela, una reportera que trata de cubrir la noticia de una anciana que, encerrada en su casa, lanza gritos desgarradores…

Aquí les dejo el trailer, sólo para que tengan una idea de lo que se consigue Angela cuando entra a casa de la anciana...

XI Festival de Cine Español

Con 26 títulos contará este año el Festival de Cines Español, ya en su 11ra aparición, y comenzaráa partir de hoy 19 de octubre

Como agregado adicional, este año estarán como invitadas a la legendaria (dirían algunos) Carmen Maura y Ana Fernández, quien de hecho se encuentra en el país filmando la cinta Cuidado con lo que sueñas de Geyka Urdaneta (donde también participa Norma Aleandro). También estará participando Tristán Ulloa

La lista de las 26 películas es larga (obviamente), pero se las coloco por acá para que tengan una idea de la oferta y puedan decidir si les interesa asistir o no:
Siete vírgenes (2005 - Alberto Rodríguez)
Quince días contigo (2005 - Jesús Ponce)
Agua con sal (2005 - Pedro Pérez Rosado)
Amor en defensa propia (2006 - Rafa Russo)
Alatriste (2006 - Agustín Díaz Yanes)
Azuloscurocasinegro (2006 - Daniel Sánchez Arévalo)
Cándida (2006 - Guillermo Fesser)
Camarón (2005 - Jaime Chavarri)
Carmen (2003 - Vicente Aranda)
Días azules (2006 - Miguel Santemases)
El camino de los ingleses (2006 - Antonio Banderas)
Heroína (2005 - Gerardo Herrero)
Iberia (2005 - Carlos Saura)
Incautos (2004 - Miguel Bardem)
La doble vida del fáquir (Elisabet Cabeza y Esteve Riambau)
La educación de las hadas (2006 - José Luis Cuerda)
Malas temporadas (2005 - Martín Cuenca)
Miguel y William (2007 - Inés París)
Otros días vendrán (2005 - Eduard Cortés)
¿Por qué se frotan las patitas? (2006 - Alvaro Begines)
Pudor (2007 - Tristán y David Ulloa)
Salvador (2006 - Manuel Huerga)
Tapas (2005 - José Corbacho y Juan Cruz)
Teresa, el cuerpo de Cristo (2007 - Ray Loriga)
Vida y color (2005 - Santiago Tabernero)
Yo soy la Juani (2006 - Juan José Bigas Luna)
Es muy difícil hacer recomendaciones, ya que estas 26 películas no han sido exhibidas antes en nuestro país (o muy tímidamente, cuando mucho) y hay que admitir que hay varias "oscuras" en el lote. Claramente se destaca Alatriste, por su costo (24 millones de Euros), y su elenco (principalmente por ver a Viggo Mortensen hablando en español -- y eso que ya le hemos visto hablando en Elfo. También con renombre llegan Azuloscurocasinegro, Cándida, El camino de los ingleses (por aquello de que es dirigida por Antonio Banderas)), Iberia (que es un documental dirigido por Saura), Pudor, Teresa, el cuerpo de Cristo y Yo soy la Juani

En algún momento, los amigos de Circuito Gran Cine deberán estar colocando los horarios y calendario del festival, para saber a ciencia cierta cuándo podemos ir a disfrutar de estas películas. De momento, pueden ver lo que han colocado del Festival haciendo click --->AQUI<---

Los cines que estarán exhibiendo estas cintas, al menos durante la primera semana, serán: Paseo, La Previsora, Ateneo, Cinemateca, CELARG 3, Centro Plaza, San Ignacio (en medias noches solamente), Tolón, Humboldt, El Marqués, Sambil Valencia y Patio Trigal (Valencia)

jueves, 18 de octubre de 2007

Abe Sapiens inaugura blog de producción de Hellboy 2

El video que aparece al final de este post es el primero del blog de producción de Hellboy 2: The Golden Army que será dirigida por Guillermo del Toro (¿existe otro que pueda hacerlo mejor que este señor acaso?). En el vemos al actor Doug Jones metido literalmente en su personaje de Abraham "Abe" Sapiens, un hombre mitad pez con poderes extrasensoriales.

Doug Jones lo interpretó en la primera parte y ha aparecido en otras películas de Del Toro como Mimic y El laberinto del Fauno. Mucha gente detesta Hellboy, a mi simplemente me fascina, todo de la película me parece genial. A RoRRo también le gusta...

Muchas críticas se dirigen a la mezcla que hace (mundos habitados por criaturas lovecraftianas, Segunda Guerra Mundial, etc.) pero yo creo que allí es donde radica lo mejor de la película y claro la maestría de Del Toro. Y por supuesto otras dos cosas: Ron Perlman nació para ser Hellboy y Selma Blair es una de las cosas más bellas que he visto proyectadas en una pantalla de cine.

Blog de Producción de Hellboy 2, está en inglés. La película tiene un estreno para el 11 de Julio del 2008, espero que llegue a tiempo.



Sabías que: La primera película que tuvo una página oficial fue Stargate dirigida por Roland Emmerich, hace 13 años. Coño como ha pasado el tiempo, ahora es inconcebible pensar que una película no use el internet para promocionarse. ¡Ojo cineastas venezolanos!

VIART 2007

A partir del 19 de octubre y hasta el 24 del mismo mes se estará llevando a cabo la Semana VIART 2007

Entre las actividades a realizar se encuentra una muestra de la Cinéfondation du Festival de Cannes, la sección competitiva estudiantil de ese festival, además de un "maratón" de cortos Venezolanos que durará más de tres horas (upa!), y la muestra "Cortos del mundo" en colaboración con el Festival de Cortos Clermont-Ferrand. El cierre del Festival incluirá la exhibición no solo del corto ganador de este año, sino también de Smile de Gigi Romero, obra ganadora en el 2006

Más información en la página de VIART

miércoles, 17 de octubre de 2007

Ezequiel Zamora y el ejército de Mordor

Watto Post una compañía venezolana de post producción audiovisual fue la encargada de realizar los efectos digitales de Miranda regresa. Explosiones de cañones, barcos combatiendo en mar abierto y hasta soldados de la guerra de independencia estadounidense fueron parte del trabajo de este equipo venezolano.

Según una nota del diario El Nacional la gente de Watto trabajará los efectos digitales de la próxima película de la Villa del Cine que se encuentra en fase de desarrollo "Zamora" que será dirigida por Román Chalbaud.

Según adelantan los panas de Watto han comenzado a trabajar con un software creado por la gente de Weta Digital, los mismos que crearon a Gollum y a los ejércitos de la trilogía tolkiniana que llevó a la pantalla grande el afable Sr. Peter Jackson.

El software, llamado Massive, permite la creación de multitudes dotándolas de una especie de inteligencia artificial que los hace interactuar de forma más natural. Es decir que cada personaje que sea generado por computadora tendrá vida propia. Una de las escenas claves, según indica la nota, que utilizará efectos creados por Massive será la recreación de la Batalla de Santa Inés.

Primero fue el ejercito de Mordor y ahora el ejército de Zamora. ¡Yeah!

¿Sabías que?: Rendear a la criatura Gollum, creada por WETA Digital para la trilogía del Señor de los Anillos, tardaba un promedio de 8 minutos por fotograma, en ocasiones rendear una toma completa tardaba 6 horas. ¿me pregunto cuanto se tardará para rendear al ejercito de Zamora

Miranda, ¿regresó?

La razón para la interrogante que titula este post surge de mi sentido común, no sólo de espectador de cine, sino de venezolano. De una de esas cavilaciones que uno hace cuando está atrapado en el Metro por mucho tiempo o cuando espera en la cola del sírvase ud mismo que está cerca de mi trabajo: ¿Si Miranda regresa, eso quiere decir que se fue? y si se fue, ¿cuando estuvo aquí?.

En todo caso para mi la película de Luis Alberto Lamata funciona más como un "Miranda por fin llegó", porque la verdad Francisco de Miranda tanto la persona histórica como el personaje cinematográfico siempre estuvo ausente, por lo menos para la masa que es quien aprende desde temprana edad eso que llaman "historia de venezuela" y la que tambien va al cine y tiene la última palabra.

Y al pensar en que Miranda por fin llegó, no olvido para nada la película de Diego Rízquez que antecede al largometraje de Lamata. Sin ánimos de patriotismos baratos, es ahora que la historia de los llamados hacedores de nuestra historia están sirviendo como verdadera materia prima para la expresión cinematográfica, una expresión cinematográfica que por demás parece, además, estar definiendo su propio nuevo camino.

Y esa llegada de Miranda es un reflejo de la recuperación del conocimiento propio que tenemos como sociedad. Y si hay algo que no puede negarse es que de eso hay mucho en las políticas culturales del gobierno.

La película de Lamata no cae en el terreno de lo panfletario, sin embargo su carácter meramente anecdótico parece ser su punto más débil, las licencias que se tomaron para contar la vida de Francisco de Miranda en apenas dos horas y algo más de duración no son suficientes, por lo menos en mi opinión, para darle una fuerza verdadera al conjunto.

No tengo certeza si el proyecto de Miranda Regresa se pensó primero como una miniserie y luego como una película, lo que si es cierto es que definitivamente la miniserie por la misma naturaleza del formato quizás permitirá un desarrollo mayor y más fluid tanto de personajes como del relato dramático, un desarrollo que en la versión que se estrenó el pasado 12 de octubre se ve un tanto atropellado.

A destacar realmente de la película están sus apartados en el sonido, fotografía y efectos especiales. Mucho más placentero es saber que todo el equipo que trabajo en ello es totalmente venezolano por lo que la película viene a ser una verdadera patada en el trasero para todos aquellos detractores que aseguraron (y seguirán asegurando) que aquí no se pueden hacer películas con calidad, una calidad mucho más alta que el estándar que exige el consumo interno, es decir que Miranda Regresa puede funcionar tanto aquí como en Nueva Zelanda (digo yo).

El otro aspecto a destacar de la película de Lamata es su carácter educativo. Si, educativo. Al terminar la película me di cuenta como espectador que mi conocimiento de la historia venezolana es cuando menos mediocre. Y quizás puede ser fácil culpar a mi educación primaria, secundaria y universitaria. Pero si una película te convence de querer saber más de lo que antecedió a la construcción de la realidad donde te desenvuelves, entonces para mi la película es excelente. Porque el cine no sólo debe entretener, también merece ser una herramienta de que fomente en nosotros esa curiosidad por el conocimiento.

Es por eso que siento que más que regresar, Francisco de Miranda por llegó. A ver cuando se lanzan con una de Bolívar, pero sin Lamata, no porque no sea capaz, sino porque pienso que la diversidad es lo mejor para nuestro cine en este momento.

Poster de American gangster

Hace unos 13 años trabajaron juntos por primera vez, y ahora, Denzel Washington y Russell Crowe se reunen en American gangster, con Ridley Scott tras el lente. Pero esta vez los roles se invierten: Washington es el criminal y Crowe el policía que debe detenerlo...

No sé qué opinen ustedes, pero este afiche me parece super cool. Por cierto, esta es la versión Francesa, la versión Norteamericana no ha salido todavía, pero sí han aparecido dos posters separados, uno con cada uno de los dos protagonistas

Igual quería ver esta película (Washington-Crowe-Scott? I'm there!), pero luego de ver este poster subió un par de puestos en mi lista de impelables

...la película se estrena en USA el 02 de noviembre del 2007 y en Venezuela está tentativamente agendada para el 11 de enero del 2008


haz click en el afiche para verlo más grande

martes, 16 de octubre de 2007

Regresó Miranda...

¿Por dónde comenzar a hablar de esta película? Ya hay reseñas y comentarios por todos lados, y si bien hay algunos que hablan de forma negativa, la mayoría menciona en términos positivos a Miranda regresa

Debo decir que me incluyo en el segundo grupo...

Ciertamente, no todo es perfecto y en más de una ocasión la película tiene algunos detalles que eran perfectamente mejorables y que la hubiesen hecho una (incluso) mejor obra, pero esto no quiere decir para nada que se trate de una mala producción, sino todo lo contrario: Miranda regresa es una buena película

¿De qué va la película? Es muy poco probable que quien esté leyendo esto desconozca la vida de Francisco de Miranda (o Pancho, como le decía su familia), uno de los hombres más preclaros que han salido de nuestra tierra y un verdadero personaje universal (aunque no sea tan famoso fuera de nuestras fronteras). Miranda regresa nos cuenta su vida desde los 19 años hasta el momento de su muerte en La Carraca, y para hacerlo utiliza un artilugio cinematográfico: la presencia de un entrevistador

Según la película, un fablistán (César Ramón Bolívar) visita a Miranda (Jorge Reyes) en su celda, y le pide que le cuente su vida para poder él así escribirla y darla a conocer a todo el mundo, y es así como comenzamos a ver sus primeros enfrentamientos contra las autoridades en la Caracas de 1769, sus continuos escapes de la inquisición (que lo perseguiría toda su vida), y sus participaciones en cuanta revolución se le cruzó por delante

La película está muy bien lograda. El trabajo de dirección artística es simplemente sensacional y la ambientación de época muy cuidada y detallada. La dirección de Luis Alberto Lamata es realmente buena y se nota que supo aprovechar los recursos que puso a su disposición la Villa del Cine. Pero lo más destacado de la película es sin duda la actuación de su protagonista. Reyes llega a la pantalla arrastrando el pesado equipaje del video aquel, pero no demora sino minutos en hacer que el público borre de su mente esa imagen de él y lo comience a ver como Miranda, incluso en las escenas donde lo representa ya de viejo y a punto de morir. Se nota claramente la dedicación que le puso este joven al personaje, y de verdad se agradece, porque son muchas las películas Venezolanas donde el trabajo actoral deja mucho que desear

Reyes no es el único que sobresale, ya que también hay buenos trabajos en los roles secundarios, particularmente el de la dupla padre-hijo de Luis Abreu y Luis Gerónimo Abreu, quienes interpretan a Salim, el moro que acompaña a Miranda a lo largo de su vida. También destacan Luigi Sciammana y Yanis Chimaras (en una corta participación como el padre de Miranda)

Pero como no todo puede ser bueno, hay que hablar también de lo que se pudo mejorar. La edición de la película es terrible, apresurada, cortante. En lugar de ayudar a llevar la trama, lo que se logra son tropezones que distraen y le restan a los demás elementos de la producción. Otro aspecto que se debió haber considerado mejor es la cantidad de aventuras de Miranda que se incluyeron (es que este señor hizo demasiado en su vida y meter todo eso en dos horas y media de cine es complicado). No creo que fuese necesario "perder" tiempo en su participación en la Revolución Norteamericana, que solo sirvió para verle describir cómo mejorar una batalla y para verle conocer a Susan (Fabiola Colmenares)

Otros cinco u ocho minutos que se pudieron ahorrar se ocupan en una escena que no aporta nada a la historia y que pareciera existir solo para acomodar la presencia de Danny Glover (o Dany Glover, como aparece en la secuencia inicial de créditos)

El uso de la música es bastante inconsistente, con momentos en los que se luce y otros en los que no da el apoyo que se requiere de ella. La secuencia musical que más me gustó ocurre cuando Miranda llega a costas Venezolanas y se escucha el himno nacional con un arreglo bastante hermoso y sencillo, que se deja colar

En resumen, debo decir que Miranda regresa me gustó bastante y me sorprendió como a muchos, pero lo más importante es que me dejó con sabor a "damemás". Ahora que hemos visto lo que se puede hacer con un buen director, una buena historia (aunque los diálogos se pudieron haber mejorado y el libreto se pudo haber hecho más magro) y con los recursos que ofrece la Villa del Cine, lo que quiero es ver más y más producciones de alto nivel. Yo ya he visto La clase y lamento decir que no está a la altura de este trabajo, pero a sabiendas de las otras producciones que le siguen, quizás veamos algunas que continuen este camino. Ojalá así sea...

Se las recomiendo, vayan a verla...

PD: los invito a leer lo que comentó Juanito Cinéfilo en su post

PD': los invito a que se lean los comentarios que dejaron Nelson y Atmósfera en este post. Muy buenos...

lunes, 15 de octubre de 2007

HORRORFEST: Segunda edición de cine de horror independiente



Muchos están felices: el Horrorfest (el festival del cine de horror) organizado por la productora After Dark Films, regresa. Y ahora no por uno, sino por dos fines de semana.

Al igual que en su primera edición, el Horrorfest estrenará ocho cintas de horror de bajo presupuesto en más de 500 salas de cine de los Estados Unidos, todo ello de manera simultánea. El festival tendrá lugar durante los fines de semana del 9 y el 18 de Noviembre y comprenderá la proyección de los filmes en más de 31 ciudades.

En este enlace encontrarán la lista de las películas confirmadas hasta el momento, así como una breve sinopsis de cada una.

Paralelamente y como dato curioso,After Dark Films abrió las inscripciones para la elección de la nueva Miss Horrofest, una especie de Miss Universo pero del horror. El premio es de 50.000 dólares para la ganadora, a quien además se le reserva el derecho de ser la cara oficial del festival por un año. El concurso posee su propia página en You Tube, en ella podrán conseguir no solo el tráiler promocional del evento, sino videos de las propias concursantes, así como de las audiciones preliminares. Para acceder a la página y ver el trailer presione aquí.

No quiero terminar sin antes hacer un breve comentario sobre la interesante historia del Horrorfest. Todo comenzó en el 2005, cuando Cortney Salomon, el director de An American Haunting (titulada al español como Maleficio), quiso distribuir la película. Al parecer los estudios de Hollywood querían una tajada más grande de la que Courtney podía permitirse. Frustrado, creó After Dark Films, una empresa distribuidora independiente, y buscó a otros directores que estuvieran en idéntica situación para dar forma no sólo a un paquete de películas que pudiera venderse en conjunto, sino que además pudiera proyectarse en un festival durante las fiestas de Halloween. Lo demás es historia. Díganme ustedes si esto no es ser creativo. Y lo más importante, díganme si esto no les da ánimo para crear o al menos proponer ese festival que siempre han querido hacer pero nunca se han atrevido a hacerlo.

Si mi condición económica mejora en las próximas semanas, me acercaré al festival. De ser así, prometo escribir un artículo detallado sobre el evento y las películas de manera de compartir la experiencia con ustedes.

domingo, 14 de octubre de 2007

En Catalunya fue la cosa

A pesar de no contar con una popularidad mayor, el Festival Internacional de Cine de Catalunya se ha convertido en una referencia a la hora de evaluar lo mejor del cine fantástico y de terror anualmente, si estuvo en Sitges, como también se conoce al festival, vale la pena por lo menos ver la película.

Quizás su falta de popularidad radica precisamente en que la piedra angular de las películas que compiten en este festival son trabajos enmarcados en el género de la ciencia ficción, el terror y los distintos subgéneros que entre ellos se encuentran. Y ya se sabe (según lo dicten los expertos y conocedores "serios") que una película con naves espaciales, zombies, viajes en el tiempo pues no debe ser muy buena como para tomarse en serio.

Sin embargo a medida que el festival celebra edición tras edición el interés del público en general, no sólo los afortunados que viven en Catalunya, ha ido creciendo; así como también el interés de directores, actores, guionistas y distintos creadores del cine en general.

Este año se llegó a la edición número 40 del mismo y entre las novedades presentadas estuvo la proyección del esperadísimo corte final de Blade Runner, es decir no es un corte alternativo ni un "director's cut", no. Este es el corte final de este peliculón luego de que Sir Ridley Scott arreglara algunos detalles de imagen y sonido.

El mismo llegará a las manos de los mortales en forma de dvd de edición limitada a finales de año. Sin embargo nada como verlo en un pantalla de cine. Rutger Hauer estuvo presente en la proyección de la película, algo que es común en este festival: la presencia de invitados de lujo.

De hecho el Festival de este año estuvo dedicado a Blade Runner.

Igualmente el público que asistió a Sitges durante los 10 días que duró dicho festival pudo disfrutar del experimento nostálgico-fílmico del tándem Tarantino/Rodríguez, Grindhouse en su forma original, es decir las dos películas (Planet Terror y Death Proof) junto a los trailers falsos. Invitadas de lujo: Zoê Bell y Sidney T. Poitier.

Una de las cosas que veo interesante de Sitges y que no es común en muchos de los festivales más reconocidos como Cannes, Berlin, San Sebastián, etc. es que la muestra no se limita únicamente a películas de género.

Por ejemplo este año se proyecto en el programa de Sitges, fuera de competencia obviamente, el último filme de Brian De Palma, Redacted, que se centra en la historia de un grupo de soldados estadounidenses que se encuentran combatiendo en Irak y el papel de los medios de comunicación en el tratamiento del conflicto.

La película que aún no se estrena comercialmente, y yo personalmente dudo que lo haga, ya ha levantado cierta molestia entre algunos críticos (algo totalmente común cuando se estrena una película de Brian De Palma según el mismo ha afirmado) quienes lo acusan prácticamente de toda muerte a futuro de cualquier soldado estadounidense que se encuentra en Irak.

La lista de películas que participaron en este festival es algo larga, dado que el mismo tiene varias secciones de competencia. Les dejo la lista de los ganadores de los principales premios para que las vayan buscando (y viendo por supuesto), igualmente les coloco los enlaces a la página oficial y al blog no oficial respectivamente. El blog no oficial tiene reseñas para todas las películas en competencia, ¡genial!.

Ganadores del Sitges 2007:

Mejor Película
The Fall de Tarsem Singh

Mejor Director
Jaume Balagueró & Paco Plaza por REC

Mejor Actriz
Manuela Velasco por Rec

Mejor Actor
Sam Rockwell por Joshua (El Hijo del Mal)

Mejor Guión
Chung Seo – Kyung , Park Chan-Wook por I’m a Cyborg but that’s Ok.

Mejor Fotografía
Toyomichi Kurita por Sukiyaki Western Django

Mejor Diseño de Producción
Takashi Sasaki por Sukiyaki Western Django

Mejores Efectos de Maquillaje
À L'Intérieur

Mejores Efectos Especiales
Mushishi

Mejor Banda Sonora Original
Kuniaki Haishima por Mushishi

Mejor Cortometraje
Saliva de Esmir FilhoMejor Película
The Fall de Tarsem Singh

Mejor Director
Jaume Balagueró & Paco Plaza por REC

Mejor Actriz
Manuela Velasco por Rec

Mejor Actor
Sam Rockwell por Joshua (El Hijo del Mal)

Mejor Guión
Chung Seo – Kyung , Park Chan-Wook por I’m a Cyborg but that’s Ok.

Mejor Fotografía
Toyomichi Kurita por Sukiyaki Western Django

Mejor Diseño de Producción
Takashi Sasaki por Sukiyaki Western Django

Mejores Efectos de Maquillaje
À L'Intérieur

Mejores Efectos Especiales
Mushishi

Mejor Banda Sonora Original
Kuniaki Haishima por Mushishi

Mejor Cortometraje
Saliva de Esmir Filho.



Página Oficial de Sitges
| Blog NO Oficial

Coño yo como que me lanzo el año que viene para Catalunya...

Boves, el Urogallo. Lo próximo de Lamata

El cineasta Luis Alberto Lamata (Jericó; Desnudo con naranjas; Salserín, la primera vez; y Miranda regresa), iniciará durante el primer trimestre de 2008 el rodaje de su próxima película: Boves, el urogallo.

Así lo informó el mismo Lamata durante un encuentro con la prensa para presentar la película Miranda regresa, filme que se estrenó este viernes 12 de octubre.

Lamata explicó que sus deseos eran iniciar el rodaje de Boves este mismo año, pero problemas con una de sus fuentes de financiamiento retrasaron la filmación. 'Eso creó una pequeña crisis', dijo.

La película, que será una adaptación del famoso libro de Francisco Herrera Luque, estará protagonizada por el actor de teatro Juvel Vielma, en lo que significará su debut en la gran pantalla.

El Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC) aportó en enero pasado un millardo de bolívares para el largometraje.

¿Sabías que?: Luis Alberto Lamata es quizás el único cineasta venezolano en tener dos de sus películas en cartelera al mismo tiempo (1997) siendo estas Desnudo con Naranjas, que se filmaría 2 años antes y Salserín, la primera vez, filmada entre 1996 y 1997. Alberto Arvelo por poco logra lo mismo durante el año 2006 con sus dos últimas películas: Habana Havana y Tocar y Luchar


Fuente: Agencia Bolivariana de Noticias, Foto: Maiquel Torcatt


viernes, 12 de octubre de 2007

13: Nuevo documental sobre sucesos del 11 de Abril de 2002

Tal y como se refiere en la miscelánea informativa del Centro Nacional Autónomo de Cinematografía CNAC, de fecha 11 de Octubre de los corrientes, ya ha sido colgado en la internet 13, un nuevo documental sobre el golpe de Estado ocurrido en Venezuela en el año 2002. El filme, transmitido originalmente por el canal Ávila TV, narra, a través del testimonio de jóvenes de barrios populares, los sucesos acaecidos el 11 de Abril de 2002.

El documental fue realizado por David Segarra y Ángela Mimiaga, y producido por Lisneth Puyana. Publicado en numerosos sitios web, que incluyen Venezuela, Colombia, Argentina, Estados Unidos, España, Francia e Italia, el documental puede conseguirse en Dailymotion.com y en Google Videos.

Según la miscelánea en referencia y como nota curiosa, 13 recibió mas de 10.000 visitantes en tan sólo los tres primeros días de su debut en la red.


13ABRIL
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jueves, 11 de octubre de 2007

Estrella misteriosa...

Neil Gaiman es uno de mis escritores favoritos, y cuando me enteré que iban a hacer la película de su obra Stardust, el fanático que hay en mi pegó un brinco de alegría, pero por otra parte mi espíritu de golpeado cinéfilo se tapó la cara previendo que terminaría nuevamente en una decepción: un excelente libro mal adaptado al cine

La verdad es que en este caso salió ganando mi inocente lado fanático, puesto que Stardust es una gran película...

...y cuando digo que es una gran película, lo hago a sabiendas de que no se trata de un clásico del cine, ni de una obra innovadora que revolucionará el séptimo arte. Me refiero a una de esas películas que después que uno las ve sale con una sonrisista en la cara, y que cada vez que se la topa nuevamente no pierde la oportunidad de volver a verla. No sé si me explicaré con este ejemplo, pero creo que por las similitudes temáticas quizás haga algo de sentido: Stardust es el equivalente de Siglo XXI de la película The princess bride. Así de buena me pareció

¿De qué va la película? Tristan (Charlie Cox) vive en un pequeñísimo poblado de Inglaterra que tiene la peculiaridad de ser bordeado por un muro de piedra que resguarda a los habitantes de lo que hay que el misterioso bosque. A nadie le es permitido cruzar el muro para explorar fuera del poblado, pero cuando Tristan le promete a la bella Victoria (Sienna Miller), la chica más hermosa del pueblo, que le entregará una estrella fugaz si ella acepta casarse con él, el joven desatará una serie de aventuras que cambiarán para siempre el destino de su poblado y del mágico mundo que yace más allá del muro

Tristan deberá encontrar a la estrella fugaz (Claire Danes) y llevarla ante Victoria, pero para ello deberá escapar de la malvada bruja (¿qué sería de un cuento de hadas sin una malvada bruja?) interpretada por Michelle Pfeiffer, deberá enfrentarse al rudo capitán Shakespeare (Robert De Niro) y pelear con el príncipe Septimus (Mark Strong) antes de que este complete una extraña y sangrienta (y divertida) tradición familiar para hacerse con el trono del reino

Como muchas adaptaciones, la versión fílmica tiene serias diferencias con su contraparte literaria, pero esto no es necesariamente malo. La verdad es que lo ajustes que le hicieron al texto cumplen su fin de darle algo más de ritmo a la historia, y de evitar caer en complicaciones y enredos que no aportarían nada a la experiencia del cine. Siempre hay cosas que uno prefiere que hubiesen dejado intactas, pero también hay sorpresas agradables sobre las formas en las que "arreglaron" el guión

Las actuaciones están bien (a la Pfeiffer hacía tiempo que no se le veía divirtiéndose tanto en un rol), aunque me parece que Cox tiene una cara de tonto que no le ayuda mucho para el rol (incluso considerando que Tristan es un "adorable perdedor"). Eso sí, me hubiese gustado que ciertos actores tuvieran más que hacer en la película, como Peter O'Toole como el Rey, Rupert Everett como Secundus, uno de los príncipes herederos, y Ricky Gervais, quien se roba las dos escenas en las que aparece

Algo que sí me pareció un poco flojo fueron los efectos especiales, no porque sean particularmente malos, sino por su inconsistencia. En algunas escenas lucían fenomenales, pero hay otras (las menos, afortunadamente) donde parece que les hizo falta algo de presupuesto

En líneas generales, Stardust es un buen film, no es una maravilla técnica ni narrativa, pero si hablamos de cine como un elemento de entretenimiento, esta película es un éxito. Se las recomiendo ampliamente, pero eso sí, cuando la vayan a ver deben dejar atrás sus prejuicios de adulto e ir con una mentalidad más inocente que permita disfrutar más de una aventura mágica como esta...

...y si la van a ver, traten de buscarse el DVD de The princess bride. No se arrepentirán...

miércoles, 10 de octubre de 2007

El Orfanato

Mañana llegará a la sala de cines españolas El Orfanato, la ópera prima del director español Juan Antonio Bayona. Aunque por estos lares no parece haber llegado mucha información sobre la cinta, los medios refieren una destacada participación de la película en festivales de envergadura como el de Cannes, New York y Texas, ello sin contar su nominación como candidata española a la mejor película de habla no inglesa de los premios Oscar.

El filme, producido por Guillermo del Toro, narra la historia de Laura, una mujer que regresa al orfanato donde pasó parte de su niñez, para montar allí una residencia para niños especiales. Al parecer el meollo del asunto, gira en torno a los extraños sucesos que ocurren en la casa. En la película actúan Belén Rueda como protagonista, Geraldine Chaplin, Roger Princep y Mabel Rivera , entre otros.

Bayona, quien de alguna manera ya la pegó del techo con su primer largo, dice que el filme era parte del corto 7337, el cual fue dirigido por Sergio G. Sánchez, otro joven español, que figura como guionista de El Orfanato. Tengo que confesar que vi el trailer y se ve bastante interesante. De repente me da un aire a Los Otros mezclado con el Laberinto de Pan y El espinazo del Diablo, pero me imagino que se trata de un buen indicativo.

Como todavía falta bastante para que llegue la película, les recomiendo las tres películas de las que he hecho referencia, sólo por aquello de "calentar motores".

El trailer de El Orfanato lo tiene en You Tube y lo pueden ver aquí.

jmpr

Coño. ESTO es un trailer...

Hayden Christensen y Samuel L. Jackson trabajan juntos por primera vez desde aquel proyectico que hicieron hace unos años, en la nueva película de Doug Liman el mismo de The Bourne identity y Mr. & Mrs. Smith (lee mi reseña aquí) en Jumper, un film de ciencia ficción que se ve muy, MUY cool

Se estrena el 15 de febrero, así que ya sé qué quiero para mi cumpleaños...

...NO SE LO PELEN

martes, 9 de octubre de 2007

Miranda regresa este viernes 12 de octubre

Update: me invitaron a la premiere, er, "Presidencial" que se realizará mañana jueves 11 en la Academia Militar. En mi reseña de la película les cuento cómo estuvo este evento...

El próximo viernes se estará estrenando la película Venezolana que más ha dado de qué hablar este año: Miranda regresa

Ha dado de qué hablar por varias razones: es la primera película que sale de la Villa del Cine, llega a poco más de un año del estreno de Francisco de Miranda de Diego Rísquez, es protagonizada por Jorge Reyes (no entro en explicaciones), aparece el controvertido (para el cine nacional, quiero decir) Danny Glover y además, porque es una producción épica como pocas se han visto en el país

Los comentarios que he escuchado hasta ahora de gente no relacionada a la Villa son bastante buenos -- siempre habrá discusiones sobre la "ideología" y sobre el uso del dinero del estado para estas películas, pero al menos se nota un progreso a nivel de valores de producción (no en balde tiene una inversión elevadísima). Solo por eso, creo que es necesario que el público vea esta película, porque siento que en muchas ocasiones en el pasado, buenas películas Venezolanas no pudieron alcanzar su potencial por no haber contado con los recursos necesarios al momento de su producción, perdiéndose así buenos guiones, buenas actuaciones y buenas direcciones

Yo no la he visto todavía, pero pronto lo haré, para hacerles el comentario de costumbre por acá, pero por los momentos les adelanto que la película se estará estrenando prácticamente a nivel nacional

La película se estrena en Caracas, Maracaibo, Maracay, Valencia, Barquisimeto, Puerto Ordaz, Puerto La Cruz, Porlamar, Los Teques y Guarenas-Guatire, entre otras ciudades

Donnie Darko para eruditos y otros pajaritos preñados

ADVERTENCIA: Escribí este extenso artículo sobre Donnie Darko en un momento de intenso ocio, fascinación y desempleo. Particularmente no lo considero una reseña, una crítica o una recomendación, sino una disertación tan inservible e interesante, como puede llegar a ser una sobre una película de ciencia ficción. Si no ha visto el filme, puede que no entienda mucho -por no decir nada- de lo que aquí escribo, pues como dije no se trata de una reseña. Si ha visto la película o piensa verla, puede que consiga esto útil para matar el tiempo y dejar a un lado el cubo mágico por unos instantes. Y si le gusta estudiar la mente humana, puede que descubra como una puede llegar a afiebrarse por exceso de tiempo, pajaritos preñados y una obra excepcional. Mis compañeros de Cinescopio han practicado la caridad y la paciencia al dejarme publicar este mamotreto aquí, así como en su tiempo lo hizo la gente de la revista Tauzero, quienes fueron los primeros en hacerlo bajo el título de "Donnie Darko por un conejo vestido de hombre". Pues nada, gracias, suerte y gaceta hípica. Y si quieren ver el trailer, ahora es cuando.

Donnie Darko por un conejo vestido de hombre
De una u otra manera, todos hemos caído alguna vez bajo el embrujo de la ciencia ficción y sus universos posibles. Aquellos que no tuvimos la suerte de descubrir el género en la hoja impresa de un libro, bien sea por la poca distribución y escasa apuesta editorial de editores y libreros en nuestras localidades, bien por la influencia del determinismo nefasto que estigmatizaba a la ciencia ficción como un espacio menor y poco serio de la literatura; descubrimos la magia de sus posibilidades a través de medios comercialmente más influyentes y autoritarios como el cine y la televisión, respectivamente.

Me inclino a pensar que mi generación creció bajo el reflejo dominical de El hombre de la Atlántida, Hulk El Hombre Increíble, El Hombre Biónico, Star Trek y La Dimensión Desconocida, por nombrar lo primero que se me viene a la mente, y no tengo temor alguno de asegurar que este fenómeno, traspasado también al universo del cómic y manga, seguirá siendo una constante –con diferentes historias y personajes por supuesto–, en las generaciones actuales y por venir. El hecho es que, directa o indirectamente, todos hemos estado en contacto con la ciencia ficción, y tenemos, en consecuencia, una vaga idea de hacia donde se dirige la cosa.

Por otro lado, todo lector y/o espectador sabe que, de una manera u otra, todas las historias han sido contadas –las de ciencia ficción no son una excepción–, y que el meollo del asunto, la diferencia que deja marca, es la forma en que se mezclan los elementos, principios y teorías que le dan identidad al argumento, es decir, el tratamiento y la conjunción de las partes que componen el todo del hilo narrativo. No estoy diciendo nada nuevo. Ya Borges lo dijo en alguna ocasión, con palabras más educadas que las mías.

Toda esta perorata viene a cuento porque Donnie Darko, el niño de oro de este escrito, es uno de esos filmes que aunque descubierto y reconocido sólo por algunos, es un digno ejemplo de tratamiento de muchos temas, con un resultado asombroso tanto desde el punto de vista argumental, como del cinematográfico. A mi entender, que es el de alguien que a pesar de carecer de educación académica en el séptimo arte, trabajó en una cinemateca por dos años y engulló centenares de filmes de toda índole, Donnie Darko está destinada a convertirse, si ya no lo es, en una de esas películas de culto, capaz de marcar un hito dentro del género y la historia del cine. Donnie Darko es filosofía del viaje en el tiempo, es apocalipsis, es universo tangencial, paradoja temporal, relativismo y poderes dimensionales, todo en una misma historia, escrita, hilvanada, filmada y editada de manera brillante.

La visión de un fanático
Tratando de desentrañar sus misterios, he visto la película en tres ocasiones. Dos veces la versión comercial y una vez la del director, ello sin contar la media hora de escenas cortadas o borradas al momento de la edición, a las cuales puede accederse si se alquila el filme en formato DVD. Sería justo que alguno de ustedes me tildara de fanático, o peor aún, de persona ociosa, sin oficio. Pero la verdad es que si alguien se toma la molestia de buscar datos sobre Donnie Darko en Internet, no sólo se encontrará con una página oficial poco ortodoxa, de formato heterodino, que hasta tiene la audacia de continuar la historia y aclarar vacíos, sino que además hallará un vasto universo de foros, grupos y listas de correo dedicadas por entero a su análisis: bases de datos casuales en las que cientos de personas manifiestan sus odios y pasiones hacia el filme, intentan dar sus puntos de vista, o simplemente, demostrar sus teorías y suposiciones. No fui el primero ni seré el último en adentrarme, con un afán que va más allá de lo normal, en las aguas teóricas y oscuras del universo tangencial, y tengo el consuelo de no ser el único vicioso, atrapado en el desvarío del mundo Darko.
La película me llegó a las manos por pura y simple suerte. Hay que reconocer que el nombre del filme no dice mucho para quien nunca ha oído algo acerca de él, y como sucede con la mayoría de las obras del cine independiente o indie, la publicidad, que se prostituye a mejores postores, no ha jugado aquí papel importante, por lo menos en el mundo de habla hispana. Su director, Richard Kelly, quien escribió, rodó y produjo el filme con apenas 9000 dólares, es otro de los factores que contribuyen a un posible anonimato. Donnie Darko fue su primer largometraje, su estreno como director serio. Su historia previa en el mundo del cine se reduce a dos cortos: Goodbye Place (1996) y Visceral Matter (1997), ambos totalmente desconocidos, aún hoy día. Sin embargo, el manejo artístico y fílmico que demuestra Kelly en su primera entrada a escena le hace parecer un veterano con varios largometrajes encima, lo cual, si bien admirable, encierra el riesgo de doble filo de todo primer éxito en el mundo del cine: o bien la compra en subasta del nuevo director por parte de los mercados comerciales de Hollywood, o peor todavía, la venta ambiciosa de sí mismo a los estudios cinematográficos; o en el otro extremo, la producción de una segunda cinta independiente, esta vez enferma de abandono, de falta de capital, agobiada de personalismo, o de insipidez. Esperemos que Kelly sepa evitar tan nefastos destinos. Un detalle que aventuro a precisar para justificar la poca promoción de la película: Donnie Darko fue estrenada en el año 2001, el mismo que protagonizó el atentado a las torres gemelas de Nueva York. ¿Pudo el impacto económico de la tragedia y el miedo generalizado y reforzado por los medios, hacer pasar por debajo de la mesa un filme como éste? Es un argumento debatible. Pero hay algo que me inclino a creer cierto: la caída del World Trade Center golpeó de gravedad a la taquilla estadounidense, en primer lugar, y a las grandes empresas de producción, distribución y alquiler de videos, consecuencialmente. Si no, pregúntenselo al estudio responsable de Spiderman, primera parte, quienes decidieron reformar ciertas escenas de la película y aguantar su salida por cierto tiempo.

Aclaratorias de rigor

Nunca las comparaciones han sido buenas. Así que no voy a cometer el error de asemejar a Richard Kelly con David Lynch, menos aún con los hermanos Polish. Sin embargo, dejo constancia de que, por algún motivo, a Kelly se le compara con el primero, y a mí, personalmente, me recuerda a los segundos. Aunque en Donnie Darko hay una suerte de manejo surrealista de la historia, incluso de los personajes que la conforman, no creo que se deba a una mera propuesta onírica del director, sino a la necesidad narrativa de crear una ambigüedad entre la realidad, y una posible percepción esquizofrénica del mundo por parte de Donnie, el personaje principal.

Creo que la versión original del filme es mejor que la del director. Escenas cortas, concisas, con diálogos sustanciosos. Nada de regodeo o desperdicio narrativo. Las actuaciones son muy buenas y la edición me parece insuperable. Hay un uso notable del fade out (disolución de la imagen a negro) como elemento para crear tensión argumental, y el sonido, oscuro de por sí, es acertado, nada efectista, y al igual que la banda sonora, lejos de ser tradicional. Un aparte: la mayor fortaleza y la mayor debilidad del filme reside en el hecho de que la historia está condensada en el propio libro que Kelly ha creado como fundamento del guión: La Filosofía del Viaje en el Tiempo, el cual explaya la cosmovisión en la que se mueve la película y maneja los principios y teorías que la sustentan. Es cierto que la versión del director transcribe originalmente párrafos del libro como apertura a ciertas escenas del filme. Sin embargo, la versión original sólo los menciona breve y circunstancialmente a través del diálogo de los personajes, lo cual sin duda dificulta un poco el entendimiento total de la historia. Me permito aquí transcribir y traducir del inglés algunos puntos del libro ficticio, los cuales creo serán de ayuda para un espectador que haya quedado un poco confundido: La cuarta dimensión del tiempo es una construcción estable; sin embargo, no es impenetrable. Si un universo tangencial o paralelo ocurriere, este sería muy inestable, no pudiendo sostenerse por más de algunas semanas. Eventualmente el universo tangencial colapsaría por sí mismo, formando un agujero negro dentro del universo primario, capaz de destruir toda existencia. Artefactos proveen la primera señal de que un universo tangencial ha ocurrido. El ser elegido es escogido para guiar el artefacto en la posición necesaria para su viaje al universo primario. El elegido se ve a menudo atormentado por sueños terroríficos, visiones y alucinaciones durante su estadía en el universo tangencial. Si una persona muere en la dimensión tangencial, será capaz de contactar al ser elegido a través de ésta construcción dimensional. En breve: la posibilidad de que un universo tangencial o paralelo se produzca es totalmente probable, siempre y cuando confluyan una serie específica de factores y circunstancias eventuales, que según el libro, se reducen básicamente al paso de un artefacto metálico por un agujero temporal. Cuando dichos factores concurren, la estabilidad del mundo se ve seriamente amenazada con la destrucción total, a menos que un ser, el elegido, aquel que se encuentra cercano al vórtice del portal que dio origen al universo tangencial, lo impida, pues en el recae inexorablemente toda responsabilidad, una combinación de altruismo obligatorio y de locura temporal forzosa, todo mezclado con el peso añadido de una sarta de poderes no deseados a los cuales no sabe como echar mano, y un amasijo de terribles pesadillas diurnas e ilusiones nocturnas… La pregunta que trasciende más allá de esta trascripción e interpretación, y que es el núcleo del dilema, es la siguiente: ¿es Donnie Darko un esquizofrénico en ciernes que ve en dicho texto una guía conveniente a su locura adolescente, o realmente el libro que cae en sus manos encierra la verdad y realidad posible de un mundo enfrentado al apocalipsis?

Nada de sinopsis
Debo confesar que debido a la complejidad de la película, me vi tentado a redactar una sinopsis explicativa y detallada de Donnie Darko. Sin embargo, después de meditarlo, he decidido desechar la idea por varias razones. Primero, el respeto a la obra. Creo que cada quien debe ver la película y asimilarla desde su punto de vista, de manera que se trate de una experiencia individual. No soy quien para destruir la posible relación de un futuro espectador con el filme. Sería tan estúpido como tratar de hacer un análisis pormenorizado de Los Girasoles de Van Gogh en favor de alguien que no ha visto la pintura ni siquiera en una estampa, pues implicaría sin duda el aniquilamiento de la objetividad, de la sorpresa y de la correlación entre el espectador y el significado, aquello que ha querido transmitir el artista, en nuestro caso, el director. Por otro lado, creo que el objetivo de este artículo va más allá de la simple recomendación del filme, de dar una idea vaga de lo que es, de explicarlo o criticarlo. La idea es descomponer sus trasfondos, disfrutarlo a posteriori, separar algunas de sus partes y volverlas a armar junto al lector y sus pensamientos, pero por sobre todo, considerar tópicos inexplorados o poco tratados dentro de las miles interpretaciones y vías de recorrido que ofrece. Y esto sólo es posible hacerlo de manera efectiva si se ha visto el filme antes. ¿Cómo se podría saber de otra manera si lo que escribo tiene sentido o no? ¿Como podría el lector apelar a su espíritu crítico si no ha visto la película antes? La última, y la más simple de las razones, es que esta sinopsis detallada que pretendo evitar, puede encontrarse en cualquier rincón del Internet. Así que de una manera u otra estoy matando dos pájaros de un tiro: evado contar la historia con pelos y señales a aquellos que no han visto la película y, evito volver a repetir algo que ha sido ya escrito muchas veces y que no sólo implicaría una agonía para quien ya está familiarizado con el tema, sino que además supongo me llevaría unas cuantas cuartillas de las muchas ya de las que vengo abusando. Por tanto, me permito obviar el resumen del filme, para entrar a considerar directamente aquellos puntos que, dentro de los muchos que pueden ser tocados, a mi me parecen los más interesantes e importantes desde el punto de vista de la semiótica.

Autopsia del personaje
Donnie Darko es, a mi entender, un perfecto antihéroe, pues lo que es, se ve superado en creces por aquellas muchas cosas que deja de ser. Donnie es uno de esos seres que, de llegar a la adultez, bien podría alcanzar grandes destinos, incluso, hacer o aportar muchas cosas importantes en favor del prójimo y la humanidad. Sin embargo, dada su continua disconformidad con la existencia, Donnie se rebela contra esa visión filantrópica, optimista y constructora. Nuestro protagonista sería uno de esos genios de cobertizo que mandaría a todos a la mierda con razón, y hasta es posible que Nicanor Parra lo tomara como pieza principal de uno de sus antipoemas. Para decirlo sin aspavientos, quien está en escena es un adolescente disfuncional con el mundo que le toca vivir. Y no me refiero a ese desvarío propio del individuo común que llega a la pubertad y cree que el universo gira alrededor de su ombligo. Donnie es un joven suprainteligente, preocupado por su propio destino, acosado por sus miedos, temores y demonios, un ser atormentado por un espíritu crítico que no sólo está más allá de lo normal, sino que además se ve potenciado por una carga increíble de agudeza intelectual que se le hace insufrible, y que, en definitiva, es lo que le jode. Para que maltratarnos, puede usted llamarlo genio o loco, y de allí la ambigüedad con que ve el mundo, ese espejo que le bifurca la realidad y que le hace dudar si lo que vive es real o no. Sin embargo, más allá de todas estas consideraciones, lo que afecta al espectador es que nuestro protagonista es, dada su humanidad, un personaje totalmente accesible, uno que por más que se esfuerce en lo contrario, está más dispuesto a la depresión y la locura que a la aventura de la acción y reacción que caracteriza a la mayoría de los personajes de la cinematografía de la ciencia ficción. Es uno que puede ver conejos gigantes de un metro ochenta mientras toma antidepresivos, a la par que se decide a salvar el mundo sin estar seguro de que ese mundo exista en un lugar distinto a su propia cabeza.

Darko, Dios y la existencia
De soslayo, Richard Kelly se las ha arreglado para tocar uno de los tópicos más controversiales de la filosofía: el problema de la existencia de Dios y la soledad del hombre. A lo largo del filme, Donnie manifiesta la necesidad innata, automática y universal de todos los seres humanos de creer en algo, no sólo como parte de una justificación involuntaria de su existencia, sino principalmente para no sentirse solo, para no morir en soledad. Y no hablo aquí de la soledad que se remedia entre las multitudes, sino del vacío que se siente cuando nos percatamos de que todos vamos a morir, y que es posible que nuestra existencia no tenga sentido alguno.
Obviamente, el planteamiento de un posible apocalipsis agudiza el sentimiento de vacuidad de nuestro antihéroe. Sus citas con la psicoanalista no hacen otra cosa que poner pañitos de agua caliente a su duda individual, la cual se ve acosada por un miedo mayor, profundo y milenario: el temor universal del hombre a ser una raza olvidada y dejada al azar, sin un dios que le gobierne, aconseje, dirija y acompañe. Hasta la relación idílica de Donnie con Gretchel se ve salpicada por estos visos de incertidumbre existencial. ¿Es la vida una colección de momentos? ¿Es una oportunidad para los recuerdos gratos? ¿Y si se pudieran cambiar los instantes de infelicidad? Con Gretchel, Donnie busca perpetuar de compañía su disconformidad, responder a la impresencia y a la ausencia de Dios, con amor. Después de todo es posible que Dios no sea más que eso: amor. Y también es probable que Donnie sea sin saberlo un hijo especial de El, un Mesías, un salvador que evitará el apocalipsis a través del sacrificio personal y la consideración hacia los demás. Esta teoría podría explicar el regocijo que Donnie demuestra antes de morir aplastado en su cuarto, la cual está en contra de aquellas que señalan que la felicidad de Donnie en ese momento se debe a la viciosa satisfacción del suicidio voluntario, o el alivio que produce creer que todo lo que sucede es producto de un mal sueño. Hay una escena en la que creo se cuestiona abiertamente la realidad del ser. Donnie está en una sala de cine con Gretchel –no recuerdo si la sala estaba vacía, lo cual sin duda podría ser un punto que agregaría al aspecto de la soledad y la individualidad de la vida, una metáfora a la posibilidad y la vacuidad-, y Frank (el conejo de un metro ochenta) aparece. Gretchel duerme, y sólo Donnie ve a Frank. ¿Qué haces con ese estúpido traje de conejo?, pregunta Donnie. A lo que Frank responde: ¿Qué haces con ese estúpido traje de hombre? Esta última pregunta cuestiona sin duda nuestra arrogancia existencial como hombres, nuestra creencia de que somos únicos y mejores, de que nuestra realidad es la cierta y que el mundo de los sentidos es un fiel traductor de la vida. Quizá estemos en lo correcto. O quizás hagan falta más conejos de un metro ochenta desperdigados por el mundo.

De la memoria residual y de las hermanitas muertas
Uno de los puntos que toca el libro ficticio La Filosofía del Viaje en el Tiempo –¿al haber sido escrito aunque fuera para justificar ficción no lo hace un libro real?–, es el relativo a la memoria residual. Según éste, todos aquellos seres que estuvieron cerca del elegido jugando un papel determinante e inconsciente para obligar su sacrificio y salvar el mundo, podrían recordar en sueños lo vivido –¿o no vivido?– en el universo tangencial que ha desaparecido. Incluso el libro señala que ciertos individuos pueden recordar aún estando despiertos.
Considerando el final de la película, vemos que muchos de los personajes conservan cierto tipo de recuerdos. Frank se toca el ojo que fuera desfigurado en el universo paralelo, la profesora de gimnasia parece angustiarse con los desaciertos que recuerda pero no ha cometido, y el personaje de Patrick Swayze llora desconsoladamente por los que presumimos sus pecados pederastas. Me gustaría agregar que este último personaje corresponde un elemento fundamental en la historia. Algunos incluso aseguran que Frank (el conejo) fue, durante su adolescencia, uno de los niños abusados por el profesor, basándose tal aseveración en el hecho de que el video que Swayze utiliza para promocionar sus cursos de autoayuda, utiliza como personaje a un niño con problemas llamado Frank. Según este planteamiento sería Frank el detonador de la historia, encontrando motivo para su regreso de otro universo en la venganza. Sin embargo esto tiene poco sentido, pues el hecho de que Donnie queme la casa del profesor, dejando al descubierto su colección de pornografía infantil, es sólo uno de los elementos necesarios para que su madre tenga que viajar en el mismo avión que luego caerá, también con su hermanita adentro (lo cual le obligará a sacrificarse a sí mismo por ellas). Recuérdese que su madre sustituye a la profesora de gimnasia como dama de compañía de las niñas (entre ellas la hermana de Donnie) que van a un concurso de baile en otro estado, cuando la profesora de gimnasia decide quedarse en el pueblo para ayudar al caído Swayze. Todo esto, cultamente ensamblado por el director y guionista, no creo que busque el castigo de Swayze (me niego a creer que la película tenga una reducción argumental tan simplista), sino más bien me parece que es una de las piezas del engranaje que lleva al apocalipsis y al sacrificio de Donnie. El minuto final de hincapié que hace la película en el tema de la memoria residual me parece glorioso. Sin embargo, hay un detalle que me deja un mal sabor en la boca. Aún y cuando Donnie muera, evitando la apertura del universo tangencial, borrando la aparición de Frank y consiguientemente, todos los hechos que desencadenan el posible apocalipsis (las muertes de Frank, Gretchel y la madre de Donnie, por ejemplo); la pequeña Darko va a morir de todas formas, pues ésta se va a montar en el avión en cualquier caso, sólo que en vez de ir con su madre, irá con la profesora de gimnasia. Sólo que en vez de pasar la turbina por el agujero temporal, será todo el avión el que irá a parar al piso… Debo confesar que el hecho de que la familia se haya quedado sin dos hijos en tan poco tiempo no me gusta y me hace pensar que a Kelly se le fue ese detalle. En todo caso, me guste o no, también esto es posible dentro del mundo Darko. La pregunta obligada sería: ¿y qué no lo es?